Ground Control To Major Tom

Interview David Gedge leader de The Wedding Present

 © Sébastien Grisey

 

Le rock indépendant, classification issue du mouvement punk à la fin des années 70 a connu sa grande heure de gloire en Angleterre dans les années 80. « Indépendant » signifiait alors hors du circuit des grands labels, les Majors. Evoquer cette époque conduit instantanément à se remémorer des couples labels/groupes mythiques: Rough Trade/The Smiths, 4AD/Pixies, Factory/Joy Division, Creation/The Jesus and Mary Chain, Mute/Depeche Mode….Bref, la liste est très longue et je ne peux qu’inviter le lecteur à se plonger ou se replonger dans cette époque foisonnante. C’est dans ce contexte qu’est né The Wedding Present à Leeds en 1985. Formation créée par le chanteur et guitariste David Gedge, sur les cendres d’une premiere formation. Le groupe, qui ne connaîtra jamais le succès mainstream de ses héritiers nés dans le giron de l’indé british, je pense à Blur, Oasis et autres Pulp, The Wedding Present a pourtant depuis longtemps atteint auprès des initiés le statut de groupe culte, un statut largement mérité tant la ténacité de David Gedge, la qualité de ses textes et sa hargne mélodique ont traversé presque trois décennies sans prendre une ride. C’est ce même David Gedge que j’ai aujourd’hui la chance de rencontrer pour une interview alors que le groupe entame une tournée Européenne autour du concept en vogue de rejouer un de ses anciens albums dans son intégralité. Interloqué par ce choix, je décide d’attaquer l’entretien en lisant à Mr Gedge un extrait d’une review de concert datée de 1993, publiée dans un numéro du New Musical Express issu de ma collection personnelle. L’article disait texto : « Ce soir ils n’ont joué aucun morceau pré-seamonster (l’album qui venait de sortir), de toute façon lorsqu’on a écrit autant de bonnes chansons en moins d’un an cela semble futile d’aller piocher dans les gloires passées».

GCTMT : Alors Mr Gedge, pourquoi proposez-vous aujourd’hui une tournée basée sur la reprise de votre album Hit Parade #1 daté de 1992 quand on vous sait si prolifique ?

DG: L’idée a germé en 2007 au moment du 20ème anniversaire de notre album George Best. Le label s’apprêtait à sortir une ré-édition et ils nous ont dit « vous savez il y a beaucoup de groupes en ce moment qui font des tournées pour rejouer d’anciens albums, est-ce que vous seriez intéressé ?… » et j’ai répondu NON. En tant qu’artiste, on a plutôt envie de penser aux prochaines chansons, au prochain album et l’idée me paraissait bizarre et un peu trop nostalgique d’une certaine manière. Je pensais mon non définitif puis j’en ai parlé avec tout mon entourage, amis, membres du groupe, fans et tout le monde trouvait l’idée excellente. Je me suis donc laissé convaincre et, à ma grande surprise, j’ai trouvé l’exercice très agréable. C’était très intéressant, revenir 20 ans en arrière, comme relire un vieux journal intime. Néanmoins,  le fait que les membres du groupe, à part moi, aient tous changés permettait aussi d’apporter quelque chose de nouveau. Mais il se trouve que George Best est l’album que j’aime le moins, j’ai donc voulu appliquer le concept à Seamonsters, qui est un album plus sombre avec des thèmes plus intéressants et finalement aussi à Hit Parade. J’ai réalisé que le passé était aussi important que le présent pour un groupe. Aujourd’hui nous faisons des concerts plus longs qu’à l’époque, rejouer un album prend environ 40 minutes et nous jouons 90 minutes ce qui nous permet de mixer d’autres morceaux dont des nouveaux. Je ne le ferais pas s’il s’agissait de jouer uniquement l’album. Pour cette tournée, nous avons pioché dans presque tous nos albums et pas seulement dans les singles, il y a des faces B, des titres plus obscures…

GCTMT: Le fait de jouer ses vieux titres avec de nouveaux membres dans le groupe, cela signifie-t-il que vous jouez les morceaux différemment de leur version originale ?

DG: Pas nécessairement. C’est un mix des deux possibilités. Sur certains morceaux, en particulier les plus anciens, il faut l’avouer les musiciens à l’époque n’étaient pas très bons et aujourd’hui pour retrouver le jeu de l’époque mes musiciens actuels doivent jouer volontairement moins bien… C’est vraiment un compromis entre jouer avec le matériel d’aujourd’hui et les musiciens d’aujourd’hui tout en essayant de garder l’esprit originel des morceaux, l’ambiance qu’avait l’album. Honnêtement, je crois qu’on joue vraiment mieux maintenant.

GCTMT: Diriez-vous que les morceaux ont muri également ? 

DG: Pas tous. Certains ont bien muri, d’autres n’ont pas passé l’épreuve du temps. George Best, en particulier, sonne vraiment années 80 alors que le groupe a plutôt progressé ensuite et les morceaux sont moins marqués par une époque.

GCTMT: Le concept de Hit Parade était à l’époque de sortir un single par mois pendant un an, l’album Hit Parade #1 étant finalement la compilation de ces douze singles et de leurs face B. Il se dit que l’idée venait d’une blague faite en répétition, qu’en est-il ?

DG: Non non ce n’était pas une blague, c’était une idée sérieuse dès le départ. C’est Keith notre bassiste de l’époque qui a suggéré l’idée. Il était membre du Record Club du label Rough Trade, qui envoyait chaque mois aux membres du club un single d’un artiste différent et on s’est dit qu’on pourrait faire la même chose en tant que groupe. Ca nous a tout de suite paru être une excellente idée, et en moins de 15 minutes, on avait tout le plan en tête, le format , la série de pochettes, l’idée des reprises en face B, les vidéos…A partir de là, ça ne paraissait plus possible de ne pas le faire, il ne restait plus qu’à convaincre notre label.

GCTMT: Cette façon de distribuer la musique basée uniquement sur les singles rappelle la façon dont la musique était consommée dans les année 50/60…

DG: Tout à fait, je suis un grand fan de radio, j’ai grandi dans les année 60/70 et je n’ai jamais pensé à cette époque en terme d’albums. C’est pour moi très naturel de penser en terme de singles, nous en faisons toujours d’ailleurs, le prochain 7 pouces sort dans une semaine. Pour moi, c’est l’essence même de la musique pop. 

GCTMT: Possédez-vous un jukebox ? 

DG: Malheureusement non, mais si j’avais plus de place oui j’en aurais un, j’adore ça !

GCTMT: Pensez-vous que la façon dont la musique est consommée aujourd’hui est mauvaise ? Parce que finalement, le fichier MP3 permet le retour de la musique à l’unité, c’est une forme de retour du single dont nous parlions…

DG: Je ne dirais pas qu’elle est mauvaise, je la trouve simplement moins romantique. Télécharger un fichier n’a rien à voir avec chercher un disque chez un disquaire, discuter avec le propriétaire du magasin, tripoter la pochette…. Mais bon, la musique est toujours là,  il y a sans cesse de nouveaux groupes, c’est juste différent.

GCTMT: Toutes les faces B des singles de Hit Parade sont des reprises, comment les avez-vous choisies ? 

DG: Au début nous n’avions pas envisagé l’énormité du boulot que ça représentait. Les 3-4 premières ont été faciles, chansons préférées, groupes préférés, hop on enregistre….puis on s’est rendu compte des limites de cette façon de faire. « Catles and Canes » des Go-Betweens par exemple est un morceau que je trouve excellent mais lorsque nous l’avons repris ça n’apportait pas grand chose par rapport à la version originale. A partir de là, on s’est dit qu’il fallait essayer d’aller plus loin et ça nous a poussé à chercher des morceaux dans différents styles musicaux, chez des groupes dont nous n’étions pas forcèment fans pour rendre l’exercice plus varié et plus excitant aussi. C’est allé jusqu’au thème de "Shaft", une idée somme toute assez bizarre, pourquoi un blanc européen irait reprendre ce morceau funky noir Américain ? (rires)

GCTMT: Vous aviez essayé de reprendre sans succès le "Black or White" de Michael Jackson, avez-vous réussi depuis ?

DG: Non, nous n’avons jamais réussi. Il y a eu d’autres tentatives ratées comme le "Seven seas of Rye " de Queen…Ca dépend beaucoup de qui on a dans le groupe et ça ne fonctionne pas à tous les coups…                                                          

GCTMT: Le 31 octobre prochain sort un tout nouveau single "Two Bridges", pouvez-vous nous en dire plus sur ce titre ?

DG: C’est une idée de ma petite amie. C’était assez étrange de se dire que nous allions partir en tournée sans aucun nouveau titre. Nous avons eu la chance d’avoir un studio d’enregistrement juste à côté de là où nous répétions à Brighton avant la tournée. Grâce à la façon dont tout est fait aujourd’hui, enregistrement, mixage, envoie du master par email etc….à peine le temps de finir de répéter et de commencer la tournée, tout était en place pour sortir le titre. La face B est un titre que nous avons enregistré il y a quelques années pour une compilation en K7 mais qui n’avait jamais été utilisé au final. Au départ, nous avons dit ok, faisons un nouveau single sans trop nous poser de questions et finalement l’idée a provoquée pas mal d’enthousiasme. La BBC l’a pas mal passé, nous avons maintenant une vidéo…J’avoue avoir été assez surpris et c’est plutôt agréable.

GCTMT: Est-ce le début d’une nouvelle série de singles à la Hit Parade ?

DG: C’est une question intéressante parce que oui, c’est clairement le début d’une nouvelle série de morceaux mais je ne sais pas encore exactement ce que je veux en faire. Je réfléchis à quelques choses de différent et de plus intéréssant qu’un simple album.

GCTMT: Vous évoluez dans l’univers de la musique depuis presque 30 ans, vous avez été témoins de son évolution, diriez-vous que tout a changé ?

DG: Merci de me rappeler à quel point je suis vieux (rires). Oui totalement, à cause de la technologie, presque tout a changé. La façon dont la musique est écrite, enregistrée, vendue. Ca a été à la fois excitant à vivre et difficile parce que la quantité d’argent consacrée à la musique au niveau des labels a elle, par contre, beaucoup diminué. L’écriture a pas mal changé, il n’y a plus de limite géographique, la nécessité d’être dans la même pièce, d’enregistrer sur K7, on peut s’envoyer des parties de guitare très facilement, c’est beaucoup plus rapide.

GCTMT: Ok, mais plus rapide ne veut pas forcément dire mieux…

DG: C’est vrai, et pour ce qui est de l’écriture des textes, impossible d’aller plus vite. Je suis très méticuleux concernant mon écriture, j’ai un niveau d’exigence en dessous duquel je ne veux pas descendre et je peux passer des jours et des jours à retravailler un texte. Ca peut même être assez frustrant pour le reste du groupe qui est parfois surpris que je n’ai pas encore terminé tel ou tel morceau. La technologie a accéléré les choses pour la musique, mais pas pour les mots.

GCMT: Pour finir, je m’interrogeais en feuilletant ma collection de New Musical Express et de Melody Maker du début des années 90. Les couvertures sont trustées par les groupes estampillés Britpop tels Oasis, Blur, Pulp… Comment vous êtes vous situé à l’époque par rapport à ces groupes qui ont eu des gros succès internationaux ? Aviez vous le sentiment de faire partie du même bain ?

DG: Pas vraiment. Bien sûr, je connais les membres de tous ces groupes, mais nous étions déjà de la génération précédente. Je suis très heureux du succès qu’ont eu ce type de groupes indés, parce qu’avant eux, le rock indé était vraiment un truc underground qu’on entendait peu et, avec ces groupes on pouvait soudainement entendre du rock indépendant à la radio en pleine journée. C’est peut-être différent en France, mais en Angleterre qui marche beaucoup sur des phénomènes de mode, quand la britpop a véritablement explosé au milieu de années 90, le Wedding Present était déjà démodé d’une certaine manière. Mais j’ai encore croisé Jarvis Cocker il y a peu de temps. J’organise un petit festival à Brighton, "At The Edge Of The Sea”, et nous avons eu David Gough (Badly Drawn boy), Martin Rossiter (Gene), l’année prochaine The House of Love. J’aimerais bien que Graham Coxon vienne jouer aussi…Bref il y a toujours une connexion entre nous et les excuses ne manquent pas pour nous revoir.

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Interview réalisée par Sébastien Grisey

Merci à Pauline et Patrick

Interview Tuscaloosa

Qu’on se le dise, Tuscaloosa est de retour. Que ceux qui attendaient la suite du premier EP sorti en 1997 sur le regretté label Lithium se rassurent. Après seize années de silence, Tuscaloosa vient d’enregistrer des nouveaux morceaux qui risquent fort de faire grand bruit. Des titres qui, pour l’instant, n’ont pas de destinée ni de maison pour les accueillir, mais ce qui est sûr, c’est que ces nouveaux morceaux symbolisent une nouvelle œuvre intelligente et lettrée. Croyez-nous sur parole, nous avons eu la chance de l’entendre.

Avant ce retour discographique que l’on espère entendre très vite, Tuscaloosa s’offre un beau retour scénique avec la première partie de The Wedding Present.

Ground Control To Major Tom profite de cette belle actualité pour savoir si le nouveau Tuscaloosa est toujours "On The Wire", si les motivations du groupe sont toujours intactes, ses nouvelles influences…

Rencontre avec Franck, chanteur de Tuscaloosa, l’homme par qui tout à commencé et par qui finalement tout continue.

 

A la veille de la sortie de l’album, comment se sent le groupe ? Vous avez déjà l’impression que l’album ne vous appartient plus et que les dés sont jetés ?

La fin d’un enregistrement et de surcroit lorsqu’il s’agit d’un work in progress avec plusieurs sessions étalées dans le temps pourrait être ressentie comme une « petite mort ». Il y a dans cette volonté de fixer les choses une idée d’aboutissement un peu contraint. Non seulement parce que le studio est un champ de possibles infini pour l’expérimentation mais aussi parce qu’on y découvre les titres tels qu’on les avait imaginés ; la tentation d’en faire évoluer le sens autant que la direction est fréquente. C’est la maladie des control freaks qui aiment aussi débattre. Pour le coup, cette fois, rien n’est encore véritablement joué. Nous sommes entrés en studio complètement libres sans savoir ce qu’il allait advenir de toute cette matière : démo de luxe, long EP ou témoignage définitif pour en finir avec une décennie de silence. L’idée d’un album physique a germé tranquillement car nous étions satisfaits du travail effectué avec Fabien Pilard à L’Usine. Nous avons été également beaucoup encouragés à poursuivre les sessions.  Ne serait-ce que par Antoine Arlot, le formidable saxophoniste qui a accompagné quatre de nos titres. Son engagement dans le projet a été sacrément stimulant !

Mais l’objet-album n’existe pas encore, il reste à lui trouver une bonne maison.

Si nous décidions de le sortir nous-mêmes, nous en serions d’ailleurs encore les derniers garants. La part d’aléatoire réside plus dans sa future réception…mais nous n’irons pas jusqu’à publier nos propres méta-critiques en pièces jointes.

Pendant l’écriture de l’album, tu me confiais que tu étais pris de doutes quant à la sortie du nouvel album. Tu pensais que tout le monde avait oublié le groupe. Aujourd’hui, les doutes sont-ils encore présents ?

Les doutes étaient intimement liés à l’idée même du retour. Comme d’anciens soldats partis vers un front inconnu, qui décident finalement que l’ennemi est ailleurs, rendent les armes et s’installent chez l’autre. Après eux, l’apocalypse. Lorsqu’ils reviennent sur leurs terres un jour calme et tranquille, ils n’attendent rien. Juste fouler à nouveau un sol qui les a vu grandir mais ils doutent car souvent la vie est ailleurs. « Revenus de nulle part mais pas revenus de tout ».

Tuscaloosa a sorti un 45 t chez Lithium en 1997 et s’est mis en sommeil pendant plusieurs années. Qu’est-ce qui t’a donné envie de remettre en marche le groupe ?

Même si nous avons disparu, un peu las, nous n’avons jamais cessé de jouer, en aparté et en appartement. Et même enregistré des kilomètres de bande. L’envie de reprendre un peu la lumière est vraiment revenue quand Sébastien Lacroix nous a commandé de la musique pour son film « Seule la forêt ». Finalement le désir était intact et le reste n’était que littérature. A cela, on peut ajouter que depuis quelques années déjà, Nico militait pour la réactivation du groupe et souhaitait être de l’aventure.

Et puis, il est difficile de répondre autrement que par le retour du son à un enfant qui vient de découvrir des vieilleries enregistrées ou fredonnées et se demande pourquoi elles ont été ainsi figées par le temps dans le crane de son père.

Si tu devais traduire en quelques mots les différences et les points communs entre Tuscaloosa des années 90 et Tuscaloosa d’aujourd’hui, comment les décrirais-tu ?  Est-ce que les ambitions sont les mêmes ? 

