Ground Control To Major Tom

Ventre "Undressed Morning"

Cinq ans. Il aura fallu un quinquennat pour que les Strasbourgeois de Ventre daignent donner suite, et dans un long format, à leur précédent EP sorti chez le Collectif Kim Records. Fort heureusement, il nous faut moins de temps pour apprécier les nouvelles mélodies évanescentes de la toute dernière signature du label Herzfeld et permet par la même occasion d’élargir l’horizon du catalogue de ce dernier. Alors bien sûr, les grincheux crieront à l’imposture, au plagiat, et diront que Ventre ressemble trop à Blonde Redhead. Mais le trio a quelque chose dans le… ventre qui le démarque  de son influence américaine dont on ne sait vraiment pas si elle est réfléchie ou non.

Undressed Morning permet à Laure Nantois, Antonin Soulier (guitare, voix) et Josh Muller (batterie) d’avancer dans un univers cinématographie instagramé fait de guitares à la fois douces et nerveuses puis rythmées par une batterie hypnotique. Ventre prend aux tripes grâce à ses ambiances atmosphériques et ses envolées pop. Ici, règne aussi un désordre maitrisé à la manière de Sonic Youth qui aurait perdu le sens du chaos bruitiste. Un peu comme si Kim Gordon et Thurston Moore se retrouvaient et oubliaient tout, autour d’un son cristallin et des mélodies dissonantes. Toujours proche de la fêlure, d’une ombre au tableau qui risquerait de gâcher ces moments en suspension, Undressed Morning fait partie des ces albums en état d’apesanteur dont on ne redescend que très difficilemen.

Herzfeld / Bandcamp

Eurockéennes de Belfort

La réputation des Eurockéennes de Belfort n’est plus à faire. Le festival belfortain est dorénavant un rendez-vous incontournable pour tous ceux qui aiment la musique. Cette année encore, du 4 au 7 juillet, la fête sera d’autant plus belle que le festival fête ses 25 ans. Vingt-cinq années qui a vu défiler sur la presqu’île du Malsaucy des têtes d’affiches incontournables et des découvertes mémorables.

L’édition 2013 ne sera pas en reste et sera pour nous l’occasion de replonger dans nos classiques avec le grand retour de Jamiroquai et de My Bloody Valentine, mais aussi de se pâmer devant la reformation tant attendue de Blur. Inutile de dire que l’on succombera aussi devant les solos de Jay Mascis avec son gang préhistorique Dinosaur Jr. Et comme les Eurockéennes n’aiment pas faire les choses à moitié, il sera impossible de passer à côté des autres têtes d’affiches que sont Phoenix, Smashing Pumpkins, Black Rebel Motorcycle Club, Tame Impala ou encore The Black Angels.

Après la mésaventure climatique de l’année dernière, la programmation de la plage est redonnée le samedi 6 juillet à Busy P qui nous fera découvrir Is Tropical, Jackson & his Computer Band, Mikky Blanco et danser sur Kavinsky puis Cassius.

Les Eurockéennes de Belfort ont aussi toujours laissé une place de choix aux artistes régionaux. Cette année, plusieurs musiciens et groupes qui ont marqué certaines éditions précédentes reviennent. Ça sera le cas pour Chapelier Fou, Yules, Electric Electric…

Parmi les découvertes prometteuses, on attend avec impatience, les prestations de Fauve, Red Fang, The Strypes, Griefjoy, Matthew E White, JC Satan…

Comme tous les ans, à l’approche de la date fatidique, une certaine excitation monte d’un coup. Et pour que l’attente soit un peu moins difficile à supporter, on se replonge dans l’édition précédente grâce à une sélection de photos prises l’année passée comme au bon vieux temps des soirées diapos, tout en écoutant une playliste des choses à ne pas manquer comme le sont les compilations des vacances.