Nous n’étions pas carriéristes et nous ne le sommes toujours pas. Nous n’avons pas les moyens de l’être. En termes de propositions artistiques plutôt que d’ambitions, j’espère humblement que nous réussirons à être autre chose qu’une bande de moines copistes fascinés et laminés par le panaméricanisme. C’était la tendance dans les années 90. En passant majoritairement au français pour les textes, on ne revendique pas le droit du sol ou une appartenance à une scène nationale (nous écoutons finalement assez peu de musique française) mais on se frotte à un « ici et maintenant » que nous avons peut-être repoussé pendant des années. Plus prosaïquement, nous sommes aujourd’hui beaucoup plus libres. De prendre tout ce que bon nous semble et de ne rien se refuser. Le noyau de Tuscaloosa demeure, avec ses automatismes et ses marottes, mais les individus se sont enrichis mutuellement et ne portent plus le même regard sur le monde. Quand, dans le passé, nous avions des choses à dire, elles étaient souvent noyées dans la forme. Je trouve notre discours beaucoup plus frontal aujourd’hui. Un sujet dicte sa longueur et finit par imposer son enveloppe. Sinon, en 2013, nous sommes toujours aussi lents (pour trouver une place sur terre). 

Le monde de la musique a bien changé depuis 1997. Quelles sont les différences que tu as pu remarquer quand tu t’es remis au travail pour Tuscaloosa ?

On pourrait gloser pendant des heures et des pages mais hormis le running gag des industries culturelles se portant mieux dans leur globalité que l’industrie musicale en pleine confusion, la question du réseau ou des réseaux me semblent être la question centrale. Pour le meilleur et pour le pire. La musique est devenue un flux continu qui produit plus de parole que de raison.

Les commentaires instantanés obligent aussi la presse traditionnelle à changer de posture (dominante) ou à s’essaimer dans les blogs, ce qui est plutôt sain et me rappelle les belles heures des fanzines photocopiés. Il y a le réseau qui rend le tout accessible et immédiat mais rapidement obsolète et les réseaux qui ont institutionnalisé la musique en France. Signe des temps : on parle désormais en bien du rock français à l’étranger et du vin anglais en France. 

Le line-up aussi a changé. Qu’a apporté Nico à Tuscaloosa ?

De la fraicheur probablement. Son jeu de guitare aussi identifiable qu’atypique est complémentaire de celui simple et richissime de Vincent plus tourné vers les open tuning. Depuis son arrivée, nous sommes aussi clairement devenus un groupe échangiste : les instruments tournent.

Je me suis laissé entendre dire qu’il y avait un album prêt à sortir quand Lithium a mis la clef sous la porte, qu’en est-il ? Est-ce qu’il y a des choses que l’on retrouve dans celui qui va sortir ou as-tu fait table rase du passé ?

Non, il y avait des démos prêtes à être magnifiées mais pas encore un album. Traci est dans mon souvenir la seule rescapée de cette période mais il est peu probable que ce titre figure sur l’album. On lui réserve des scènes, c’est déjà pas si mal.

Tu m’as confié que Quelque chose est arrivé, ainsi que Traci, t’avaient été inspirés par l’actrice Traci Lords pour l’une et Le village de Shyamalan pour l’autre. Le cinéma est quelque chose d’important pour Tuscaloosa ?

A des degrés variables pour l’ensemble du groupe mais chacun y défend ses cinématographies de chevet. J’ai beaucoup écrit sur le cinéma dans une vie antérieure et il est indéniable que bon nombre de mes textes pour Tuscaloosa s’en nourrissent ou rendent compte de l’effet que produisent certains films sur les gens de ma génération.

Traci n’est pas un biopic sur Traci Lords mais un récit initiatique d’adolescents qui grandissent avec sa voix et son corps en VHS et lui en veulent de ne pas  prendre la France  comme elle a pris Hollywood. Pour Quelque chose est arrivé, la matrice était plutôt L’aurore de Murnau qui, croisée à un fait divers, a fini par rencontrer le Shyamalan du village ou certains westerns de Nicholas Ray.

D’autres arts influencent-ils la musique de Tuscaloosa ?

Probablement tous. A part peut-être les arts du cirque. Mais surtout l’art d’aimer.

Pour ceux qui n’ont pas encore eu la chance d’écouter l’album, peux-tu dire quels sont les thèmes majeurs que l’on peut y trouver ?

Essai d’inventaire : une vallée oubliée et sourde ; deux corps enlacés et froids ; une étreinte pleine de bruit et de fureur ; un père en fuite ; une enfant désaccordée ; des yeux électroniques

On a du mal à cataloguer l’album. On peut aussi bien entendre du Diabologum que du John Parish. On peut également y trouver une certaine idée du free jazz et de la No Wave New-Yorkaise de la fin des années 70. On a déjà qualifié ta musique d’ « Avant Pop ». Qu’est-ce que tu en penses ?

Tout ce que tu cites peut nous mettre en joie. Quant au terme « avant-pop » : c’était une boutade de notre part lorsque nous sommes revenus aux affaires et il a fini par s’imposer parce que nous n’avons rien trouvé de mieux. Il intègre la pop dans ce qu’elle a de plus aventureuse sans travailler forcément sur la résistance de l’auditeur ; au sens où les voix de Damo Suzuki ou de Robert Wyatt peuvent être des ilots pop dans un précipité d’expériences. Nous en sommes loin mais la voie est là.

Une des premières grosses date de Tuscaloosa est la première partie de The Wedding Present, une figure majeure des 90’s. Qu’est-ce que l’on ressent avant une telle première partie et qu’évoque pour toi David Gedge ?

David Gedge est une des dernières « figures nobles » de toute cette génération noisy pop C86 qui a sonné le retour des guitares après des années de disette technoïde et fluo. Donc il force le respect d’autant plus qu’il n’a jamais rien lâché. Et puis, un ancien prof de maths, protégé de John Peel, qui décide de placer George Best sur la pochette de son premier album ne peut pas être foncièrement mauvais.

Grand Blanc "Devant de Nous" Interview

« Tout le monde vit dans son propre monde » a dit un jour Ian Curtis. Tout comme Joy Division avec Manchester, Grand Blanc est profondément marqué par la Lorraine qui l’a vu naître. Même si aujourd’hui la majeure partie des membres du groupe vit à Paris, Grand Blanc avec son premier EP Devant De Nous, respire « cette beauté désespérée » d’une région qui n’a presque rien pour elle.

C’est souvent dans les lieux rythmés par l’ennui que naissent les projets les plus sincères. Et Grand Blanc est de ceux-là. Leur musique influencée par la scène française des années 80 a quelque chose des Paradis Perdus de Christophe ou d’une Play Blessures qui ne s’est jamais refermée. Pour paraphraser celui qui vient de (tré)Passer le Rio Grande, chez Grand Blanc les « gens viennent pour la musique et restent pour les textes ». Les paroles, pour ne pas oser dire la poésie, sont chez Grand Blanc un élément fondamental. Souvent, les mots (bleus ?) sont souvent vus « sous un jour nouveau ».

Avant leur passage au Festival Zikametz et une sortie physique prévue pour le début de l’année 2014, on a voulu en savoir un peu plus sur ce groupe qui attire déjà tous les regards et les oreilles avides de Beau Bizarre.

Auparavant, vous vous appeliez Bonaparte, quelles ont été les raisons de votre changement de nom ? Et quelles étaient vos ambitions à cet instant ?

On a eu un problème de référencement. Il y a un groupe de punk électro ( ?) qui s’appelle Bonaparte. Ils faisaient pas mal de bruit à ce moment-là, du coup un de nos concerts aux Trinitaires a été confondu par Digitick avec un concert de nos homonymes. A cette époque on démarrait ça aurait été assez bête d’avoir des problèmes judiciaires avant même de faire de la musique un peu sérieusement… normalement c’est la rançon de la gloire ces trucs là – regarde Florent Pagny haha.

Pour les ambitions on ne sait pas trop. Quand on a commencé on était vraiment novices. On ne rodait pas les bars à concert depuis nos 14 ans (sauf Luc), du coup on faisait de la musique jusqu’à ce que ça nous plaise et on se rendait compte que ça plaisait aussi aux gens. Mais on ne savait jamais trop ce qu’on faisait sur une scène. Notre première vraie date, au Zikametz, on n’avait pas envoyé de bio parce qu’on était trop gênés de se définir, du coup on nous a décrit comme « des autistes reclus ». On n’avait pas d’ambition du tout, on jouait juste de la musique le plus possible pour se rassurer et se dire que ça au moins on pouvait y prétendre.

Ces ambitions ont-elles changé depuis ?

Le changement de nom est intervenu au moment propice, on commençait à se décoincer, à prendre un peu de bouteille. On a changé de son et les gens nous ont suivi. Ça a été très important pour nous. Et on a fini par se dire que l'on était un groupe, qu’on faisait des concerts et qu’il n’y avait pas de honte à « jouer », à « avoir un jeu de scène », à ne pas être juste premier degré.

On se sent un peu plus à alaise avec tout ça. La formation a bien évolué. On a sorti « Devant De Nous », notre premier EP. Ca a marché comme on l’espérait. Une sortie physique commence à se préciser pour février. Et puis il y a Korben, notre bassiste qui nous a rejoint ça donne vraiment de l’ampleur à notre musique. Depuis plus d’un an maintenant  Nathan, un jeune, beau et talentueux  ingénieur du son, nous suit. Il donne une cohérence au son et surtout il nous engueule quand nos vieux penchants d’autistes refont surface. Yannick de YUPPY s’occupe de nous depuis quelques mois, et on travaille à rendre le projet plus sérieux.

Bref, on commence à être une bonne équipe et on va de l’avant. On n’a pas vraiment d’ambitions, on est juste devenu un vrai groupe, du coup on espère que ça va marcher au mieux et on va faire ce qu’il faut pour.

Vous êtes un groupe basé à Metz et pourtant, Benoît étudie à Paris et Camille joue avec Marie Madeleine. Ce n’est pas une situation compliquée pour Grand Blanc ?

En fait on est presque tous originaires de Metz (Luc, Camille, Benoît et les deux shadow men du groupe : Yannick et Nathan), Korben et de Mantes-la-joly, mais il est tellement cerné par les lorrains qu’il le devient peu à peu. On joue beaucoup à Metz et dans les environs parce qu’il y a des gens qui nous filent des coups de pouces précieux et qui semblent apprécier notre musique par là-bas. Mais en fait on habite tous à Paris. Donc la situation n’est pas plus compliquée que ça. Les studios de répétitions sont chers, on se gueule dessus parce qu’on est encore en « mode métro » quand on compose ou qu’on répète…mais à part ça c’est cool. On bosse les mixs et les compos chez Luc qui a pas mal de matos. On travaille ensemble, on glande quand on peut, on fait la fête.

Comment se passe l’écriture d’un morceau chez Grand Blanc ?

Pas de méthode type. Souvent ça prend pas mal de temps. Benoît arrive avec deux phrases incompréhensible, des morceaux qu’il écoute tout le temps en ce moment et des élans de motive du genre « putain la prochaine de Grand Blanc va être trop cool »… Après on laisse venir, souvent il ne se passe rien et puis des fois on s’y met et ça marche effectivement. Après ça vient aussi souvent de petits gimmiks de synthé, de lignes de basse, des bribes qu’on joue comme ça quand on répète en studio. Il y en a un qui flaire le truc et qui saoule tout le monde avec son riff et puis on finit par l’avoir tous dans la tête. Dans ce cas la meilleure manière de s’en débarrasser c’est de l’exorciser dans une composition.

Parlons musique. Le changement de nom a été aussi l’occasion d’évoluer vers un autre style de musique ?

Effectivement le changement de communication a aussi été un changement de cap, à l’époque de Bonaparte on faisait une musique beaucoup plus folk, et Benoît écrivait des paroles beaucoup plus « classiques ». Pour deux d’entre nous, Camille et Ben, c’était le premier groupe de musique, on était encore super concentrés sur nos instruments acoustiques, sur une musique dépouillée. Mais assez vite on a commencé à bidouiller des synthés, des ordis, des amplis… et ça nous a plu. On a dérivé vers une musique plus électrique. Nos influences ont changé, on s’est mis à écouter les trucs qu’on avait envie de faire.  

On joue quelque chose de plus moderne, de plus agressif aussi. On ne sait toujours pas très bien ce que c’est. On est assez influencé par la scène française des années 80, par les premiers Bashung, les premiers Christophe, par Taxi Girl, Gazoline, et puis par la musique des années quatre-vingt en général.  

C’est pas seulement à cause du revival de ces derniers temps. Un peu bien sûr, on est tous des consommateurs de base. Mais on se reconnait bien dans l’esprit post-moderne de ces groupes. On se reconnait dans le soucis que ces gens ont pu avoir de faire de la musique et de la chanson avec des bruits de machine, avec leur existence la plus merdique. La musique trop éloignée du réel ça nous parle pas vraiment, pour nous une bonne chanson ce n’est pas fait pour vendre du rêve ou du beau, c’est plutôt fait pour encaisser.

La musique de  Grand Blanc est assez singulière. Comment la décrieriez-vous en évitant de parler de « Sub Bashung Core » comme Noise Mag vous a qualifiés ?

Notre bureau d’étude planche sur un concept… non. On ne sait pas vraiment quoi répondre. Quand ça nous saoule d’essayer de préciser on dit new-wave en français, mais ça n’en est pas ça. Benoît propose variété alternative… mais personne n’est convaincu. Ce qui est sûr c’est qu’on ne s’identifie pas à un style en particulier et qu’à chaque fois qu’on en parle on mentionne le fait que c’est en français. Après c’est aux gens de voir. Ca dépend aussi de qui demande.

Le chant (surtout sur Samedi la Nuit) rappelle Bashung ? Il fait partie de vos influences ?

Oui, mais récentes. On l’a découvert assez tard et ça nous a beaucoup plu. En fait plus que sa manière de chanter c’est toute son œuvre. Déjà c’est un homme qui a su s’entourer, trouver des paroliers et des collaborateurs qui lui ont été fidèles. Ça se ressent dans les albums, ça croise des styles très différents mais ça reste cohérent, c’est pas le genre d’artiste centré sur lui-même, ses périodes. Peut-être qu’on se reconnaît un peu là-dedans, on est un groupe assez composite dans les profils et les inspirations du coup nos morceaux ce sont toujours des lignes médianes.

La poésie de ses paroles est proche de celle qu’écrit Benoît. Votre écriture repose de temps en temps sur la métaphore. C’est un procédé qui vous permet plus de liberté ?

Il ne faut surtout pas lancer Benoît sur les questions de métaphore, on le regrette toujours amèrement… Donc on va essayer de faire simple. Ce qui fait la ressemblance avec Bashung (hormis le début de samedi la nuit avec les fins de phrases de cruiner dans un gros delay) c’est que les textes sont de moins en moins construits syntaxiquement. A proprement parler ce ne sont pas des métaphores, c’est juste une manière de se concentrer sur les termes, en faisant peu de phrases construites. Et puis il y a aussi le lexique, on exporte beaucoup des termes urbains ou contemporains qui clochent un peu dans des textes un peu littéraires. Effectivement Bashung fait ça. Mais Char le faisait avant lui, les surréalistes (ça dépend lesquels d’ailleurs). En tout cas ce qu’on recherche c’est que les textes provoquent un peu de la fascination qu’on ressent quand on les écrit. Voir un mot sous un jour nouveau c’est assez puissant, ce n’est pas seulement le mot, c’est tout ce que ça désigne qui vient avec. Ca va faire littéraire mais bon tant pis, puisqu’on parlait de Char, il a eu un mot très fort, il a écrit (pas certain de la citation exacte) : « ces mots qui vont venir savent de nous des choses que nous ignorons d’eux »… c’est à peu près ce qu’on recherche à savoir ce qu’il y a en dessous, après. Et il n’y a pas besoin de faire de la poésie lyrique pour ça, ça peut advenir dans une chanson.

Et on n’est pas tout seuls à faire ça dans notre génération, récemment on a découvert Blind Digital Citizen, un ovni musical en français, ils ont à peu près notre âge et ils sont incroyables. Le chanteur est plus dans la scantion, il sort des phrases complètement cryptiques avec un tel rythme que tu as l’impression de comprendre d’instinct ce qu’il veut dire mais à lire le truc hors du morceau ça serait difficile d’interpréter quoi que ce soit.

Lorsque vous écrivez les paroles d’une chanson, y a-t-il des thèmes que vous préfèrez à d’autres ? Des écrivains ? Des poètes ?

En fait à cause du côté déconstruit des textes, on a pas vraiment de thème. On a une trame et un lexique. Dans Samedi La Nuit il y a la trame de la virée nocturne, quand on dit « tu rêvais la horde fiévreuse des maladies vénérées » la trame c’est que quelqu’un va découcher et risquer la MST parce qu’il a trop bu, mais après il y a le lexique qui joue, vénérées ça remplace vénérienne et c’est pas juste un effet de style, en prenant un mot homophone tu te rends compte que quand tu sors te saouler tu ne vis pas la coucherie comme une menace, en bon enfant de la génération post-sida, tu te rends compte que te saouler jusque tard, essayer de choper c’est chercher de la violence gratuite. Tu le sais toujours, et surtout le lendemain de ta soirée « n’importe quoi », mais tu le dis jamais, et quand tu l’écris (enfin nous on le vit comme ça) ça t’apparaît très nettement.

Du coup on essaye d’avoir des thèmes assez quotidiens, pour que ce côté révélation dans le texte nous touche plus. Si racontait une histoire d’amour sur la riviera, un beau hasard d’écriture ne nous parlerait pas. Il faut qu’on ai l’impression que ça vienne d’en dessous. 

Pour les paroles de Grand Blanc, y a-t-il un courant littéraire auquel vous pourriez vous identifier ?

Certainement le post-modernisme, même si c’est plus un courant philosophique. Une certaine science-fiction peut-être. Un bon exemple d’influence indirecte, qui ne soit pas de la musique ou de la chanson c’est le cinéma d’Andrei Tarkovsky. Regarde Stalker…la claque !, dans ce film tu ne peux pas te décider entre la fresque mystique et la fiction post-industrielle… en fait il n’y a pas à se décider… ça nous fait un peu le même effet quand on va acheter des clopes au Luxembourg et qu’on passe devant Cattnom , ou qu’on passe devant des friches industrielles, c’est en même temps des bouts de féraille et des témoins de l’activité économique la moins poétique possible, c’est juste la lorraine, et en même temps c’est une énorme source de fantasmes.

De manière général tous ces courants modernes « soupçonneux » qui grattent en dessous, profond.

À l’instar de Joy Division avec Manchester, Grand Blanc possède une certaine mélancolie et une noirceur que l’on pourrait rencontrer de ce coté-ci de la Lorraine. L’environnement et ce qui vous entoure jouent quels rôles sur votre musique ?

Voilà ! on en parlait ! (ces questions sont vraiment formidables !). Oui, on cultive pas mal ce côté-là, surtout depuis qu’on est arrivés à Paris. On était tous très contents de se tirer de cette région paumée et ennuyeuse et plus on passe de temps à Paris plus on se rend compte qu’on a quelque chose que les gens hors de Lorraine n’ont pas. Les parisiens nous parlent de Disney Land, leurs parcs d’attractions sont amusants et high-techs… nous on a les Schtroumpf, Niglo Land et Fraispertuis City … Ca craint mais c’est chez nous, et ça nous manque souvent, justement parce que ça craint.

Camille anime une émission de radio, Ether et Crac, sur Radio Campus, et elle a interviewé Plastobéton, un groupe aussi inclassable que génial et qui vient de Metz aussi. C’était hyper émouvant pour nous d’entendre leur réponse. Ils parlaient de l’ennui de la jeunesse à Metz, des concerts de punk sous le pont de l’A-31, de leurs concerts sauvages dans des Lavomatic parce qu’ils n’avaient pas de lieu où jouer… Bien sûr on est un peu plus des boy-scouts que ces gars-là mais ça nous parle, on comprend, on l’a aussi vécu.

En fait dans les coins un peu déshérités il y a souvent plus de beautéque dans les lieux où tout va trop bien, une beauté un peu désespérée, un peu au second degré, mais quand même.

Samedi La Nuit est un peu inspirée de nos soirées messines aussi. Peut-être que si on avait vécu ailleurs, dans une ville avec plus de bars, de clubs, de lieux fréquentables quoi, on n’aurait pas passé autant de temps à zoner devant le Flamenco ou je ne sais quoi. Mais en fait le côté trompe l’ennui, errance nocturne c’est touchant. C’est un peu cynique parce qu’on ne peut pas trop se faire croire que ça a le moindre sens de rester éveiller tard deux jours par semaine pour on ne sait pas trop quoi, mais partager cette lucidité nocturne avec des amis c’est très intime.

C’est un peu la même chose pour toute cette région, elle a ramassé, les guerres, les crises (a Metz ça va, mais autour c’est encore flagrant) et pourtant elle tourne encore assez rond. C’est ça qu’on aime ici.

Pouvez-vous nous parler des habillages sonores pour la marque BHWG ?

Projet en cours. C’est la première fois qu’on travaille sur commande en fait. On a du travailler différemment, être plus sérieux, plus carrés que d’habitude et puis surtout réfléchir à comment ce qu’on faisait allait être reçu. C’est un truc auquel on pense assez peu d’habitude. C’est une expérience très enrichissante, ça apprend la minutie. En plus le clip est superbe, Julien Soulier et Adrien Landre, les deux réalisateurs sont allés chercher des images incroyables en Ecosse. On a hâte que ça sorte, hâte de voir le truc prendre vie entre l’image et la musique.

Qui a t–il Devant De Grand Blanc pour la rentrée ?

Devant de nous ? Il y a pas mal de choses. Il y a une sortie physique qui commence à se profiler pour février sur une structure messine et avec YUPPY qui nous suit. On est un peu superstitieux alors on reste allusifs. Il y a les dates au Zikametz pour l’ouverture du festival, à la MJC du Verdunois le 28 septembre (on est super contents de jouer à Verdun), il y a la Nuit Blanche le 5 octobre, on tourne un « Scènes de Bain » à ce moment-là aussi.

Après on a des dates qui arrivent à Lyon et Paris, à suivre. On va se remettre à la compo, parce que ça nous manque.

Et on aimerait bien faire notre première tournée au printemps prochain, un truc à notre taille. Du coup on planche là-dessus dès maintenant.

Bref, devant de nous ça va, on a hâte que ça arrive.

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En concert aux Trinitaires pour le Festival Zikametz

Binidu en interview

Que font certains musiciens lorsqu’ils sont en pause de leur groupe, sans répète, sans tournée… ? Ils forment un autre groupe. Parmi eux, Vincent Dupas,  Jean-Batiste Geoffroy, Jérôme Vassereau sont des stakhanovistes de haut vol. Tous trois déjà bien installés dans des formations aussi respectables que Fordamage, My Name Is Nobody et Pneu, ils se sont unis pour visiter de nouveaux horizons et surtout voir si les bords du Lac D'Aiguebelette en Savoie ne ressemblaient pas à ceux du Lac Victoria en Afrique. Grâce au postulat de départ qui était de mélanger mélodies et musique africaine, Binidu livre un premier album aussi dépaysant qu’un safari au Kenya et revigorant qu’un stage en haute montagne. Avant de faire la chronique de l’album Yes !, sorti uniquement en vinyle sur le très respectable label Kythibong, on a voulu en savoir plus sur le groupe et ses motivations, l’écriture de l’album et la manière dont ils vont le défendre.

 Vous êtes chacun déjà bien installés dans des groupes, pourquoi avoir formé Binidu ? 

C'est vrai que nous menons nos autres projets depuis longtemps, c'est comme ça que l'on s'est rencontré lors de tournées. Former Binidu et faire un album n'était pas une fin en soi, l'envie de départ était de faire de le musique ensemble ! 

 En formant ce groupe, que recherchiez-vous que vous n’avez pas encore trouvé dans vos groupes respectifs ? Cette collaboration est quelque chose qui trainait dans l’air depuis longtemps ?  

En 2010, on s'est vraiment beaucoup vu avec les gars, quelques dates fordamage/pneu au printemps, puis un week end au Samynaire (près de montpellier), puis Jey nous accompagné sur une mini tournée et faisait de la guitare sur quelques morceaux. On a énormément rigolé et peu dormi… et on s'est découvert une passion commune pour les guitares africaines, et on garde ça en tête, on se dit que l'on va faire un truc ensemble.

Avec fordamage, on avait  ajouté quelques riffs et rythmiques liés aux musiques africaines, mais ce n'est plus la direction que l'on prenait dans l'écriture du 3ème album. Alors, suis sûrement aller chercher ça avec Binidu, aussi retrouver des mélodies pop dans le chant, ce qu'il n'y a pas dans fordamage et finalement assez rare chez MNIN.

Peut-être que pour JB et Jey,le fait de jouer avec un chanteur était nouveau pour eux, et de jouer sur des formats plutôt pop… mais je ne peux pas affirmer que c'est ce qu'ils recherchaient, ha !

Avant même de composer les premiers titres, aviez-vous une idée de ce que vous vouliez faire ? 

Le postulat de départ était de partir de base de musique africaine (en tout cas ce qu'un un occidental en a comme vision), de chanter des mélodies pop, et d'écrire des textes directs et naïfs sur une idée fixe (les caméras dans les villes, le constat d'échec de la compréhension du monde économique, les bienfaits de nager dans l'océan…)

Il y a beaucoup  de second degré dans les propos, car moins lourd que ceux de fordamage et moins perso que ceux de MNIN.

Est-ce que Pneu , Fordamage, My Name Is Nobody a inter-agit d’une manière ou d’une autre dans l’écriture de Yes ! ? 

Jey et JB ont super l'habitude de jouer ensemble, donc ça doit naturellement inter-agir… mais je ne crois que l'on pense à nos autres projets en faisant Binidu.

Binidu est une récréation par rapport à vos différents groupes ou verra-t-on une suite à Yes !

Récréation est un grand mot, car au final, on va tourner ce disque comme on fait d'habitude,  et oui, on pense déjà à commencer à écrire des nouveaux morceaux, mais sans aucune pression de temps ni contraintes.

De quelle manière a été composé/enregistré Yes ! ?

L'écriture des morceaux s'est étalée d'octobre 2011 à décembre 2012 sur 3 ou 4 sessions de répétitions, donc entre temps il se passait plein de choses, on avait écouté plein de trucs différents, envie de jouer d'autres choses, donc on ne s'est pas privé d'expérimenter et de sortir de ce postulat.

Je suis d'abord arrivé avec une base guitare/voix sur 3 ou 4 morceaux et on a vu ce qui fonctionnait avec les gars, on a démonté et tout remonté. On a écrit aussi quelques titres ensemble en partant d'impro, d'une ligne de voix… et l'un des morceaux à même été produit pendant l'enregistrement… donc pas vraiment de règles encore une fois.

Une semaine à répéter dans un pavillon de chasse au bord du Lac D'Aiguebelette en Savoie a fait beaucoup pour cet album ! C'est un endroit de rêve pour travailler et perfectionner la nage en eau claire, chaude, et calme alors qu'il fat 30 degrés à l'ombre...

On a enregistré en janvier 2012 avec Miguel Constantino à Quimper suite à l'enregistrement de Papaye (dans lequel JB joue), sur 2 jours donc bien intense, puis c'est Jey qui a enregistré les arrangements supplémentaires puis mixé tout le bazar dans leur studio à Tours.

Le titre Yes ! est à prendre comme un cri d’autosatisfaction sur le résultat final ?

haha, non ce n'est pas de l'autosatisfaction, en fait, c'est un mot que l'on utilise tout le temps, c'est surtout une façon d'être bien positif, dans l'idée Binidu, c'est positif.

En tournée avec Enablers en mai dernier, Pete Simonelli nous faisait remarquer que notre utilisation à outrance donne au Yes une autre signification, c'est presque devenu un verbe… il y dedans l'idée d'être volontaire à faire plein de nouvelles choses, exactement comme on a fait Binidu.

Comment qualifieriez-vous autrement votre musique que la phrase « un projet plus planant que Fordamage, moite, mais moins suant que Pneu. Le groupe des vacances. »  que l’on retrouve dans votre dossier de presse ? 

 C'est de la pop pas mièvre qui se joue fort !

Incruste à Nancy: BINIDU from What comes around... Goes around.

 Vous avez récemment fait un concert sauvage dans une galerie d’art nancéenne organisé par What Come Around Goes Around. Comment allez-vous défendre votre album ? En cherchant des lieux aussi atypiques ou de manière plus classique ?

 Ce concert s'est passé durant la tournée partagée avec Enablers, c'est con, on a reçu les disques le jour de notre retour, alors que c'était pour défendre le disque avec un peu d'avance… mais on va faire comme d'habitude, on va prévoir des tournées en France et à l'étranger, et on va jouer dans les lieux que l'on nous propose tant que les gens sont contents d'organiser un concert ! Même si on adore jouer dans des lieux atypiques, on ne recherche pas ça spécifiquement.

 Etre sur un label comme Kythibong revêt-il une signification particulière pour le groupe ? Et vu que Fordamage fait partie du catalogue c’était une évidence ?

 Nous étions tous les trois ok sur le fait que Kythibong était idéal pour nous, c'est des amis, on avait tous déjà bossé avec eux (fordamage, papaye, et le split de la colonie de vacances) on se reconnaît à 100% dans leur démarche, et on pensait qu'il comprendrait la notre donc on leur a proposé en premier et ils ont accepté, on a trouvé que c'était bien YES ! et on les remercie encore !

Kythibong / Bandcamp

Interview : French Cowboy & The One

Projet à multiples facettes, French Cowboy avance de la plus belle des façons au gré des envies de son principal membre Federico Pellegrini. Touche-à-tout insatiable, le nantais a embarqué cette fois-ci son compère des Little Rabbits, Eric Pifeteau, pour une mouture inédite des garçons vachers intitulée French Cowboy & The One. Qui dit nouvelle mouture dit nouvel album. Après la chronique, Ground Control To Major Tom n’a pas pu s’empêcher de poser quelques questions à Federico Pellegrini, histoire de tout connaître sur la genèse d’un album qui tourne sans discontinuité sur la platine.  Federico Pellegrini revient tour-à-tour sur les influences de l’album, sur Jim Waters, et parlera aussi de la B.O du film Tu seras un homme de Benoît Cohen et sur ce qu’est un punk aujourd’hui.

 

Des formations sous l’entité  French Cowboy, il y en a eu plusieurs. Il y a l’originelle avec les membres des Little Rabbits. La version cavalière avec Lisa Li-Lund. La version dancefloor avec Rubin Steiner et Caroline. La version solo sous l’alias Lonesome French Cowboy. Et voici la version garage/disco avec Eric sous le nom de French Cowboy & The One. Pourquoi autant de formations ? Tu as envie de montrer tes multiples facettes ?

Oh non, au départ, c'est plutôt par défaut. On a fait le premier album à quatre, le suivant en collaboration avec lisa li lund, le suivant, à quatre plus quatre choristes féminines (les Spectorettes) et quand il s'est agit de faire la tournée de cet album, les gars avaient accepté de faire le backing band de Jeanne Cherhal, donc il a fallu que je compose avec ça. Je sortais d'une longue tournée en solo, donc ça ne m'a pas fait trop peur, j'ai branché Rubin Steiner et l'une des spectorettes et on s'est amusés à reformuler l'album. Pour la nouvelle mouture avec Eric, c'est un peu pareil, ça a commencé un peu de manière anecdotique, disons qu'il m'a accompagné sur quelques concerts solo, j'aimais bien l'idée qu'il se rajoute à la boite à rythme, et surtout, l'idée de rajouter une batterie permettait d'envoyer un peu plus que je ne le pouvais solo, on y a carrément pris goût, petit à petit, on a réorchestré des morceaux, essayé de nouveaux morceaux et ainsi est née l'idée de faire un album avec ce son là, assez naturellement en fait.

Comme pour contredire le titre Big Trouble, les premières sensations ressenties  en écoutant l’album, est qu’il a été écrit facilement et dans la bonne humeur. De quelle manière a été composé l’album ? Est-ce que cette nouvelle formule en duo a catalysé l’écriture ?

Cet album n'a pas été écrit à proprement parler. J'ai pioché dans tout un tas de tiroirs pour le construire. Des morceaux que j'avais composés pour le théâtre, pour une musique de film, quelques morceaux que je jouais solo, en ai inventé un ou deux à peine. Le truc avec cette formule, c'est qu'étant donné qu'on joue sur une boîte à rythmes et que je m'auto-sample,  les morceaux ne peuvent pas se barrer dans tous les sens, avoir une structure trop complexe, du moins, pour le moment. Il y a des critères techniques à respecter. J'ai donc pioché là où les critères correspondaient, j'aimais bien aussi l'idée que ça bastonne un peu, tant qu'à faire, quand on a une batterie.

J’ai lu qu’un titre comme You Wanna Sing était au départ destiné pour une pièce de théâtre. Comment s’est-il retrouvé sur l’album ?

Oui, pour le théâtre. C'était un morceau assez hors norme mais comme j'avais prévu de faire quelques morceaux avec des claviers dans l'album, je me suis dit qu'il y aurait sa place. Au départ, c'est un morceau instrumental, juste chanté à la fin (les you wanna sing), et puis une fois enregistré, un soir, j'ai eu l'idée de ce texte, je l'ai rajouté le lendemain et on l'a laissé.

Depuis Grand Publics des Little Rabbits tous les albums ont été produits à Tucson par Jim Waters. Comment s’est passée cette nouvelle collaboration ? Tu n’as pas envie de changer ? D’aller voir ailleurs ?

Non, pas envie d'aller voir ailleurs. Ce que j'aime avec Jim, c'est qu'il n'est pas producteur, en tous cas, ne se désigne pas comme tel, même si d'une certaine façon, on l'est tous un peu, lui compris. J'aime sa façon de restituer plutôt fidèlement le son du groupe, et de le sublimer, de faire que tout cela colle. Pour Grand Public, on était allé le chercher pour cette même raison  et je/on n'a jamais été déçus. Je n'ai jamais eu envie de travailler avec quelqu'un qui s'accapare ce que je fais pour le faire sonner, un producteur tel qu'on l'entend en général, je crois qu'on dit parfois même réalisateur, moi, ça ne m'intéresse pas, je préfère toujours participer à, faire en collaboration avec. Avec Jim, ça se passe toujours bien, on est très connectés depuis le temps et on prend énormément de plaisir à tout ça, donc non, pas près de changer de formule. La cerise sur le gâteau pour cet album a été d'aller faire l'enregistrement là-bas. Après les Rabbits, on a toujours enregistré par nos propres moyens et à la fin, j'allais mixer chez Jim, pour celui-ci, étant donné que nous n'étions que deux, ce fut économiquement faisable et pour le coup, ça change vraiment tout, et pour Jim et pour nous, le fait de tout faire ensemble de a à z.

Plusieurs moments de l’album m’ont fait penser à l’album Yeah ! Déjà dans l’esprit général qu’il dégage. Dans le titre d’ouverture Hell Yeah et cette phrase sur le morceau Everybody « J’ai pissé dans la piscine ». Vous aviez envie de retrouver un peu de Yeah dans cet album ?