Eurockéennes de Belfort

Binidu en interview

Que font certains musiciens lorsqu’ils sont en pause de leur groupe, sans répète, sans tournée… ? Ils forment un autre groupe. Parmi eux, Vincent Dupas,  Jean-Batiste Geoffroy, Jérôme Vassereau sont des stakhanovistes de haut vol. Tous trois déjà bien installés dans des formations aussi respectables que Fordamage, My Name Is Nobody et Pneu, ils se sont unis pour visiter de nouveaux horizons et surtout voir si les bords du Lac D'Aiguebelette en Savoie ne ressemblaient pas à ceux du Lac Victoria en Afrique. Grâce au postulat de départ qui était de mélanger mélodies et musique africaine, Binidu livre un premier album aussi dépaysant qu’un safari au Kenya et revigorant qu’un stage en haute montagne. Avant de faire la chronique de l’album Yes !, sorti uniquement en vinyle sur le très respectable label Kythibong, on a voulu en savoir plus sur le groupe et ses motivations, l’écriture de l’album et la manière dont ils vont le défendre.

 Vous êtes chacun déjà bien installés dans des groupes, pourquoi avoir formé Binidu ? 

C'est vrai que nous menons nos autres projets depuis longtemps, c'est comme ça que l'on s'est rencontré lors de tournées. Former Binidu et faire un album n'était pas une fin en soi, l'envie de départ était de faire de le musique ensemble ! 

 En formant ce groupe, que recherchiez-vous que vous n’avez pas encore trouvé dans vos groupes respectifs ? Cette collaboration est quelque chose qui trainait dans l’air depuis longtemps ?  

En 2010, on s'est vraiment beaucoup vu avec les gars, quelques dates fordamage/pneu au printemps, puis un week end au Samynaire (près de montpellier), puis Jey nous accompagné sur une mini tournée et faisait de la guitare sur quelques morceaux. On a énormément rigolé et peu dormi… et on s'est découvert une passion commune pour les guitares africaines, et on garde ça en tête, on se dit que l'on va faire un truc ensemble.

Avec fordamage, on avait  ajouté quelques riffs et rythmiques liés aux musiques africaines, mais ce n'est plus la direction que l'on prenait dans l'écriture du 3ème album. Alors, suis sûrement aller chercher ça avec Binidu, aussi retrouver des mélodies pop dans le chant, ce qu'il n'y a pas dans fordamage et finalement assez rare chez MNIN.

Peut-être que pour JB et Jey,le fait de jouer avec un chanteur était nouveau pour eux, et de jouer sur des formats plutôt pop… mais je ne peux pas affirmer que c'est ce qu'ils recherchaient, ha !

Avant même de composer les premiers titres, aviez-vous une idée de ce que vous vouliez faire ? 

Le postulat de départ était de partir de base de musique africaine (en tout cas ce qu'un un occidental en a comme vision), de chanter des mélodies pop, et d'écrire des textes directs et naïfs sur une idée fixe (les caméras dans les villes, le constat d'échec de la compréhension du monde économique, les bienfaits de nager dans l'océan…)

Il y a beaucoup  de second degré dans les propos, car moins lourd que ceux de fordamage et moins perso que ceux de MNIN.

Est-ce que Pneu , Fordamage, My Name Is Nobody a inter-agit d’une manière ou d’une autre dans l’écriture de Yes ! ? 

Jey et JB ont super l'habitude de jouer ensemble, donc ça doit naturellement inter-agir… mais je ne crois que l'on pense à nos autres projets en faisant Binidu.

Binidu est une récréation par rapport à vos différents groupes ou verra-t-on une suite à Yes !

Récréation est un grand mot, car au final, on va tourner ce disque comme on fait d'habitude,  et oui, on pense déjà à commencer à écrire des nouveaux morceaux, mais sans aucune pression de temps ni contraintes.

De quelle manière a été composé/enregistré Yes ! ?

L'écriture des morceaux s'est étalée d'octobre 2011 à décembre 2012 sur 3 ou 4 sessions de répétitions, donc entre temps il se passait plein de choses, on avait écouté plein de trucs différents, envie de jouer d'autres choses, donc on ne s'est pas privé d'expérimenter et de sortir de ce postulat.

Je suis d'abord arrivé avec une base guitare/voix sur 3 ou 4 morceaux et on a vu ce qui fonctionnait avec les gars, on a démonté et tout remonté. On a écrit aussi quelques titres ensemble en partant d'impro, d'une ligne de voix… et l'un des morceaux à même été produit pendant l'enregistrement… donc pas vraiment de règles encore une fois.

Une semaine à répéter dans un pavillon de chasse au bord du Lac D'Aiguebelette en Savoie a fait beaucoup pour cet album ! C'est un endroit de rêve pour travailler et perfectionner la nage en eau claire, chaude, et calme alors qu'il fat 30 degrés à l'ombre...