Oh non, à aucun moment ça ne m'a traversé l'esprit. Après, c'est possible, cet esprit général dont tu parles, déjà le fait d'avoir enregistré à Tucson, et puis bon, peut-être ma façon d'écrire les chansons, on ne fait pas des chats avec des chiens.

Je me souviens d’un super concert à l’Astrophone de Metz avec en final une reprise endiablée d’AC/DC. C’est un album que vous avez déjà testé en live avant de l’enregistrer ?

Oui, certaines chansons avaient été jouées en live, d'ailleurs la reprise d'ac/dc a été enregistrée, mais finalement, on ne l'a pas mise sur l'album. Le truc c'est qu'on a enregistré le gros de l'album en deux semaines, on ne pouvait donc pas tout inventer sur place, mais on voulait laisser une grosse part d''inconnue en ce qui concernait les arrangements, ça n'était donc pas du luxe d'avoir quelques morceaux pré-existants.

On connaissait déjà ton amour pour Pulp, pour le garage ou encore le disco, mais moins pour le hip hop. Comment es-tu venu à écrire des morceaux comme Maico et Keep Rockin’ ?

C'est marrant ça, Keep Rockin, du hip hop ? Bon, après, c'est vrai que musicalement, je suis plutôt large et que du hip hop, j'en écoute pas mal. Après, quand je fais un morceau, il est le résultat du comment il s'est construit. Maico est parti d'un jam mpc-batterie, j'avais décidé de ne pas y ajouter de guitare, donc forcément, ça emmène ailleurs, et tant mieux.

Les deux titres très Spacemen 3 placés en toute fin d’album annoncent-ils une évolution possible des French Cowboys vers ce style de musique ?

Beh non, rien n'annonce rien dans cet album, juste un état des choses au moment présent. Si je regarde dans les tiroirs, le prochain disque pourrait se barrer n'importe où, et c'est sans compter les tiroirs à venir. Le son du prochain French Cowboy sera certainement intimement lié à sa forme, instrumentation, invitées. Il faudrait que j'écoute ça, Spacemen 3, ça fait plusieurs fois qu'on m'en parle.

En parallèle sort la B.O du film Tu seras un homme de Benoît Cohen. Peux-tu nous en toucher quelques mots ?

Benoit Cohen, que je ne connaissais pas avant de collaborer à son film, m'a appelé un an avant qu'il sorte, il voulait utiliser Home, le morceau qui ouvre notre troisième album pour finir son film, il avait du mal à s'arrêter sur quelque chose pour la musique, après avoir essayé pas mal de pistes, il m'a proposé de m'y pencher. J'ai vu le film, ai trouvé qu'il n'y avait pas tellement besoin de musique dans ce film donc j'ai dit ok. Je luis ai proposé divers pistes et il a habillé son film avec, comme bon lui semblait, avec des morceaux pré-existants et quelque inédits.

Tu as retrouvé les mêmes sensations que lorsque tu as écrit la B.O d’Atomik Cicrcus ?

Non, vraiment pas. Sur Atomik Circus, on était six sur le coup, sans compter les réalisateurs, tout était long, il fallait sans arrêt revenir sur les choses, les timings, l'ambiance, la vitesse, chacun avait son idée sur les choses, à tel point que dans la B.O, il y a même des morceaux que je n'aime pas, c'est tout dire.. Sur Tu seras un homme, j'étais tout seul, Benoit écoutait, rebondissait, on a bossé par internet, disons que c'était moderne. Et puis il a utilisé pas mal de morceaux pré-existants, non, c'était chouette à faire.

La structure Havalina Records te permet une grande souplesse ? Quelle sera la prochaine mutation artistique des French Cowboy ?

Une grande souplesse... comme dirait le patron du label, no money good records ! Mais oui, grande souplesse tout de même, je plaisante. Je suis vraiment très fier que nous ayons pu monter ce label, c'est une chouette aventure. La prochaine mutation, je ne sais pas. J'ai pas mal d'envies. J'aimerais bien refaire quelque chose avec lisa, aussi avec ma copine Charlotte du Volume Courbe, peut-être aussi les spectorettes, ça me manque les collaborations féminines. Et puis un autre album de garçons vachers. Je ne sais pas dans quel ordre, en tous cas, continuer.

Fred Landier (alias Rubin Steiner) dit dans Magic que vous êtes « surtout des punks ». Pour toi, c’est quoi être punk aujourd’hui ?

Je ne sais pas. En tous cas, je suis trop vieux pour être punk, ça c'est sûr, et je ne crois pas l'avoir jamais été. Je ne sais pas ce que c'est qu'être punk aujourd'hui, je ne crois pas d'ailleurs que ça serve à grand-chose. J'aime bien les jeunes gens qui se démènent, qui essaient de construire quelque chose, en réaction certes, mais de construire, de se débrouiller, de se défendre, pour le futur.

French Cowboy & The One  / Havalina Records / Facebook

Idiot Glee en interview

Idiot Glee est la dernière découverte de Rémi Laffitte, artisan du label Atelier Ciseaux. Son  EP Life Without Jazz  (sorti conjointement sur Atelier Ciseaux et Bureau Bureau) a été une véritable révélation, un peu comme tout ce qui se trouve dans le catalogue du label (TOPS, Best Coast, Ela Orleans, François Virot, Oupa…). Entre pop de chambre et songwriting d’esthète, les hymnes lo-fi torsadées de James Friley instrumentalisent une rencontre idéalisée entre Fleetwood Mac, Casiotone For The Painfully Alone, Roxy Music et Scott Walker. Après les écoutes prolongées de cet EP, tout s’emballe. Découvrir la musique d’Idiot Glee, c’est découvrir en même temps une envie de connaître tout sur l’artiste. On part à la recherche du premier album Paddywhack qu’un ami bien intentionné vous trouve. On lit tout ce qui touche de près ou de loin au natif de Lexington (Kentucky, USA).  Et lorsque l’on vous propose une interview de celui  qui finit par hanter vos obsessions, c’est un désir inavoué qui se réalise. A travers quelques questions, James Friley raconte ici ses débuts et revient sur sa reconnaissance européenne et  ses goûts musicaux.

Idiot Glee n’est pas votre première formation. Vous avez joué sous votre propre nom et sous le nom de Happy Days. A quoi ressemblait votre musique à cette époque ?

J'ai joué dans un groupe appelé Bedtime pendant 4 ou 5 ans avant de commencer mon propre projet. Bedtime c'était beaucoup de piano, d'orgue et de guitares déchirées. Un indie rock très sombre et très entrainant.

La première fois que j'ai joué les compositions d'Idiot Glee c'était sous mon propre nom. C'était à un concert avec Peaking Lights dans un skateshop de Lexington devant 10 personnes. J'y ai joué 3 morceaux: Happy Day, Eyes, Arms of Smoke et Jamie's Song.

Par contre, je n'ai jamais joué sous le nom d'Happy Days.

C’est le label digital français Beko qui vous a fait découvrir au grand public. Comment en êtes-vous venu ensuite à signer sur le label londonien Moshi Moshi ?

Stephen Bass de Moshi Moshi m'avait ajouté comme ami sur myspace. J'en ai profité pour lui envoyer un message, c'est drôle non ? J'ai supprimé cette page myspace depuis quelques années déjà.

Nous avons discuté et signé ensemble peu de temps après. C'est à peu près tout. Je pense qu'il a découvert ma musique grâce à la diffusion de mon morceau 'All Packed Up' sur la BBC.

Aujourd’hui c’est Atelier Ciseaux et Bureau Bureau qui sortent votre EP. L’Europe est-elle plus réceptive à votre musique que les Etats-Unis ?

C'est parfois ce que je ressens mais une bonne partie des États-Unis est très ouverte également. Principalement le Midwest, mais pour je ne sais quelle raison, pour le moment, seules les personnes de l'autre côté de l'Atlantique sont intéressés à sortir ma musique.

Je suis vraiment heureux de travailler avec Atelier Ciseaux/ Bureaubureau, ce sont des gens sympas et ils aiment vraiment la musique. J'aime travailler avec des gens qui le font pour les bonnes raisons. Depuis que j'ai commencé IDIOT GLEE, j'ai toujours eu de bons retours en France, je ne sais pas pourquoi.

Vous avez une tournée avec Women. Comment avez-vous trouvé le temps pour composer Life Without Jazz ? 

Ca ne s'est pas passé en même temps. J'ai commencé à enregistrer "Life Without Jazz" 6 mois après la tournée avec Women. Et puisque nous en parlons, c'est sans doute l'une de mes tournées préférées. C'est vraiment un super groupe.

J’ai lu quelque part que Paddywhack avait été influencé par vos écoutes prolongées des Beach Boys ainsi que la musique des sixties et que Life Without Jazz était quant à lui influencé par l’écoute de Fleetwood Mac. Jusqu’à quel point la musique influence-t-elle votre écriture ? Et jusqu’à quelles limites vous laissez-vous influencer par un groupe ou un artiste ?

J'ai tendance à me plonger uniquement dans un ou deux albums à la fois. Je n'écoute pas beaucoup de nouveaux groupes ni même beaucoup de musique ces derniers temps. Quand je suis obsédé par un album, je laisse les rythmes, les motifs, ou plus généralement les idées s'infiltrer dans mon cerveau. Ils ont une sorte d'impact sur ma propre créativité. Je ne cherche pas à sonner exactement comme Fleetwood Mac mais il y a une ambiance sur Tusk dont j'aimerais parfois me rapprocher lorsque je compose. C'est la même chose avec le 'Calling Out Of Context' d’Arthur Russell, les premiers albums rock de Brian Eno, les débuts de Roxy Music, Paul McCartney et quelques albums des Beatles, etc..

The Beach Boys, Fleetwood Mac sont des groupes qui n’ont plus rien fait depuis de nombreuses années. Vous arrive-t-il d’écouter des artistes actuels ? Quels sont ceux qui pourraient inspirer votre musique ?

Pas beaucoup mais si je dois citer quelques noms, je dirais Ariel Pink's Haunted Graffiti, beaucoup de groupes de Lexington comme Street Gnar, Matt Duncan, et Three Legged Race, Broadcast, certains Deerhunter, Twin Sister, Mac DeMarco, Peaking Lights, etc.

J'ai l'impression que APHG et sa façon d'enregistrer la musique pop m'a plus influencé que n'importe quel autre artiste contemporain.

En plus de puiser vos influences dans des groupes du passé, on ressent une certaine nostalgie dans votre approche de la musique…

C’était sans doute plus vrai au début. J’étais dans une période de break avec ma copine et j'avais ce désir de retrouver ce qu'était notre relation au début. C’était très inconscient, c'est juste ce qui en est sorti à l'époque.

Aujourd’hui, comment voyez-vous votre musique évoluer dans le temps ?

Probablement de beaucoup trop de manières différentes. Je ne peux pas me concentrer sur une seule idée. J’ai enregistré de la guitare, de la basse, de la batterie, des versions folks de ma musique, du piano, de la musique new age de yoga et plus encore. Je pense que pour le prochain Lp, il y aura un peu de tout ça. Probablement des trucs plus sombres, plus entrainants, et j'ai vraiment envie de quelque-chose de plus dépouillé en ce moment. C’est ce que j’ai en tête ces derniers temps mais nous allons voir ce qui ce passe. J’espère également avoir accès à un meilleur studio pour enregistrer.

La pochette de Life Whithout Jazz est très belle et assez réussie. Pouvez-vous nous en toucher quelques mots et comment en êtes-vous venu à collaborer avec Robert Beatty ?

J’ai demandé à Robert de commencer à travailler sur une idée et il m’a envoyé le « logo » Life Without Jazz comme piste de départ. Nous avons travaillé à partir de cette partie en y ajoutant des éléments de lumière. Je voulais une ambiance un peu à la Monty Python. Mais qu’est-ce que je raconte, c’est Robert et son talent qui ont fait le travail. Nous vivons à  5 minutes l’un de l’autre et nous apprécions chacun nos travaux respectifs. La collaboration s’est faite naturellement.

Idiot Glee / Atelier Ciseaux

Merci Rémi pour la traduction

 

Interview : Poincaré

Ce fut pendant longtemps l’un des secrets le mieux gardé de la ville de Metz. Personne, ou seulement quelques individus bien informés, n’était au courant de ce qui se fomentait dans les salles de répétitions messines.  À l’abri de tous les regards, Poincaré est un groupe atypique né, comme les grands projets, au hasard d’une discussion. Rassemblant 10 musiciens (tous guitaristes), Poincaré  est ce que l’on appelle dans le jargon musical un super groupe. Composé d’artistes déjà en place dans plusieurs formations, on retrouve entre autre des  musiciens de Twin Pricks, CRCV, Kaliayev, Zero Degré, My Lovely Underground et The Feeling of Love. A cela s’ajoute Bertrand Ricciuti qui assurera le VJing pendant le live.

Personne n’a encore entendu la moindre note de ce groupe mais on peut s’attendre aussi bien à des envolées mélodiques post-rock que des murs du son shoegaze ou métal. Un peu comme si My Bloody Valentine, Mogwai ou Fadades (clin d'oeil à Rosen) jouaient ensemble.

Avant leur concert événement ce samedi 5 avril aux Trinitaires de Metz en ouverture de la soirée Young Team #1, Ground Control To Major Tom a voulu en savoir un peu plus sur ce projet un peu fou.  C’est Geoffrey Lolli (Dr Geo, Twin Pricks…) instigateur du projet, qui s’est prêté au jeu des questions/réponses indiscrètes.

INTERVIEW

Poincaré est un projet que personne ne connait. Un secret bien gardé dont seules quelques personnes étaient au courant. Peux-tu nous dire comment est né le projet et qui se cache derrière ?

Tout commence après le taf y a un peu plus d’un an, je bossais avec JULIEN (Young team, le mec à l‘origine du festival) dans un magasin de musique sur Metz. Dans la bagnole, je lui dit que j’ai envie de faire un projet de DRONE mélodique avec que des guitares, et surtout pas de rythmique…Lui me dit qu’il voudrait organiser un festival post-rock/noise avec aucun groupe avec chanteur. C’était deux idées à la con. On s’est donné un an. On y arrive enfin!

Le slogan du groupe est « 10 hommes. 10 guitares. 100 pédales » est-ce que le but de la formation était d’exploser l’image d’un groupe rock traditionnel en tant que tel ou aviez vous envie de jouer sur/avec les textures sonores ?

Bien sûr c’est juste un jeu de textures sonores et d‘empilement de couches de guitares. Il y a aussi le côté « musique aléatoire » dans les phases de larsen qui me plait beaucoup. Aujourd’hui ce qui accroche les gens c’est le côté rythmique de la musique, on fixe toujours le batteur en premier. Là on est assez dérouté pour le coup, surtout sur les passages « rock ». Même pour nous qui jouons, il n’y a pas vraiment de repère. Il faut se laisser porter par cette vague de bruit. Sur le fait « d’exploser l’image d’un groupe rock traditionnel » on ne s’est pas vraiment posé la question…

Y a-t-il eu un postulat de départ ou une contrainte imposée à tous les membres du groupe ?

Il est interdit d’utiliser une boucleuse, sample ou autre, tout doit être joué pour de vrai…

(j’interdis aussi à Flo de porter un t-shirt de Lady GAGA le soir du concert)

Vous êtes dix musiciens d’horizons musicaux différents. Comment s’est passée l’écriture et quelle est la part de chacun dans l’élaboration des morceaux ?

J’ai ramené les thèmes principaux qui sont vraiment très très simples, là-dessus chacun est libre de faire ce qu’il veut. Le fait qu’on vienne tous d’horizons musicaux divers aide à structurer chaque morceau. Il y a « l’équipe post-rock » qui fait monter ses nappes, « l’équipe punk-puissance » qui envoie le gros son quand il faut, « l’équipe mélodique », « l’équipe bruitiste » etc…les rôles changent parfois d’un morceau à l’autre…c’est assez naturel en fait

Comment gère-ton l’afflux d’idées qui peut venir de chaque musicien ?

On gère pas, on enfonce ses bouchons profond dans les oreilles…on crie fort parce qu’il y a toujours un mec qui est en train de jouer n’imp ou de faire des sons extraterrestres quand on essaie de structurer un morceau…c’est un beau bordel quand même 

En parlant d’idées, quels sont les groupes, labels ou disques qui auraient pu avoir une quelconque influence sur Poincaré ?

On est 10 dans l’histoire, chacun voit le truc à sa façon. Je pense que l’expérience humaine était plus importante que le rendu musical dès le départ…on se connaissait pas tous, ou du moins pas comme aujourd’hui … c’est un peu le Loft Story du shoegaze!  Heureusement j’ai l’impression que  chacun a trouvé son compte musicalement au final

S’il fallait que l’on vous classe dans une catégorie musicale, on vous classerait plus dans la noise, le shoegaze, le post-rock… ?

Un mix de tout…enfin peu importe…y a des passages super mélodiques quand même…certains y voient même des passages métal à la Manowar!!!

Avec ces premiers morceaux composés, y a-t-il une sortie d’album ou d’EP de prévue ?

Le compère de Specifics (le label de Flo) parle d’une sortie vinyl pour la fin d’année. On a tous très envie de fixer ça sur galette même si c’est en Live que le truc peut prendre toute son ampleur…

Vous allez faire votre premier live ce 5 avril lors du premier festival Young Team. Tout le monde va vous découvrir à cette occasion. A quoi doit-on s’attendre ? Au vu du slogan on s’attend un peu à un mur du son. 

Le truc qui nous a choqué c’est lors de la première répète lorsqu’on a envoyé la purée avec nos Fuzz tous ensemble…il y a une putain de pression acoustique, ça donne presque envie de vomir!! Après je ne sais pas si le son en façade donnera cet effet…(je suis en train de me dire que c’est pas très vendeur dit comme ça).

Il y aura aussi une vidéo psychédélique derrière nous, car il y a un VJ qui fait intégralement partie du projet…

Après ce concert, envisagez-vous de composer à nouveau ensemble ou c’était juste un one shot créé uniquement pour le premier festival Young Team ?

Affaire à suivre…c’est une expérience à 10 à présent. Je ne suis plus seul à décider …perso j’aimerais continuer en tout cas.

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The Feeling of Love "La Peur est une Illusion - Singles 2006 – 2008"

A quelques semaines de la sortie tant attendue du prochain album de The Feeling Of Love, il est grand temps de faire le point sur les débuts de carrière de l’un des groupes les plus  passionnants de France. Pour faire cet état des lieux, une journée ne suffirait pas. Car avant de signer chez Born Bad et de sortir l’album (Dissolve Me) qui les a fait connaître à un plus large public, The Feeling Of Love était tout autre chose.

Né dans le cerveau stakhanoviste de Guillaume Marietta, The Feeling Of Love était au départ un one man band foutraque et lo-fi, permettant à son tenancier de transformer ses histoires glauques et malsaines en hymnes garage éructés. Durant cette période solitaire, The Feeling of Love a sorti une pléthore d’EP et singles en cassettes et vinyles sur de nombreux petits labels.  Autant dire que s’il vous arrivait de faire quelques infidélités aux sentiments de l’amour, il était fort à parier que vos perversités vous auraient coûté cher car aujourd’hui toutes ces petites pépites sont maintenant introuvables. Heureusement que La Face Cachée (pour la distribution française) et Captcha Records (pour la distribution américaine) se sont unis pour réunir sur un album baptisé "La Peur est une Illusion - Singles 2006 – 2008" quatorze morceaux tous aussi essentiels à la compréhension de ce qu’est The Feeling Of Love aujourd’hui.

A l’époque, la sauvagerie héritière de "Right Now" de Pussy Galore et les rythmes primitifs venus de la New Wave soufflaient le chaud et le froid sur des morceaux à la spontanéité incroyable. Des expérimentations contrôlées, frôlant parfois la performance artistique, ont donné vie à des morceaux aussi mythiques que "Jordan’s Rules" ou "The Girl Doesn't Look Like The Other Girl". Que dire de l’inédit "Revenge", de "Rapeman Blues" ou de "Truth Belongs To The Brown Liquor" qui doivent tout à John Spencer mais pourtant font passer John Spencer Blues Explosion pour un groupe de bal.

Difficile de traduire avec des mots ce que font ressentir les premiers morceaux de The Feeling Of Love. Une seule personne pouvait en parler mieux que quiconque. Guillaume s’est donc prêté au jeu des questions/réponses dans une interview fleuve qui vous donnera sans aucun doute envie d’aller plus loin dans vos sentiments que vous portez à ce groupe.

 The Feeling Of Love / La Face Cachée

INTERVIEW

Pour ceux qui ne te connaissent pas encore, peux-tu revenir en quelques mots sur la naissance de The Feeling of Love ?

C’était une période où avec mon frère, Nafi et Seb (avec qui on a fait A.H.Kraken) on tentait plein de groupes différents, dans des styles différents. Noise, indus, punk, new wave, musique improvisée, etc. Par contre, j’étais le seul à vouloir essayer un truc garage. J’ai donc dû le faire en solo. Au départ je voulais juste enregistrer dans mon coin et ne pas faire de concerts. Et puis j’ai rencontré Jeremy qui démarrait King Automatic, et j’ai découvert Bob Log III aussi à ce moment-là. Ça m’a décomplexé, j’ai vu qu’on pouvait jouer du rock garage seul sur scène et surtout que ça pouvait sonner super bien.  Ça t’oblige à aller à l’essentiel. J’aime cette idée d’un rock instinctif et minimaliste. Qui repose sur l’énergie, qui est proche de la performance.

En parallèle, tu jouais dans A.H Kraken. A partir de quand The Feeling Of Love est devenu ton principal groupe?

Mon frère Benoit qui était notre batteur est tombé gravement malade.  Dans les temps qui ont précédés son décès il a décidé d’étudier et de vivre principalement en Chine. Le groupe était plus ou moins en standby jusqu’à ce qu’In The Red sorte notre premier album. Mais quand le disque est sorti mon frère est parti.  On a continué un peu avec Stefano des Movie Star Junkies en remplacement, le temps de deux tournées et d’un 45 tours. Mais il y avait énormément de tristesse et de frustration dans le groupe, on a préféré laisser tomber et se consacrer à de nouvelle choses. 

A l’époque, The Feeling of Love était un one man band. Avais-tu déjà une idée de l’évolution que tu voulais donner à ce projet ? Quelles étaient tes ambitions ?

Je ne voulais pas que ça reste un one man band.  En fait je trouve que ce terme est devenu assez  réducteur.  Vite fait ça s’est mis à tourner en rond. Un mec, une guitare bien grasse, une grosse caisse, un charley et une grosse voix de mâle poilu avec des pattes qui arrivent jusqu’aux lèvres qui te  beuglent des histoires de cul, de satan et de drogue. Il y avait des festivals où tu te mangeais 10 groupes comme ça d’affilé c’était indigeste. Bon je caricature un peu, désolé.  Je voulais que Feeling of Love ça soit comme Palace ou Smog. Un nom, un titre, une idée qui servent de façade à une musique en perpétuelle évolution. Autant dans le style que dans les gens qui la jouent.

Pourquoi avoir rassemblé tes premiers enregistrements sur La Peur n’est qu’une illusion ? C’est parce que les différentes sorties regroupées dans cette compilation sont aujourd’hui difficilement trouvables ? 

Médérique de la Face Cachée et Ben de Captcha Records voulaient tous les deux depuis un moment sortir un disque de FOL. Le problème était qu’on avait plus de titres inédits à leur donner. Alors j’ai proposé à ces 2 labels de rééditer sur un seul LP mes premiers 45 tours qui sont tous épuisés depuis un moment maintenant. J’ai de l’affection pour ces vieux morceaux. Il y en a des vraiment débiles.

 

Les premières traces discographiques de The Feeling Of Love se trouvent sur une split-cassette avec Facteur Kamikaze sortie à 21 exemplaires sur Luisance Sonore en 2001. Pourquoi ne pas avoir inclu ces titres dans La Peur est une Illusion ainsi que ceux  de Dancing Leather King (2002).

J’ai fait énormément de titres à l’époque, il n’y a pas que ces deux cassettes. Il y a en a d’autres et des cdrs aussi… Sans compter les 45 tours faits en commun avec King Automatic. Il n’y a tout simplement pas assez de places sur un 33 tours pour faire tenir autant de morceaux.

Les morceaux présents sur cette compilation sont sortis sur beaucoup de labels différents (Yakisakana (The Right Bitch At The Right Place), Rococo (Hand Clap Girl), Nasty Product (Young Jesus) Florida’s Dying (Rapeman)… C‘était difficile pour toi à l’époque de trouver un label stable ?

Non. C’était pour le plaisir. Je ne faisais pas un 45 tours comme on fait un single sur une major pour faire patienter le public avant la sortie de l’album. J’avais plein de titres, je les proposais à des gens différents et chacun prenait ce qu’il voulait. Et puis c’est génial de sortir des disques sur des labels qui viennent de villes ou de pays différents. Il y a un côté exotique.

Alors que maintenant The Feeling Of Love est signé chez Born Bad Records, pourquoi avoir choisi de sortir cette compilation sur Les Disques de La Face Cachée ?

Comme je te le disais c’est parce que Médé m’avait demandé plusieurs fois de sortir un disque de FOL. Et que Médé est un mec cool et qu’on ne peut rien lui refuser.  J’ai tellement bu de bières chez lui que c’est une façon de payer ma dette.  Ben qui dirige Captcha records à Chicago est cool aussi. Et il avait déjà sorti un EP de FOL il y a 3 ans.

Aujourd’hui, on ressent chez The Feelling Of Love des influences allant de Suicide au Velvet Underground en passant par la scène garage de San Francisco (Ty Segall, Thee Oh Sees, White Fence…) Quelles étaient tes influences à l’époque de tes premiers morceaux ? On sent clairement des rapprochements avec Bob Log III, John Spencer, Reverend Beat Man et même King Automatic un artiste lorrain comme toi.

Jon Spencer a été une influence pour moi pour son jeu de guitare minimaliste, et pour l’esthétique sonore de ses groupes. Pussy Galore et les premiers Blues Explosion. J’adore le côté noise, bordélique, foisonnant de Pussy Galore. Les solos de guitares pysché de Neil Hagerty. Et les mix sur les albums sont complètement dingues. Surtout sur Right Now et  sur leur reprise intégrale d’Exile on Main St des Stones. Et puis Spencer m’a influencé parce qu’à l’instar de musiciens comme les membres de Sonic Youth, ce mec est un passeur. Si tu t’intéresses à sa musique tu mets les pieds dans tout une scène et une histoire de la musique américaine. Tu découvres des groupes comme Honeymoon Killers, Cheater Slicks, Oblivians, Gories, des labels comme In The Red, Crypt, Goner et après via Fat Possum tu tombes sur les derniers bluesmen du delta et tu repars en arrière dans le temps.

Dans les premiers temps de FOL je voulais me rapprocher du son de Pussy Galore, de Doo Rag mais pas seulement. Je voulais aussi le côté dur, sec et froid de la No Wave. Suicide, DNA. Le tout mélangé avec la spontanéité, la naïveté et l’amateurisme des Shaggs et des premiers Slits. Tu remarqueras que tous ces groupes sont connus aussi pour leur son lo-fi.  Et surtout j’étais dans un format anti chanson. À l’opposé de mon travail aujourd’hui.

Dans l’insert de l’album La Peur est une illusion, tu remercies Kurt Cobain. Sur votre page bandcamp, tu fais allusion à la date de sa mort en disant que ce fut le jour où le punk est mort. Tu dédicaces même ce disque aux années 90. Kurt Cobain et Nirvana font partie aussi de tes influences ? Pourtant ce n’est pas ce qui ressort en premier lieu dans ta musique.

C’est une histoire classique. Sans Nirvana je ne sais pas ce que je fouterais aujourd’hui. Je viens d’un petit coin isolé où l’accès à la culture underground est impossible.  Alors quand ces mecs sont devenus mondialement connu c’est quand même arrivé à mes petites oreilles de plouc. Je parlais de Spencer et de Sonic Youth en qualité de passeurs et bien pour Cobain c’est la même chose.  C’est lui qui m’a fait entrer dans la culture underground et depuis je n’en suis plus sorti. Donc je lui en suis reconnaissant.  C’est lui qui m’a aussi donné envie de faire de la musique et qui m’a fait sentir que j’en étais capable. Que je pouvais apprendre en autodidacte et composer mes propres chansons. Après si j’insiste autant sur lui et sur Micheal Jordan aussi c’est parce qu’ils représentent deux icônes incontournables de la jeunesse des 1990’s. La mienne.  A travers eux je vois l’histoire intime et collective d’une génération. Les premiers FOL ramenaient toujours aux frustrations de mon adolescence. Alors j’agitais toujours ces 2 figures devant moi. Comme des étendards…et des bouffons également.

Jordan’s Rules a apparemment été enregistré avec d’autres morceaux de Feeling needs mini recorder cassette (2005) lors d’une session où tu t’étais enfermé dans un appartement sans fenêtre, muni uniquement de ta guitare, d’une grosse caisse, d’une boîte à rythmes, d’un enregistreur mini cassette et d’une boite de kitekat. C’est vraiment comme ça que tu composais et enregistrais tes morceaux ?

Mais d’où sors-tu ce truc? La cassette Feelings need mini cassette recorder a effectivement été enregistrée sur dictaphone mais c’est tout. J’enregistrais là où je pouvais avec ce que je pouvais. J’empruntais des enregistreurs 4 pistes à des potes et le jour où j’ai pu m’acheter le miens ça a été le paradis sur terre. Dès que j’avais une idée j’en faisais un morceau. Je l’enregistrais et je ne revenais plus dessus. Il n’y avait pas de travail de composition. Tout était très direct.

Revenge et Le Seigneur sont deux inédits. Pourquoi les avoir sortis seulement aujourd’hui ?

J’en ai encore plein d’autres. J’ai pris ces deux-là parce que lorsque je faisais le track listing de la compile j’avais envie de les mettre. Je ne sais plus pourquoi ils ne sont pas sortis plus tôt.

Pour te suivre un peu, j’ai remarqué que tu attachais beaucoup d’attention aux artworks.  Comment t‘es venu le goût de tout faire tout seul ? Le D.I.Y est important chez The Feeling Of Love?

Oui je viens de là. Et les autres membres de Feeling of Love aussi. Avec Seb et Nafi on avait un graphzine appelé Do You Like Sushi? Un truc bien débile où on dessinait les dessins les plus cons, moches, méchants, désespérés et drôles possible. On a commencé à jouer dans des groupes et à faire ces graphzines au même moment. Ça allait de pair. Et les artistes qu’on aimait (et aime toujours) comme Daniel Johnston faisaient la même chose. Mêler musique et visuel c’est génial.  Et puis on faisait tout nous-même. Enregistrer, mixer, éditer nos cassettes ou cdr, faire les pochettes, les distribuer, faire les affiches de concerts. Parfois pour un même concert il y avait 6 affiches différentes. J’ai voulu garder ça. Contrôler les choses le plus possible. Je sais que j’ai mes limites en tant que graphiste. Il y a des gens mille fois plus talentueux que moi. Mais je n’ai pas envie d’expliquer ce que je veux, ce que je ressens à quelqu’un d’autre. Je dois le faire moi-même. Ça ne sera certainement pas parfait. Mais j’aurai fait de mon mieux.

Certains titres de La Peur est une illusion apparaissent comme des véritables performances dans le sens artistique du terme. Voyais-tu The Feeling Of Love plus comme un projet artistique que musical ?

Je voyais ça comme rien du tout… et encore aujourd’hui c’est pareil…. Je n’aime pas vraiment me poser ce genre de questions. Quoiqu’il en soit je sais que j’ai commencé ce projet au moment où je faisais mes études d’arts plastiques et que les thèmes et les images abordés dans mes textes étaient les mêmes que ceux abordés dans mes dessins ou installations. Les photos qui constituent la pochette de La Peur est une illusion viennent d’une performance vidéo que j’avais réalisée à cette époque. J’aime le mélange des genres. J’ai toujours aimé que des groupes de rock bossent avec des artistes et vice versa. Après oui, des morceaux comme Jordan’s rules, The girl dosent look like the other girls ou encore Red Panties qui n’est pas sur le disque mais que je jouais beaucoup en concert peuvent être plus considérés comme de la performance que des chansons de rock ça s’est sûre. Mais je ne me suis jamais posé la question. Je  partais du principe que le rock est un cri. Un geste, une action éphémère, face à un publique.  Et mes limites techniques en tant que musiciens autodidacte, seul sur scène, avec du matériel défectueux faisaient partie du processus.

Aujourd’hui que The Feeling Of Love semble être stabilisé, stylistiquement parlant, avec un vrai label derrière, quels regards portes-tu sur cette période ?

Je ne crois pas que The Feeling of Love soit stabilisé. Je ne suis pas quelqu’un de stable, je suis un éternel insatisfait. A chaque disque notre musique change. Et ça va continuer. Ou alors j’arrêterai.  Ça ne m’intéresse pas de réfléchir plus que ça sur cette période passée. Ce qui m’intéresse c’est maintenant. Tout ce que je peux te dire c’est que je me suis bien marré en ré écoutant certain vieux morceaux. Il y a des trucs vraiment immatures et drôles. C’est-ce que je voulais faire. Et puis on s’en fout. Qui ça peut bien intéresser? C’est juste des morceaux de rock. Rien de très important.

Merci à Guillaume, Médé et Florian

Filiamotsa: interview et chronique de "Sentier des Roches"

Dire qu’après l’interlude Filiamotsa Soufflant Rhodes, Filiamotsa fait un retour « à la normale », serait se tromper. Car après avoir revisité avec une certaine ingéniosité certains de ses morceaux accompagnés d’un clavier et d’une section de cuivres, le duo nancéen (violon / batterie) fait peau neuve pour nous surprendre encore un peu plus. Devenu trio avec l’arrivée du multi-instrumentiste Philippe (violon, clavier), Filiamotsa part comme à son habitude vers des horizons inexploités. Gagnant en amplitude et en richesse dans ses arrangements, les nouvelles compositions de Sentiers des Roches continuent de creuser le sillon noise-rock psychédélique proche du rock progressif. Sorte de rencontre improbable entre Arvo Pärt et King Crimson, Filiamotsa affine un peu plus à chaque fois un son unique.