On a enregistré en janvier 2012 avec Miguel Constantino à Quimper suite à l'enregistrement de Papaye (dans lequel JB joue), sur 2 jours donc bien intense, puis c'est Jey qui a enregistré les arrangements supplémentaires puis mixé tout le bazar dans leur studio à Tours.

Le titre Yes ! est à prendre comme un cri d’autosatisfaction sur le résultat final ?

haha, non ce n'est pas de l'autosatisfaction, en fait, c'est un mot que l'on utilise tout le temps, c'est surtout une façon d'être bien positif, dans l'idée Binidu, c'est positif.

En tournée avec Enablers en mai dernier, Pete Simonelli nous faisait remarquer que notre utilisation à outrance donne au Yes une autre signification, c'est presque devenu un verbe… il y dedans l'idée d'être volontaire à faire plein de nouvelles choses, exactement comme on a fait Binidu.

Comment qualifieriez-vous autrement votre musique que la phrase « un projet plus planant que Fordamage, moite, mais moins suant que Pneu. Le groupe des vacances. »  que l’on retrouve dans votre dossier de presse ? 

 C'est de la pop pas mièvre qui se joue fort !

Incruste à Nancy: BINIDU from What comes around... Goes around.

 Vous avez récemment fait un concert sauvage dans une galerie d’art nancéenne organisé par What Come Around Goes Around. Comment allez-vous défendre votre album ? En cherchant des lieux aussi atypiques ou de manière plus classique ?

 Ce concert s'est passé durant la tournée partagée avec Enablers, c'est con, on a reçu les disques le jour de notre retour, alors que c'était pour défendre le disque avec un peu d'avance… mais on va faire comme d'habitude, on va prévoir des tournées en France et à l'étranger, et on va jouer dans les lieux que l'on nous propose tant que les gens sont contents d'organiser un concert ! Même si on adore jouer dans des lieux atypiques, on ne recherche pas ça spécifiquement.

 Etre sur un label comme Kythibong revêt-il une signification particulière pour le groupe ? Et vu que Fordamage fait partie du catalogue c’était une évidence ?

 Nous étions tous les trois ok sur le fait que Kythibong était idéal pour nous, c'est des amis, on avait tous déjà bossé avec eux (fordamage, papaye, et le split de la colonie de vacances) on se reconnaît à 100% dans leur démarche, et on pensait qu'il comprendrait la notre donc on leur a proposé en premier et ils ont accepté, on a trouvé que c'était bien YES ! et on les remercie encore !

Kythibong / Bandcamp

Sycamore Age

Binding Moon, titre d’ouverture du premier album des Italiens de Sycamore Age, étonne tout de suite par sa majestuosité et écarte d’emblée ceux qui sont venus pour écouter un énième nouveau groupe pop folk. Près de huit minutes de folk orchestré enchanteur et féérique ouvrent l’album et rappellent au premier abord des univers déjà entendus chez DM Stith, Surfan Stevens pour la musique et Patrick Watson pour la voix. On pourrait céder à la facilité et décrire leur musique de sylvestre ou bien de pastorale. Et on ne se tromperait pas à l’écoute des titres At The  Biggest Tree et  Dark and Pretty. Mais Sycamore Age c’est bien plus que cela. Il y a chez ces multi-instrumentistes touchés par le génie quelque chose qui rend leur folk presque progressif. Pas étonnant lorsque l’on sait que l’Italie a chaussé dans sa botte une scène rock progressive avec des groupes comme Le Orme, Premiata Forneria, Banco del Mutuo Soccorso. Oubliez les arrangements des hypsterisés Grizzly Bear, ici les arrangements sont flamboyants et riches grâce aux univers musicaux différents des musiciens (classique, pop, électro). Ici, rien n’est de travers comme la tour de Pise, tout est maitrisé. Tout au long des douze morceaux, Sycamore Age t’offre une Romance à l’italienne plus belle que celle que  Marcello Mastroianni a pu jouer à la Cinecittà. Une romance bercée par des ballades qu’aurait pu écrire Tim Buckley s’il avait agrémenté sa musique avec une touche d’électronique, d’éléments ethniques et de musique classique contemporaine. Inclassable, Sycamore Age n’entre non pas dans une, mais dans des catégories et en priorité dans celle de révélation de l’année.