La grande nouveauté de cette nouvelle mouture est l’arrivée du chant sur trois morceaux, introduisant pour l’occasion le groupe vers des sphères un peu plus « conventionnelles ». Quand il n’est pas en anglais lorsqu’il est confié à G.W Sok de The Ex, les paroles en français utilisent la métaphore pour mieux traiter des sujets délicats. Force est de constater que ce surplus d’inventivité sied plus qu’admirablement au trio nancéen et n’entame en rien à la puissance émotionnelle de leur musique. On se prend même à se demander pourquoi ils ne l’avaient pas fait plus tôt.

Autre moment fort de cet album, c’est la collaboration avec le très poétique Chapelier Fou. Placé judicieusement à la fin de Sentier des Roches comme on met trois petits points à la fin d’une phrase pour annoncer une suite, « La Porte de la Fontaine » prouve que Filiamotsa n’en a pas fini avec sa quête du morceau ultime et que l’avenir du groupe semble être marqué du sceau de la liberté artistique.

Filiamotsa arrive donc une nouvelle fois à se renouveler sans jamais tomber dans la surenchère et nous livre encore une fois un album audacieux et déjà inusable.

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© Charline Thiriet

INTERVIEW

Au départ, Filiamotsa est un duo violon/ batterie. Aujourd’hui, il y a eu l’arrivée d’un violoniste/claviériste. C’était un besoin ressenti depuis longtemps ou était-ce  une nécessité pour l’évolution du groupe?

Je pense que c'était une nécessité pour faire évoluer notre musique vers un son plus complet, plus large. Le duo, Émilie et moi, est la base énergétique et la ligne directrice. Philippe, le 3ème membre nous offre une ouverture vers énormément de possibilités. Filiamotsa c'est un son serré, magmatique dans lequel émerge des mélodies. C'était trop compliqué pour nous de réaliser notre idée à deux.

Maintenant que vous êtes trois, comment avez-vous fonctionné sur le plan de la composition des nouveaux morceaux de Sentier des Roches ? 

Sur Sentier des Roches, 2 titres ont été composés uniquement par Émilie et moi: So noise et La porte de la fontaine. Les 5 premiers titres ont été complètement créés avec Philippe qui a compris tout de suite où nous voulions amener notre musique. Beaucoup de rythmiques proviennent de ses mains, pour ce qui est des mélodies c'est plutôt Émilie qui les écrit. Je me charge de la batterie, du chant et de la production. Ce qui est important c'est que nous fonctionnons dans l'écoute; chaque membre du groupe amène un recul sur le jeu de l'autre.

"Les mots aiguillent la pensée alors que la musique nourrit l'émotion."

La grande différence entre Sentier des Roches et le reste de votre discographie, c’est l’arrivée du chant sur trois titres (Cerveaux de familles, 4QSO et Chiens Déguisés). Pourquoi l’avoir intégré dans votre musique déjà émotionnellement très riche ?

Le chant est une dynamique supplémentaire... Les mots aiguillent la pensée alors que la musique nourrit l'émotion. Nous ne nous sommes pas dit que nous allions faire un disque avec du chant. Il s'est imposé à la musique. Et bien sûr, chanter libère des émotions parfois cachées.

Les paroles de  Cerveaux de Familles et Chiens Déguisés sont assez hermétiques à la compréhension. Pouvez-vous nous en expliquer la teneur ?

Que l'on ne comprenne pas tout de suite la teneur exacte de ces textes est une bonne chose, pour moi la mélodie des mots est aussi importante que le fond, mais je ne sais pas si ce sont des paroles hermétiques. Notre premier concert avec cette nouvelle formule, qu'est le trio, a été joué dans une école à Nancy, devant des classes allant de la primaire à la terminale. A la fin du concert une enfant de 5ème est venue me demander si les paroles de Cerveaux de Familles parlaient bien d'inceste... Je le lui ai répondu: oui! C'est assez drôle le ressenti des enfants... Ils sont sans barrière, ils absorbent. Pour ce qui concerne Chien Déguisés, c'est un texte sur les gens qui amassent les choses de manière boulimique sans ce soucier de rien d'autre que d'eux même... Manger, manger, manger, acheter, acheter, acheter, amasser, amasser, amasser....

A l’écoute de vos derniers morceaux, on a l’impression que vous avez voulu aller vers des ambiances un peu plus atmosphériques, voire fantomatiques si l’on se réfère au titre Zittern.  Est-ce qu’une impression ou une évolution désirée ?

Nous avons toujours aimé la musique pour la matière qu'elle peut dégager, pour l'espace qu'elle peut créer et le vide qu'elle peut engendrer. Elle peut nous faire perdre le temps. « Zittern »  a été créée pour essayer de donner cette sensation. Nous nous dirigeons de plus en plus vers un son filaire qui peut être tour à tour vide ou surchargé, puissant ou inexistant. L'important est de tenir ses idées sur plusieurs minutes sans jamais qu'elles ne s'effondrent.

Vous donnez aussi l’impression que le groupe est sans cesse à la recherche de la meilleure formule à la fois scénique et discographique. Et que jouer votre musique est toujours un prétexte à aller voir ailleurs et explorer de nouveaux horizons. On en a eu déjà une belle représentation avec Filiamotsa Soufflant Rhodes qui vous a permis de relire vos morceaux en intégrant du rhodes et une section de cuivre.

Est-ce que le projet Filiamotsa Soufflant Rhodes a interagit d’une manière ou d’une autre sur l’écriture de Sentier des Roches?

Filiamotsa Soufflant Rhodes nous a montré que notre vision de la musique à deux était limitée par le technique de gestion des pédales. Ce que je veux dire c'est que le fait de jouer avec d'autres musiciens ouvrent le nombre de timbres, le nombre de changements harmoniques, bref, nourrit la musique. Si nous avions continué uniquement à deux, nous aurions tourné en rond. Donc oui, FMSR a été une ouverture d'esprit pour nous. Il y a même un thème que Youssef, le tromboniste de FMSR, a écrit qui a été repris pour l'album de Filiamotsa.  Les deux projets se nourrissent.

Sentier des Roches fait l’objet de deux belles collaborations. Comment en êtes-vous venus à collaborer avec G.W Sok de The EX et Chapelier Fou ?

Lors du premier concert de FMSR au festival Musique Action, G.W. Sok été présent. Il nous a donné un recueil contenant ses paroles de chanson traduites en Français pour nous remercier de notre concert. Nous avons donc décidé de lui proposer de faire un essai sur un titre... Il a accepté et « 4QSO » est né! Louis, Chapelier Fou, est un ami depuis longtemps. C'est tout naturellement que nous nous sommes rapprochés de lui pour fixer quelque chose ensemble sur un disque!

Votre musique a un style vraiment singulier, que l’on reconnaît tout de suite. Vous avez conscience d’avoir trouvé votre propre style et d’être unique dans votre genre ?

Euh.. non, pas vraiment notre recherche va être encore très très longue avant de trouver quelques chose d'aussi singulier et de tranché que des groupes comme les Liars, Swans, Can. Pour nous ce sont  des exemples de groupes singuliers qui savent ou ils vont quand ils font quelque chose.

J’ai déjà posé cette question au groupe La Terre Tremble !!!, mais j’aimerais avoir votre avis sur le fait que, parfois, on hésite à vous cataloguer comme groupe indie/noise que Yann Debailleux décrit dans son documentaire Etat Des Lieux. Comment vous situez-vous par rapport à tous ces groupes ?

Nous ne nous situons pas vraiment et je ne sais pas trop si c'est très bon pour la durée d'un groupe de se situer quelque part. Ça laisse le champ libre! Laissons les gens écouter et situer les groupes par eux-mêmes.

Comment vous êtes-vous retrouvés à sortir un Split EP avec le groupe Rennais Trunks ? Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur ce projet ?

Oui! C'est vraiment une surprise. Lorsque Les Disques de Plomb se sont positionnés pour défendre notre disque, ils avaient un projet de split, le troisième de leur série des Rosemary K's Diaries, avec Trunks et un autre groupe qui n'a pu finalement livrer les titres prévus. Nous avons donc hérité de cette opportunité! Nous n'avions jamais rencontré l'équipe de Trunks, mais ce split nous a permis d'envisager une tournée commune, qui s'est transformée en une bonne dizaine de dates entre est et ouest de la France, du 20 février au 2 mars. Nous avons hâte de les rencontrer enfin après de nombreux coups de fil et emails !

Vous avez tourné avec quelques figures du rock comme Steve Shelley, Kim Gordon et son projet Body/Head, Giant Sand, The Ex. Quel regard ont-ils porté sur votre musique ?

On ne sait jamais vraiment ce qu'ils pensent puisqu'ils restent souvent dans leurs loges pour se concentrer ou autre... A part Steve Shelley qui est resté dans le bar, le Rigoletto à Paris, pendant que nous jouions et qui nous a dit avoir passé un agréable moment, nous n'avons pas vraiment eu de retour de ces personnes.

Date de la tournée

Aline "Regarde le ciel"

C’est peu dire que l’on attendait de pied ferme le premier album d’Aline. Et passée la demie (pour ne pas dire le quart) déception de ne pas voir plus d’inédits dans ces douze titres qui composent Regarde Le Ciel, on peut d’ores et déjà dire, et sans se retenir, que l’on tient ici un album qui fera date dans l’histoire du rock français. N’en déplaise à quelques grincheux soucieux de critiquer tout ce qui marche, Aline surprend par l’excellence et s’inscrit dans l’intemporalité en jouant une pop ligne claire des plus classiques, et surtout indémodable, issue de l’Angleterre Thatchérienne de The Smiths, The Cure et The Wake. De plus, en ces temps de normalité, où l’on ne s’étonne plus de voir des groupes français chanter dans la langue de Morrissey, les membres d’Aline prouvent une fois de plus, comme avant eux Gamine, les Dogs et Les Freluquets, que la langue de Souchon ne rime pas qu’avec Je suis bidon mais peut aussi être celle du rock. À l’intemporalité de la musique, s’ajoute l’universalité des textes de Romain Guerret. Qui n’a jamais voulu crier haut et fort son bonheur d’être parents (Deux Hirondelles) et son amour aux copains (Les Copains) ? Qui n’a jamais traversé les moments difficiles pleurés dans Elle m’oubliera et Il faut partir ? Qui n’a jamais été ce looser magnifique caricaturé dans le funk blanc accrocheur qu’est Je bois et puis je danse ? Aline fait danser sur des paroles tristes sans s’appuyer sur son sort et parle à tout le monde. Aline enchaine les titres comme on fait défiler une vie. Ces gens du sud ont beau avoir dans le cœur le gris qu’ils n’ont pas dehors, ils n’en sont pas moins une Cure de jouvence pour le rock Français.

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INTERVIEW

-Regarde le Ciel vient tout juste de sortir. Comment le groupe Aline se sent-il alors que tout semble s’emballer à votre sujet ?

Ça va, on le prend bien merci ! Même si la promo est un exercice relativement nouveau pour nous et que tout ça fatigue un peu nous sommes très heureux mais aussi très surpris de l’accueil de l'album. Quand on sait d’où l'on vient et ce que l'on a traversé depuis quelques années c'est un peu miraculeux.

-L’Ep Je bois et puis je danse a très bien été accueilli, le titre éponyme a été élu single de l’année par MAGIC,  ça vous a soulagé d’un peu de pression quant à la sortie de l’album ?

Oui et non car « Je bois et puis je danse » est un titre pour le moins atypique dans le trackliste de l'album. Un exercice de style, de l'indie pop funkisante jouée par des blancs bec. On s'est demandé si les gens qui aimaient ce titre seraient capables d'apprécier le reste du disque. Après, le succès de ce titre et l'engouement qu'il a provoqué nous a aussi donné espoir. 

 

-Peut-on dire que Regarde Le Ciel est une revanche sur  les débuts difficiles connus avec Dondolo et Young Michelin ?

Non ce n'est pas une revanche, plutôt un continuum et une sorte d'aboutissement stylistique. J'ai réussi à attraper ce que je ne faisais qu’effleurer à l'époque de Dondolo. Je cherchais quelque chose sans jamais le trouver, je me perdais bien souvent  en chemin. Avec Aline, c'est arrivé comme ça, comme par magie, les choses se sont décoincées. Certainement parce que j'ai, mine de rien, beaucoup travaillé. Les choses n'arrivent jamais toutes seules comme ça. Maintenant si Aline a du succès, tant mieux, je pense que quelque part c'est mérité. « Le succès c'est d'aller d'échecs en échecs sans jamais perdre son enthousiasme » disait Churchill. 

-En lisant les premières chroniques et interviews, on avait l’impression que Young Michelin était le projet de Romain et depuis le changement de nom on voit que le groupe est devenu une entité  à part entière et non plus le projet autour d’une seule personne. Un groupe un peu smithien dans l’esprit, où Arnaud P. tiendrait le rôle de Johnny Marr et Romain G. celui de Morrissey. Comment cette transgression s’est-elle effectuée ?

En fait c'est moi qui ai créé Aline. C'est à la base un projet solo. Je n'arrive pas vraiment à composer avec d'autres personnes, j'ai du mal à partager le processus de création initiale. Il faut que j'établisse les bases tout seul dans mon coin, dans ma bulle. Après, comme pour Dondolo, j'ai fait appel aux copains pour jouer avec moi, mais dans Aline j'ai décidé, une fois la charte et le cahier des charges établis, de laisser de la place au groupe pour qu'il compose et apporte des idées. Je reste quand même en embuscade au cas où les choses dérapent ou s'éloignent trop de l'idée initiale. Je suis le gardien du temple mais pour l'instant cela se passe bien.

-Est-ce que la règle de départ qui était de ne pas utiliser plus de cinq instruments et faire des prises de voix en une fois est restée en vigueur pendant la composition de l’album ?

Ah oui presque, sauf pour les prises de voix. Je dois avouer que je n'ai pas tout fait en une prise. En plus, il a fallu refaire les voix des morceaux « historiques », alors les dés étaient un peu pipés dès notre entrée en studio. Ce fut le plus difficile d'ailleurs, retrouver l'émotion, l’interprétation, les sentiments qui se dégageaient de ma voix dans mes premières démo.

-Les débuts d’enregistrements avec Andy Chase semblent avoir été chaotiques. Pourquoi ? Vous suiviez sa carrière discographique avant de le rencontrer ?

Non ce ne fut pas du tout Chaotique, au contraire, tout s'est parfaitement déroulé avec Andy Chase à NY. Seulement nous, nous n'étions pas prêts à l'époque, pas assez de titres, pas beaucoup de temps pour travailler en amont, une semaine pour faire 7 titres et les mixer, avec la fatigue et l'étonnement permanent d'être en studio à NY, c'était chaud.

-Jean-Louis Pièrot (ex Valentin) a donc été en quelque sorte l’homme de la providence ? Qu’a t-il apporté à Aline ?

Oui, lui et les gens qui ont monté cette prod, par coup de cœur et passion. Avec Jean-Louis on partage le même amour de la pop anglaise, des arpèges de guitares, de cette fameuse ligne claire, des sons de synthé aériens. Pas besoin de se parler longtemps, nous sommes sur la même longueur d'onde. En plus, c'est quelqu'un de doux et diplomate, il sait faire passer ses idées sans qu'on s'en aperçoive. Sur l'album, il a joué toutes les parties de synthé et amené des idées de structures pour les morceaux un peu bancals. Il a vite compris la couleur, les couleurs qu'on aimait.

-La France a un lourd passé de chanson à textes. N’avez-vous pas peur d’être incompris ou de ne pas être pris au sérieux avec votre musique ? 

C'est le risque quand on fait de la pop en France et en français. La France et l’Angleterre sont des pays bien différents. Ici, tout est compliqué quand on fait de la pop, beaucoup de gens passent complètement à côté de ce qui fait l'essence de cette musique. L'apparente naïveté, la légèreté de surface, la simplicité supposée des textes. Ils ne comprennent pas qu’on n’écrit pas de la pop comme on écrit un roman, une nouvelle, ou une chanson à texte. Ce n'est pas du tout le même exercice. C'est beaucoup plus compliqué que ça ne paraît. C'est du boulot d'arriver à sonner simple et direct, de faire entrer les mots dans un format aussi archi balisé. La pop c'est un entre-deux, on navigue toujours entre deux eaux. Les gens de chez Télérama, pour ne citer qu'eux, n'ont par exemple absolument rien compris à ce qu'on faisait. Ils chroniquent et dissèquent l'album en le rangeant dans la catégorie « Chanson française » déjà, à la base, ça veut tout dire...La grille de lecture n'est pas du tout la même, ils ne le savent pas.

-Une vague de groupe français semble percer ces derniers temps (Robi, Pendentif, Granville, Lescop, Cracboom…), comment est-ce que vous vous placez parmi eux ?

Au sud ! Nous partageons tous les mêmes influences mais nous en faisons tous quelque chose de singulier, de différent. Nous sommes plus gris que Pendentifs ou Granville mais moins sombre que Lescop ou Robi. Tout en nuances.

-Avez-vous l’impression d’appartenir à une scène naissante de groupes français décomplexés comme on entend parfois dire ?

Par la force des choses oui, bon après il ne faut pas s’arrêter à ça, on trace notre route sans vraiment s'occuper de ce qui se passe autour de nous même si il y a des gens avec qui on a sympathisé un peu, le jeu des « nouvelles scènes » ça finit mal en général...

-Dans votre musique, on ressent, et ce depuis Young Michelin, une influence venue des groupes anglais comme Orange Juice, Aztec Camera…  Comment est venu cet amour pour cette pop dite « ligne claire » ?

On parle de ligne claire à notre sujet, avec raison d'ailleurs, mais nous aimons aussi beaucoup les fuzz et les distos cradingues. J'ai aussi beaucoup écouté, Les Pastels, Jesus & Mary Chain, le Velvet Underground, les Buzzcocks, les Vaselines...Il faut que ça reste sensible et fragile même quand c'est sale. Ce que j'aime avec la « ligne claire » c'est que tu dois jouer tout en tension, comme tu n'as pas un gros son derrière tu es frustré et tu grattes ta guitare comme un damné pour compenser le manque de chevaux dans le moteur. Ça donne quelque chose de très spécial, tout en retenue, en suspension nerveuse. Un de mes guitaristes favoris c'est Robert Smiths (j'aime beaucoup son style néo surf). Surtout au tout début. Le son aigrelet, le chorus pour épaissir et arrondir les angles mais pas trop,  c'est hargneux, tout se passe dans l'avant-bras.

-Du coup, en jouant cette pop « classique », vous cherchez un peu à être intemporels avec votre musique ?

Exactement. On ne cherche pas à révolutionner le monde de la musique. Enfin par pour l'instant. On verra après. Pour l'instant on veut écrire de belles pop songs qui font pleurer et danser.

Peut-on dire qu’Aline fait danser avec des paroles tristes ?

C'est le but ultime de n'importe quelle pop songs  digne de ce nom je pense. Ça vaut aussi pour les chansons de variété.

-Est-ce que les thèmes universels chantés dans le disque comme la rupture, le looser magnifique, la paternité, sont au départ des choses vécues ? Quel est la part autobiographique dans les paroles d’Aline ?

Tout est vécu, tout est expérimenté, ces chansons ne parlent que de moi, elles parlent donc de tout le monde. J'aimerais qu'elles parlent à tous ceux qui vont bien et qui ont été mal un jour, et à tous ceux qui vont mal et qui espèrent aller mieux un jour.

-Est-ce que la suite discographique d’Aline va arriver très vite ou allez-vous prendre votre temps pour vous consacrer à d’autres projets comme celui d’Alex Rossi ?

Pour l'instant, y'a pas mal de trucs au fond de nos ordinateurs, pas le temps de finaliser pour le moment mais ça viendra. Là je me sens hyper frustré, j'ai comme une grosse envie de composer, quand je vais m'y remettre ça va faire mal !;)

Depuis un an et l'enregistrement de l'album nous avons fait plein de choses annexes à la musique, concerts, boulots à côté, puis la promo mais nous avons eu le temps de composer deux belles chansons pour notre pote Alex Rossi ( 45t qui sort sur Born Bad records début février). Il chante ses textes en italien, c'est très pop, Italo, pop, lumineux et triste, mélodique et nostalgique. C'est très beau. On est aussi sur d'autres projets très intéressants mais je ne peux pas en dire plus car rien n'est fait encore.

-Ecrire pour les autres c’est quelque chose que vous aimeriez faire à l’avenir ?

Oui écrire et composer. Mais le faire à ma sauce.

 

Alone With King Kong / S8N "Both Sides Of The Record "

Certains grands disques naissent par hasard, grâce à une rencontre entre des points communs exprimés. Both Sides Of The Record est de ceux-là. Imaginé dans les cerveaux de deux entités fortes du label Chez Kito Kat Records, cette dernière sortie du label messin est l’œuvre de Thomas Rocton, alias Alone With King Kong et Florian Shall, alias S8N (lire en anglais et comprendre Satan), activiste de la scène musicale messine présent dans des groupes aussi différents que Dead For A Minute et Twin Pricks.

Pour les deux artistes Both Sides Of The Records marque une étape dans la vie artistique de chacun. L’un est arrivé au bout d’un processus ( Alone With King Kong),  l’autre commence et dévoile une nouvelle facette de sa vie de musicien, S8N. D’emblée, un sentiment aigu et étrange de voir partir quelque chose que l’on aime et de découvrir une autre que l’on aimera à coup sûr, plane sur ce disque avant même de l’avoir écouté. Ici, Alone With King Kong ne fait que confirmer son songwriting d’exception, tandis que de S8N le révèle en solitaire sans son comparse Dr Geo de Twin Pricks. Une complémentarité nait à l’écoute de ces douze instants inattendus. A chaque nouveau morceau, AWKK semble faire mentir le titre de son second  album (The Hardest Step) tant l’écriture et les arrangements semblent faciles pour lui.  S8N, lui, chante comme personne une pop folk  hésitant à aller entre épures et éclats de rages.  Tous les deux livrent une musique à tiroirs avec des références plus ou moins masquées et peu contestables, dont eux seuls peuvent en dévoiler le secret.  Mais on peut avancer s’en se tromper,  que leurs deux regards se tournent vers l’indie rock américain. Plus précisément, vers le regretté Elliott Smith et ses obsessions beatlesiennes pour AWKK, et vers la scène Midwestern emo avec des groupes comme Cap’n Jazz ou The Get Up Kids pour S8N.

 Mais c’est surtout un amour commun pour la musique bien faite qui transpire dans ce disque. Une même poésie, une même sincérité et des moments forts et  identiques de part et d’autre de chaque face du disque. Un album d’une élégance rare et d’une unicité à mille lieux de la définition même d’un split.

 
Artwork by Pierre "Mad" Maciejewski

De la complicité entre Tom (Alone With King Kong) et Florian (S8N), Ground Control To Major Tom a voulu en savoir un peu plus. D’où l’idée de cette interview croisée qui permet aux deux protagonistes de se poser les questions qu’ils n’ont pas osé se poser lors de l’écriture et l’enregistrement de Both Sides Of The Records. Entre ressentiments sur l’évolution d’une carrière, révélations sur la création de leurs œuvres respectives et leurs rapports à elles, Tom et Florian racontent tout avec leurs propres mots et questionnements.

S8N : Salut Tom. Je sais que tu t'impliques émotionnellement et physiquement dans chaque disque que tu sors. Je voudrais donc que tu me parles de la conception de celui-ci, et en quoi ce split se démarque de tes précédentes réalisations (tant dans l'histoire personnelle que tu entretiens avec ces morceaux que dans sa fabrication).

AWKK : J’ai un ressenti très étrange par rapport à ce disque. J'étais parti dans l'idée de faire exactement l'opposé de The Hardest Step, et de Three Hats. Je voulais casser des habitudes qui commençaient sérieusement à ressembler à des tics d'écriture. Je me suis interdit certains instruments, le doublage de la voix ... J'avais dans l'idée un truc plus brut, plus à vif. Ca correspondait aussi à mon état du moment. The Hardest Step avait sonné le glas d'un paquet d'illusions, j'en étais venu à le détester. Je voulais aussi faire tout seul. Plus envie de gérer le planning et le jeu d'autres musiciens. Je n'étais plus en état de porter tout ça. J'ai maquetté pendant six mois. Le même morceau. J'ai tout détruit. J'étais sec. C'est d'ailleurs un peu pour ça que je t'ai parlé de l'idée d'un split, en me disant qu'une deadline et une sorte d'émulation me pousseraient un peu aux fesses. Ça n'était bien sûr pas la raison principale mais ça a joué. Je suis arrivé en studio avec un titre véritablement terminé, le reste à l'état de squelette, la trouille au bide que rien ne fonctionne, mais fallait y aller.
Maintenant qu'il est sorti, je n'ai toujours pas de recul sur ce que j'ai fait, pas d'évaluation du travail. C'est un peu comme si ce n'était pas moi qui l'avait écrit et enregistré. C'est à la fois le disque le plus "à cœur ouvert" et le plus extérieur.

AWKK : Ca fait finalement quelques années que tu écris des morceaux plus personnels (une version d’After the bomb figurait sur la compil Kito Sound #2 sous le pseudo de Trippy Eden). Outre le fait que certains ont dû te tanner pour que tu t'y mettes, quelles sont les raisons qui t'ont fait franchir le pas et d'assumer un disque seul ?

S8N : Il m'est assez difficile de répondre à cette question dans le détail. Je crois que je n'étais juste pas très à l'aise avec le fait de jouer tout seul avant de sortir ce disque (je le suis toujours pas, mais ceci est une autre histoire). J'ai toujours fait le con avec les copains. Je n’ai jamais connu autre chose que ça. Les morceaux que je composais seul dans ma chambre ou dans ma tête finissaient toujours par être joué avec ou par d'autres. Là, je ne sais pas. Je me suis dit qu'il était temps d'affronter un nouveau challenge. De passer une nouvelle étape dans ma vie d'artisan. Un truc que j'avais encore jamais fait et auquel il fallait que je me frotte. Y'a aussi les gens qui m'accompagnent et qui ont grandement contribué à ce que je me décide. Je pense notamment à Jennie, Geo, Sam, Julien et toi.

S8N : Toi et moi, on a cette même inclinaison à la référence et/ou l'hommage. On truffe nos textes et nos musiques de clins d'yeux (discrets ou plus voyants) à des artistes que l'on apprécie. Je souhaiterais donc que tu me décortiques un peu le chapelet des références qui constituent ta partie de ce disque (parce que bon, quand je lis If Only, je pense forcément au Sound Of White Noise d'ANTHRAX, et sachant que tu en es un grand fan, ça m'a mis la puce à l'oreille).

AWKK : Ah ah... c'est vrai que j'ai souvent fait le coup du clin d'œil. If Only effectivement pour Anthrax, bien vu. Sur If Only, côté clin d'œil appuyé, y'a carrément le sample du "I've been down child" de Dr Geo. Ca n'était ni prévu ni voulu, mais la grille du refrain me faisait violemment penser à quelque chose... quand j'ai trouvé, je me suis dit "autant y aller à fond". On est tous plus ou moins des recycleurs après tout. Sur Private Jokers, le clin d'œil est plus personnel, mais " t'es le caïd dans ton bled mais ici t'es personne" est la première phrase qu'on m'a sorti quand je suis allé prendre des cours d'instrument ailleurs que dans mon conservatoire. Je n'ai pas réalisé à quel point c'était juste avant que ça ne s'intègre naturellement au texte. Try/Fail n'avait pas de titre définitif avant d'être terminée à L'Usine. Je voulais en faire un truc un peu Elliottsmithien (suffit de l'écouter pour voir à quel point j'ai merdé) du coup j'ai pensé au slash de Either/Or. She dans la musique est une double référence à deux titres qui me hantent, "Via Chicago" de Wilco et "The Weakest Part" de Yo La Tengo, j'en dirais pas plus sous peine de dévoiler à quel point je ne suis qu'un mauvais faussaire.

AWKK : Une question que je n'oserais pas te poser de visu peut-être, sachant que justement c'était ta première galette rien qu'à toi, pourquoi avoir accepté l'idée du split ?

S8N : J'aime l'idée de la collaboration. Je viens d'une scène où ce principe est au centre de tout ce que l'on fait. Le Do It Yourself, et donc par extension le Do It Together. C'est comme ça qu'on développe un réseau. En sortant nos disques nous-mêmes mais en faisant aussi participer les gens que tu aimes et dont tu apprécies la démarche. Puis c'est surtout un truc de potes, ce disque. Un contexte. On s'est retrouvé tous les deux à discuter de ça un soir, je m'en souviens très bien. On avait peut-être bu, certes. Mais l'idée était là. Lancée. Evidente. Ma partie n'a pas de saveur sans la tienne. Elle a été pensée pour être un complément.

S8N : Quelles sont tes attentes par rapport à ce disque ?

AWKK : J’attendais une chose de Three Hats On One Head, me prouver que j'étais capable techniquement de réaliser un disque. Un challenge très ludique. J'attendais inconsciemment beaucoup trop de The Hardest Step. Ça m'a coûté très cher personnellement. Je n'attends plus rien. Avoir réussi à terminer ma face du split tient déjà du miracle. Que deux personnes ou deux cent l'écoute, l'achète, l'aime, le déteste, ce n'est pas vraiment un souci. On fait de la musique pour soi, le reste n'est que du bonus.

AWKK : A la première écoute de ta face, j'ai été frappé par le côté stylistiquement assez proche de Twin Pricks. Je pensais pourtant que c'était Geo qui tenait la barre côté musique. Du coup ça m'amène à ta manière d'écrire. T'as une ligne directrice ? Une méthode ? Ça vient tout seul ? T'en baves ? Single Malt ? Psychotropes ? Tofu en saucisse ?

S8N : Je ne sais pas. Ça se passe généralement comme ça : je prends ma guitare et je joue, quand j'ai cinq minutes et une idée dans la tête. Si l'idée me plaît, je vais la faire traîner pendant un mois ou deux, à raison de cinq minutes par ci, dix minutes par là. Avec un peu de chance, cette idée deviendra un morceau à peu près correct avec des textes qui n'auront rien à voir et qui auront été écrits en dernier sans que je sache trop de quoi ils parlent sur le moment. Je ne sais pas si c'est une méthode, et j'aimerais bien pouvoir écrire du tube à la pelle, mais c'est un mode de fonctionnement qui me satisfait assez pour le moment. C'est comme ça que je bosse pour le prochain et j'en ai déjà écrit la moitié. Tranquille le pépère.

S8N : Le doute fait clairement partie de ton univers. Tes textes tantôt désabusés, tantôt irradiés d'optimisme. Ta musique, toujours sur le fil et en constante redéfinition. Il me semble, pour en avoir discuté avec toi, que tu as le sentiment d'être arrivé au bout de quelque chose. Un cycle. De ce fait, pourrais-tu me parler de tes projets musicaux à venir et de ce que le futur a à te réserver (même si je sais que tu n'es pas médium, je suis sûr en revanche que tu as déjà une petite idée de "the shape of Kong to come") ?

AWKK : Sans faire le bluesman que je ne suis pas, j'ai le sentiment d'être à la croisée des chemins. Je ne suis pas sûr que King Kong en tant que projet musical ait encore des choses à dire. Je ne suis pas sûr non plus d'avoir encore la force de porter un truc aussi intense tout seul. J'ai besoin d'une pause. Définitive ou pas, j'en sais rien, je change d'avis tous les jours. Le doute hein ... Je viens de rejoindre l'équipe de Manuel Etienne pour son prochain disque. Jouer pour quelqu'un c'est ce que j'ai toujours voulu faire sans jamais en avoir eu l'occasion. Ça se présente bien, Manu est un putain de songwriter...
J'ai refait des arrangements pour Rich Deluxe et Misophone, c'est aussi un immense pied. Je me sens nettement plus à ma place, voire plus pertinent quand je me mets au service que quand je construis tout de A à Z. Après je sais très bien que je ne pourrais pas me retenir de continuer à bricoler des trucs dans mon coin, mais de là à dire qu’ils sortiront...

AWKK : C'est peu de le dire, mais tu as des goûts musicaux plus qu'éclectiques. Comparé à moi qui suis une véritable éponge, ça ne transparait pas tant que ça dans ta musique. C'est conscient, tu laisses sciemment des idées de côté ? Tu te censures ? Ce que tu fais reflète simplement un penchant naturel, une affection particulière pour un style ? Ou c'est juste pour vendre des millions de disques (ça m'arrangerait, y'a aussi le miens dedans ... )

S8N : Je laisse sciemment mon amour pour Phil Collins et Katy Perry de côté, si c'est ça que tu veux savoir ! (je plaisante, hein... Phil et Katy font partie intégrante de mon patrimoine génétique)
C'est une excellente question que je me suis souvent posé et à laquelle je n'ai aucune réponse à apporter. Pour ça que j'aime bien avoir des retours sur la musique que je fais (en groupe ou seul). Pas pour qu'on me dise "ouah c'est génial ce que tu fais", mais plutôt parce que je m'intéresse à la perception qu'en ont les gens. Je prends un exemple qui n'a rien à voir avec S8N. Lors de la dernière session d'enregistrement du prochain Twin Pricks, Fab (Pilard, notre ingé son) nous a dit qu'il trouvait qu'un de nos morceaux sonnait vachement comme du TV On The Radio. Voilà, c'est ce genre de choses que j'aime bien savoir. Je ne sais pas si je suis clair, hé hé. Bref. Plus généralement, je crois que je compose sans trop réfléchir. Un peu comme j'écris. Je prends la guitare et je vois ce qu'il sort de ma tête et de mes doigts.
Après, c'est vrai qu'au niveau du style, je compose aussi surtout en fonction de mes limites. Je suis pas un très bon guitariste (je me défends mieux au chant), je n’arrive pas à jouer en picking par exemple, donc je favorise plutôt les accords (pas trop compliqués, faut pas déconner), et ça donne ce que ça donne. Ceci dit, j'aimerais bien revenir à des trucs plus violents aussi. Pouvoir hurler et faire saigner ma guitare. Ou faire du r'n'b ou du death. Y'a tellement de musiques que j'aimerais jouer... Mais je n’ai pas le temps, donc je me concentre sur le genre à la fois le plus simple et le plus difficile à maitriser : la pop music.

S8N : J'aimerais que tu me donnes 5 bonnes raisons pour quitter Metz, mais aussi 5 bonnes raisons pour y rester.

AWKK : Je n'ai aucune raison de quitter Metz. Je suis venu par hasard, et franchement je suis verni. Alors oui, les gens qui ont grandi ici trouveraient dix mille raisons de se casser, aujourd'hui je n'en vois pas. Les raisons de rester sont assez nombreuses :

-1. L'orchestre, mon job. Je ne pouvais pas espérer mieux.
-2. Le climat. Je déteste la chaleur
-3. Mon semblant de vie sociale. Après des années d'intermittence sans attaches (même si ça commence à dater) ça serait trop compliqué à reconstruire
-4. La Face Cachée
-5. Les dürüm de l'Anatolie

AWKK : Bon, ça y est t'as un disque à toi, deux belles guitares, des pédales de professionnel trouvées sous le sapin, une date à la Chapelle de Trinitaires, il va être temps d'arrêter de s'excuser constamment en concert non ?