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Police des Mœurs "Les Mécanismes de la Culpabilité"

Police des Mœurs. Il faut une certaine dose d’autodérision pour prendre comme nom de scène un patronyme  qui fait plus penser à de la littérature de seconde zone qu’à un groupe de pop synthétique. Une littérature que l’on n’ose pas lire, celle que l’on dénigre facilement mais que l’on a tous lu un jour ou l’autre dans sa vie. Et pourtant, ce groupe montréalais qui tire peut-être  son nom  de la série de romans du même nom créée par Pierre Lucas, n’a rien à voir de près ou de loin avec cette  sorte de SAS du pauvre. Bien au contraire. Selon le groupe, La Police des Mœurs « c’est celle insidieuse qui se trouve dans nos têtes et qui nous pousse inconsciemment à ne pas dévier de la norme, que ce soit une norme sociale ou celle d’un groupe marginal ».

Formé en 2010 par un seul homme qui tentait de faire vivre son premier groupe Les Temps Liquides, Police des Mœurs est aujourd’hui un groupe à part entière  depuis l’arrivée de trois nouvelles entités et les sorties de plusieurs 45 tours sur le label Visage Musique.  Souvent décrite comme mélancolique et sombre, la musique qui se trouve dans Les Mécanismes de la Culpabilité possède la beauté froide des villes industrielles désertées par l’humain. Dans les textes chantés en français, l’univers est pessimiste et parle souvent, avec beaucoup de lucidité, du contexte social et politique qui entoure le groupe québécois. En ce qui concerne la musique, on est ici en présence d’une sorte de cold synth wave digne héritière de glorieux ainés tels que Deux et Moderne. On peut facilement comparer Police des Mœurs à Kas Product redonnant une bouffeé d’Oxygène à Kraftwerk. La seule différence notable avec la nouvelle scène minimale wave qui est en train de revenir, c’est que Police des Mœurs n’essaie pas de « faire comme », Police des Moeurs « est » et  « respire » comme ses glorieux ainés. Apprendre que ces six titres aient été composés dans un bunker en attendant la prochaine apocalypse serait pour nous une simple formalité tellement Les Mécanismes de la Culpabilité jette un coup de froid futuriste sur tout ce que l’on peut entendre aujourd’hui.

Sur la pochette, une enseigne apposée sur une église annonce que « Le salaire de ton péché c’est l’enfer ». Le plus grand péché serait de ne pas reconnaître les valeurs intrinsèques de cet album.

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Dead Horse One "Wicker"

Si il y a un album que l’on attend de pied ferme cette année, c’est bien celui de Dead Horse One. Après le fabuleux Heavenly choir of jet engines paru chez Cranes Records, le prochain effort aura pour nom Without Love We Perish et sera produit par, excusez du peu, Mark Gardener (Ride) et le groupe lui-même. En attendant, Dead Horse One dévoile  le titre Wicker. Un titre qui, selon Olivier (guitariste, chanteur),  possède « un texte très simple qui s'écoute comme un chant profane » et dont la principale inspiration  vient du film  The Wicker Man de Robin Hardy (1973). Seul titre produit par le groupe, Wicker est à la fois planant et angoissant, mais possède en lui suffisament d’ambiance  mystérieuse pour provoquer en nous l’envie d’entendre encore un peu plus de Without Love We Perish.  

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14:13 - 14:13

14:13, originaire de Metz, est un groupe sans vraiment en être un. Formé par Julien Louvet (THE AUSTRASIAN GOAT, 2:13PM), Eric Duriez (PROZACK MAURICE, 2:13), Joël Lattanzio (THE SIOUX, STRONG AS TEN), Fabien Rennet (SECONDA VOCE) et Jérémy Simard, 14:13 ressemble plutôt à un collectif épris de liberté désirant ouvrir le champ musical à tous ceux qui jetteront une oreille sur cet album. Difficilement classable dans un style bien précis, 14:13 s’inscrit plutôt dans la catégorie des albums qui vous transportent du début jusqu’à la fin. Un peu  krautrock, un peu noise, plutôt proche du psychédélisme des 70’s,  le groupe peut se targuer de brouiller les pistes entre longues incantations instrumentales et profondes transes shamaniques. Au final, 14:13 n’est tout de même pas si éloigné des expérimentations de Can, d’Hawkwind et des déflagrations sonores de Sonic Youth. On entre dans cet album comme on pourrait entrer dans un (road ?) trip lysergique. Un peu comme le passage acid trip d’Easy Rider de Dennis Hopper à qui ils rendent hommage dans le titre d’ouverture.  Magma sonore profondément hypnotique, (f)rance fort(e) est la pièce maîtresse en trois actes de l’album d’où jaillit une jam hallucinée propulsée par des rythmes tribaux. Parfois angoissant, mais surtout addictif, l’ensemble de l’album de la seconde référence du label Specific Recording nous emmène là où nous ne sommes encore jamais allé. One trip, One noise, oui mais seulement avec 14:13.

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April March et Aquaserge

Depuis l’inusable Chrominance Dancer, on suit la carrière discographique d’April March avec un certain intérêt, pour ne pas dire amour. La belle américaine a maintes fois prouvés son intérêt pour la France au détour de reprises de Serge Gainsbourg et a toujours su s’entourer de la crème des musiciens français. Que ce soit avec Bertrand Burgalat qui a fait d’elle l’égérie de son label Tricatel, ou avec le groupe A.S Dragon, backing band sur le mésestimé Triggers, Elinore Blake a développé une certaine esthétique sixties des plus respectables.

La chose ne risque pas de changer avec ce nouvel album écrit en collaboration avec l’un des meilleurs groupes psychés français actuels. Cette collaboration, on l’a rêvée, ils l’ont fait. April March et Aquaserge c’est la rencontre de la légèreté  des Yé-yés avec l’exigence de l’underground psychédélique des années 60/70. Leur première rencontre date de 2007 et pourtant elle aurait pu se passer en plein Swingin London. « C’était essentiel de faire un album ensemble, évident ! » explique Julien Gasc. Mixé par John McEntire (Tortoise) et publié sur le label Freaksville, April March & Aquaqerge est une invitation dans un Comic Strip rempli de SHEBAM ! POW ! BLOP ! WIZZ !. Tout commence avec Black Bars, qui nous rappelle que Love a, à jamais, changé la face du monde de la musique avec Forever Changes. Mais aussi l’Ecole de Canterbury avec les très Robert Wyatt How Was Your Day et Sybarite que Stereolab ne renierait pour rien au monde. Plus léger, Des Tics et des Tocs nous rappelle aussi les compositions chantées par France Gall, Dani ou Anna Karina et écrites par Ce très Cher Serge au moment où il s’aperçut que sa veste était doublée de vison.

À l’inverse de tous ces groupes baignant dans une rétromanie maladive, April March et Aquaserge réussissent à allier érudition et légèreté avec une facilité déconcertante et nous offrent un retour vers le passé en première classe.

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The Pastels "Slow Summits"

The Pastels n’ont jamais eu la reconnaissance qu’ils méritaient mais ont toujours été respectés grâce à une discographie exemplaire. Le groupe de Glasgow est de ceux que l’on aime chérir seul comme un secret bien gardé. Et ceci, Stephen McRobbie et Katrina Mitchell l’ont bien compris en offrant à leurs fans la plus belle ouverture d’album qui soit avec le titre intitulé Secret Music. Une belle récompense lorsque l’on sait qu’il a fallu attendre seize ans pour connaître une suite à Illumination, dernier véritable album du groupe si l’on excepte les relectures de Illuminati, la B.O The Last Great Wilderness et la collaboration avec Tenniscoat. C’est donc sur ces moments d’inspiration soudaine qu’ont été Illuminations que Slow Summits tente de gravir les sommets d’une pop song parfaite. Dès la première écoute, on est certain que ce cinquième album, en trente-deux ans de carrière, va s’incruster dans notre quotidien. The Pastels aiment prendre leur temps et savent garder une certaine naïveté à chaque nouveau départ comme pour mieux vous prendre par les sentiments. Toujours avec une certaine facilité d’écriture de ce qui pourrait être qualifié de classicisme pop, The Pastels n’est jamais dans l’esbroufe mais plutôt dans la caresse et l’humilité. Alanguies et posées, parcimonieusement orchestrées, les voix semblent même être plus assurées qu’à l’accoutumée. Pour le reste, rien n’a changé. On est heureux de retrouver avec une réelle émotion une pop primesautière (Check My Heart, Night Time Made Us) et calme (After Image, Kicking Leaves). Mais ce qui est surtout rassurant lorsque l'on écoute des groupes comme The Pastels, c’est que l’on est sûr que cette terre portera toujours des artistes pour rendre plus facile notre vie de tous les jours.

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Festival Jardin Du Michel

Telemaque

Art District

Minimal Quartet

Stig Of The Dump

Capture

Juveniles

IAM

Carbon Airways

Le Michel

Hoboken Division

Mutiny on the bounty

Jesus Christ Fashion Barbe

Superpoze

Merci à Marion, Jeremy, Jérôme et le Jardin du Michel

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Seventeen At This Time "Tokkoubana"

Cranes Records est un label qui sort des merveilles. Une sorte de label aux goûts sûrs dans lesquels on peut piocher n’importe quel disque et on saura qu’il nous plaira sans même avoir écouté une note. Comme l'on fait avant eux les géniaux Dead Horse One, les talentueux The Dead Mantra, c’est au tour de Seventeen At This Time de renouveler sur un long format le succès de leur très prometteur premier EP.

Conformes aux espoirs que l’on avait fondés sur eux, Seventeen At This Time soigne son envol vers les hauteurs new-wave comme un Kamikaze se dirigeant vers sa cible. Dans ce Tokkoubana, le duo parisien a eu la bonne idée de remettre dans le tracklisting deux titres connus: Everything I Touch Goes Wrong et The Ballad Of Bobby Beausoleil. Deux titres qui n’ont rien à envier à Echo & The Bunnymen avec le maniérisme de Ian McCulloch en moins. On retrouve aussi le vaporeux The Grass Is Always Browner, texte de Douglas Pearce (Death In June) mis en son par le duo parisien qui a déjà fait l’objet d’une sortie numérique pour la très recommandable série Cheap Recordings du Label Le Turc Mécanique. Sur le reste de l’album, Seventeen At This Time nous fait partager ses nuits sans brouillards seulement, éclairées par une lune meurtrière. Tokkoubana tutoie les anges (Angel), use du second degré (Angela Merkel) et joue avec le feu avec l’aide d'une basse cold wave et de guitares cristallines.

À l'image de cette légende japonaise qui dit que la Tokkoubana est une fleur dorée que les avions kamikazes semblaient larguer sur le trajet de leur futur impact, Seventeen At This Time sème petit à petit des bombes discographiques à l’impact irréversible.

Label / Bandcamp

Culture Reject "Forces"

Lorsque l’on voit pour la première fois en concert Michael O'Connell, alias Culture Reject, on s’imagine très vite une personne pleine de gentillesse et d’humilité. Une personne avec le cœur sur la main, loin des turpitudes du showbiz. Et lorsque l’on apprend qu’à côté de sa carrière de musicien, Michael O'Connell est travailleur social pour aider les enfants et les sans-abri des quartiers difficiles de sa ville d’origine (Toronto), on ne s’étonne plus du personnage. Cet environnement et cette attitude envers les personnes transpiraient déjà sur son premier album éponyme. Un album passé honteusement inaperçu mais qui a bouleversé à jamais ceux qui ont eu la chance de l’écouter. Huit ans après, presque une carrière d’artiste aux rythmes où vont les choses, Culture Reject sort son nouvel album chez Specific Recordings.

Culture Reject n’essaie pas de ressembler à qui que ce soit. Il joue sa musique avec une douceur infinie. Comme pour contredire le titre donné à l’album, rien n’est ici joué avec force. Les mélodies sont d’une limpidité incroyable sans jamais tomber dans la platitude. Touchantes et pleines de finesse, les mélodies s’incrustent en vous et ne vous quittent plus. Pour succomber, il n’y a qu’à jeter une oreille sur Avalanche et sa caresse funkysante, ou sur les déchirant Brand New Well Worn Suit et In My Lovin. Tout au long des morceaux impeccablement maîtrisés seuls ou accompagnés par des chœurs féminins, Forces se pare d’une mélancolie diffuse jamais surjouée. La seule difficulté de cet album est d’y trouver un mauvais titre. Bien malheureux celui qui en trouvera un. On ressort de Forces complètement lové, heureux d’avoir rencontré un artiste rare et précieux.

Specific Recording / Bandcamp