S8N : Je te promets que je ne te ferai pas honte le 23 janvier (comment tu sais pour les pédales ? C'est toi le Père Noël ???)

Alone With King Kong / S8N

 Chez Kito Kat

La Terre Tremble !!! Chronique et Interview

Enfermés dans des automatismes et un confort agréable qui ne poussent pas vraiment au renouvellement artistique, La Terre Tremble !!! a dû tout réapprendre après leur troisième album appelé très justement Travail. Un certain flou artistique s’était installé dans le processus créatif d’un groupe en perpétuel recherche de nouveauté. Son salut, La Terre Tremble !!!, l’a trouvé dans son quatrième album intitulé Salvage Blues. Le groupe a avancé par tâtonnement en gardant ce qui allait donner une nouvelle couleur au groupe et rejeter tout ce qui avait déjà été fait. La peur de la redite est un des vecteurs principaux qui fait que le trio est aujourd’hui l’un des groupes le plus inclassable dans les paysages sonores français.

Titre énigmatique pour un album qui n’en est pas moins, Salvage Blues va, à la différence de Brouillon, Trompe L’œil et Travail vers une simplicité et une fluidité jusqu’alors inconnu chez La Terre Tremble !!!. Parmi les choses nouvelles rencontrées dans Salvage Blues, il y a aussi cette importance donnée au chant. « On s'est vite mis à composer "avec" le chant ». Salvage Blues sent le soufre d’un volcan en fusion quand il ne coule pas vers une limpidité discordante. C’est l’eau et le feu, la tradition et l’innovation, le gris et l’explosion des couleurs, soit « des couches et des couches de contradictions ».

Pour comprendre le pourquoi du comment de cet incroyable et déroutant  album, Ground Control To Major Tom a posé quelques questions à La Terre Tremble !!!.

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INTERVIEW

- Qu’avez-vous fait depuis la sortie de Travail ? Il me semble que vous avez offert vos services à Eric Pasquereau pour son projet The Patriotic Sunday ?

Paul : Travail, c'était il y a déjà trois ans, ça peut paraître long pour sortir un nouvel album! Tout d'abord nous avons pas mal tourné, surtout en France. Pour un groupe qui n'avait pas initialement dans l'idée de faire régulièrement des concerts, c'était déjà un exploit pour nous! Puis quand il fallut se poser pour commencer à réfléchir à la suite, les choses sont devenues plus sinueuses. Nous sommes des lents. Pour rien au monde nous envisagerions La Terre Tremble!!! comme un truc évident qu'on doit faire rouler continuellement et mécaniquement. J'ai tendance à penser qu'il n'y a rien d'évident à ce que plusieurs personnes se regroupent autour d'un projet commun. Tout ça est très fragile. C'est un peu comme dans une famille ou un couple! Il nous a fallu du temps pour perdre certains automatismes - qu'ils soient artistiques, techniques, voire même humains - acquis au fil des tournées après la sortie de Travail. Ca peut paraître bizarre, mais pour monter sur scène - ce qui en soit n'a rien de naturel, d'évident et d'agréable - tu en viens vite, petit à petit, à devoir prendre des repères, donc des habitudes, donc un certain confort, donc des automatismes. Et ces automatismes sont très longs et couteux à détruire pour pouvoir repartir sur du neuf. On a entammé la composition de Salvage Blues comme paralysés par ces automatismes, ces rôles qu'on s'était chacun imposé inconsciemment. Le confort t'empêche de voir ce qu'il se passe autour de toi et donc de trouver ta voix. Après, ce sont des périodes qu'il faut savoir accepter. Il n'y a que le temps qui puisse remédier à ça. C'est très cyclique, parfois tu n'es juste pas près à saisir les idées qui t'entourent. Et là est effectivement arrivé Eric, comme par miracle, avec dans l'idée qu'on fasse un bout de chemin dans The Patriotic Sunday, ce qui nous a pas mal occupé. 

- Cette expérience a-t elle joué sur l’écriture de Salvage Blues ?

Pas directement. Jouer avec The Patriotic Sunday a été un appel d'air nécessaire pour nous trois. Quand Eric nous a proposé de le rejoindre, et simplement voir si quelque chose allait se passer entre nous quatre, on était justement dans cette période où il valait mieux laisser La Terre Tremble!!! de côté, car c'était le flou total! Donc ça tombait parfaitement. Et très vite, ce nouveau groupe nous a permis de creuser des sillons qui nous démangeaient depuis longtemps, mais qui n'avaient pas été envisagés aussi franchement jusqu'alors dans LaTT!!!. Je parle là d'un certain classicisme rock, d'un songwriting purement "fin 60's / début 70's" qui est ancré en nous. La composition avec Eric a donc été l'exutoire parfait. Après, s'il faut être honnête, c'est à l'enregistrement du disque qu'on a senti que le projet n'était évidement pas le notre, et qu'au final, nous ne serions que le "backing-band" d'Eric, et c'est très certainement la meilleure chose qu'on avait à faire, car nos idées différaient forcément des siennes. Il fallait être au service de son songwriting, tout en imposant notre patte, sans dénaturer le coeur de ses chansons. C'est quand-même un sacré grand-écart pour nous, et ce serait mentir de dire que ça n'a pas engendré une légère frustration. Mais du coup, cette frustration, on s'en est servi de manière très offensive et ultra positive quand on a repris la composition de Salvage Blues quelques semaines après. Et j'ai l'impression que quleque-chose s'est débloqué à ce moment-là.

- J’ai lu que vous aviez couvé Salvage Blues « dans la jubilation, la douleur, l’extase, la paresse, la joie violente, le conflit, voire l’amour ». Dans quel état d’esprit avez-vous composé ce troisième album ? C’est un album qui a été difficile à écrire ?

J'aimerais tellement ne pas avoir cette posture romantique et ridicule qui consisterait à dire que la création ne peut être que tortueuse et complexe. Mais pourtant, ça a été le cas ! C'est très étrange parce qu'à chaque album, on se dit que c'est celui-ci qui sera le plus spontané, le plus rentre-dedans, le plus organique, le plus simple, le moins "de la tête"… et c'est justement tout ça qui est le plus dur à réaliser... et qui nous cause migraines et maux de bides ! Ce qu'on avait envie d'atteindre avec ce disque, c'était une espèce de laisser-aller, une musique à la fois monolithique et débordante. Mais nous n'avons pas de plan, ni de méthode, ni de parfaite technique instrumentale, nous pouvons passer des mois à avoir beaucoup d'idées vagues, quelques idées précises qui tiennent probablement de la lubie, et ne pas savoir par quel bout s'y prendre. De la composition au mixage en passant par l'enregistrement, on s'est surpris a avoir des états de colères monumentales, très drôles quand on y repense aujourd'hui! Il y avait ce mélange de cris et de rires, avec des moments de "rien" absolu, de pure idiotie. Mais on préférera toujours l'état de violence et de confrontation au consensus mou.

Notre boulot a donc été de trouver l'effort à faire, la petite impulsion forcée, qui nous mènerait à ce laisser-aller. Comme quand Alain Resnais dit que son boulot de metteur-en-scène n'est d'être que le "superviseur des catastrophes". En gros, tu installes quelque chose de solides, et au bout d'un moment, cette base s'effondre, une couleur se dégage de tout ça, et la musique vient d'elle-même, si je puis dire.

- Avez-vous l’impression que votre manière d’écrire a changé depuis «Brouillon » ou « Trompe L’œil » ? De quelle manière ?

En fait on n'a jamais eu de "manière" d'écrire. Plutôt une tendance boulimique à vouloir tout faire, tout englober, et même tout contrôler. Brouillon et Trompe L'Oeil, ce sont pour nous des albums très difficiles à réécouter, parce qu'on s'y entend chercher quelque chose. Je dirais même qu'on s'y entend écrire nos morceaux. Je mettrais aussi Travail dans le même lot, même s'il a plus de fond, et que pour le coup, cet apprentissage, cette quête devient presque le thème de l'album. Une quête de nous-même au travers de l'enregistrement d'un disque, c'est forcément très égoïste. Je crois que c'est William Burroughs qui disait "si c'est expérimental, c'est que c'est raté"! Et pourtant, on pensait vraiment faire des chansons pop à l'époque, on a beaucoup fantasmé sur les périodes de boulimies expérimentatrices des McCartney, Lennon, Brian Wilson... Mais leur talent à eux c'était justement d'arriver à faire oublier qu'ils étaient en train d'essayer des choses. Pour Salvage Blues, des limites se sont imposées d'elles-même : on aurait pu continuer à accentuer le côté lunatique de notre musique, mais ce serait devenu une recette. Donc le langage s'est épuré tout seul. On s'est laissé aller à des impulsions mélodiques, rythmiques ou purement sonores trouvées sur le tas, le chant a pris de l'importance, et on s'est vite mis à composer "avec" le chant. Avant, la voix n'était qu'un ornement que l'on posait sur une grille musicale.

- Lors d’une interview récente, Paul disait en parlant de la couleur Salvage Blues, qu’il y avait dans celui-ci une part de monstruosité. Pouvez-vous nous en dire un peu plus ?

Benoît : La platitude, le manque de reliefs, le lissage, le polissage même sont de nature monstrueuse, puisque la monstruosité naît de contrastes par rapport à une note dominante.

Je penses que cette part de monstruosité dont parle Paul, était une manière d'évoquer - de façon un peu biaisée - le fait que l'on ne peut pas évincer complétement des parts de nous-même qui sont démesurées, parce que primitives, et donc en dehors du contrôle de la raison qui donne son aval pour décider ce qui est beau, normal, acceptable ...ou à l'opposé, terrifiant, dégoutant, inapproprié...

C'est une question de placement, de points de vues, au pluriel car mouvants et changeants selon les contextes et les humeurs...

Mais au coeur de La Terre Tremble!!! résident des énergies humaines parfois difficilement assimilables ou accordables immediatement. Quelque part, ce que nous sommes - des amis, des musiciens?!!, et ce que nous faisons ensemble - juste de la musique?!! - nous échappe complètement. Et nous devons laisser se dérouler certaines choses, quasi passivement, pour assister à des phénomènes humains et musicaux qui peuvent nous laisser perplexes, désorientés, voire nous laisser dans la merde et le flou total...

C'est un travail "monstre" que de laisser apparaitre et s'echapper des parts de nous inconnues, pour les proposer et les faire accepter aux deux autres, pour composer ensemble.

C'est la démarche "inconsciente" de Salvage Blues, celle qui nous échappe et qui pourtant nous parait évidente comparée à Travail, que de s'être autorisés une telle gestation. Comme on descendrait un fleuve sinueux, en ne sachant pas si l'embouchure est un delta viable ou un marais puant! Il a fallu se faire confiance, donc violence...

Sur notre précédent album, l'enregistrement et le mixage se sont déroulés sous l'égide d'un temps imparti et restreint, dans un lieu inconnu, ce qui nous a peut-être rétrospectivement rendu timides et un peu trop polis envers nous-mêmes et la musique que nous essayions de produire alors.

Toujours inconsciemment, nous avons cette fois voulu un lieu plus rassurant, une sorte de "foyer" avec des gens que nous côtoyons plus fréquemment, à savoir Chaudelande, un studio bricolé par des amis dans le Cotentin. C'était pour avoir ce temps nécessaire pour tâtonner et laisser un peu les choses se faire à leur guise. Ce qui fût parfois dur pour tout le monde, mais nous avions ce mélange de trouille au ventre et de phases d'excitations qui fait que peu à peu les choses se mettent en place, donnent leur sens. 

- Par rapport à Travail, une certaine simplicité se dégage dans l’instrumentation de Salvage Blues ?

Si c'est une question, nous répondrons oui ! Si ça n'en est pas une, nous prendrons cela comme un compliment, puisque que simplicité rime pour nous avec une sorte de fluidité que nous avons recherché progressivement. Depuis nos premiers enregistrements, nous tendons petit à petit vers cette simplicité. Mais on sent qu'avec les 3 premiers disques, on a clos quelque-chose qui restait pourtant comme en devenir, pas encore prêt a revêtir une autre forme... 

Effectivement, nos chansons avaient parfois un côté plus complexe, des arrangements plus fourmillants, un côté désarticulé, avec des césures assez nettes faisant un peu office de court-circuits, des sautes d'humeurs. Mais il nous a semblé que sur certains titres, la part belle aux plages instrumentales tortueuses que nous cassions délibérément était peut être bien une construction par défaut, plus qu'une réelle idée ou un réel parti pris.

Sur Salvage Blues, la place laissée au chant de Paul est venue soustraire naturellement certaines recettes dans lesquels nous ne voulions pas retomber - bon, nous allons en recréer d'autres mais elles auront l'avantage d'être fraîches ! Mais il nous a fallu trois albums et nombres d'heures d'égarement pour oser un peu plus ce qui finalement s'imposait de lui-même, à savoir que dans "chansons" la racine est le chant.

- Et pourtant Salvage Blues semble être encore un album à tiroirs, multidirectionnels ? 

Paul : Là, on risque de passer pour des gens bien contradictoires, parce qu'on a beau te vanter les vertues de la simplicité, de la fluidité... alors qu'un groupe "fluide", sur le papier ça a tout pour nous emmerder. Composer une chanson ou un disque, c'est comme une suite d'équations à résoudre, du genre "si je suis cette voie, j'arrive à un noeud, ok, comment je me sors de ça?"... Mais le plus intéressant, c'est quand tu t'en sors en te surprenant toi-même, en trouvant des perspectives dont tu ne t'imaginais même pas capable ! Mais ça, ça naît par exemple d'une erreur ou d'un accident.

Je sais pas si on peut parler de multi-directions, mais en tout cas, jouer de la musique - c'est forcément jouer avec le temps. Et on a du mal à envisager le temps de manière chronologique, il ne s'écoule pas dans une seule direction... Avec la musique on peut se permettre de compresser le temps, l'étirer, faire des bonds en avant, en arrière, etc... Si tu te remémorais ta vie depuis ta naissance jusqu'à aujourd'hui, tu ne la visualiserais pas de façon chronologique, tu fonctionnerais pas associations d'images, d'idées, de sensations, avec pleins d'allers-retours dans le temps, ça partirait dans tous les sens, mais ce serait tout de même une vision juste et honnête de ta vie! Et bien on imagine nos chansons de la même manière... Et pourtant, il n'y a qu'une seule direction, l'extase, la joie.

- Une constance se dégage de tous vos albums. Celle du refus d’entrer dans une case musicale bien précise. Comment arrive-t on, quand on est un groupe comme la Terre Tremble !!!, à garder cette même exigence sur chaque album ?

Oui, mais personne n'a envie d'être enfermé dans une case. Au fond, dans un spectre large de la musique - disons de Benjamin Biolay à Pneu, de Michel Jonasz à Merzbow - le discours est le même. Mais qu'on s'entende bien : j'aime les formes musicales très précises. La tradition est quelque chose que je mets au dessus de tout. S'il est honnête, un artiste n'est rien d'autre que la voix - certes déformée -  de ses propres ancêtres. Je crois qu'on a justement appelé l'album Salvage Blues pour cette raison : la tradition orale, les fantômes que l'on perçoit dans une mélodie ou dans un mot. L'idée que quand je parle, j'entends mon père, et pourquoi pas même une arrière-grand-mère que je n'aurais jamais vu! J'ai aussi cette conviction que ce qui tient du souvenir - du passé donc - est toujours "en train de" se passer. Qui-suis-je pour dire qu'avec ma petite personne, avec ma petite volonté, aujourd'hui, je pourrais partir de zéro, vierge de toute expérience, de toute histoire, en faisant abstraction des questions de genres, de traditions. Même l'état de transe demande d'être très clair par rapport à son propre passé. Je ne suis pas prétentieux, j'aime le cadre qu'impose la tradition, c'est justement en te confrontant frontalement à ces cadres que quelque chose d'unique et singulier se passera. Si tu écoutes des bluesman comme Charley Patton, Howlin' Wolf ou Robert Pete Williams, les mecs ne racontent rien de très neuf, mais ils ont cette manière de "déborder" des cadres strictes et rigides imposés par leurs ancêtres. Ce débordement, il est à eux-seuls, c'est le truc divin, charnel et magique que l'auditeur se prendra dans la gueule ou dans le corps. C'est pareil dans la relation qu'entretient l'Art Ensemble of Chicago avec l'histoire de la musique noire, ou Israel Galvan avec la danse flamenca - il y a trop d'exemples. Peut-être une relation amour-haine avec ses propres pères. Quelque part, avec La Terre Tremble!!! on n'a jamais absolument souhaité n'être casé nul part. Disons que c'est pas la fin en soi. On a notre arbre généalogique (qu'il soit musical, artistique, biologique), on l'assimile, on l'aime, on le déteste. Et là sort quelque chose, qui est certainement "notre" truc, du moins aux yeux des autres.

Attention, ce sont évidemment des choses qu'on se dit après-coup. Mais faut surtout pas réfléchir à ça au moment au moment ou tu composes !

- Vous dîtes que dans Salvage Blues on ne trouvera pas de « Déconstructions de quoi que ce soit » ni de «Math-, de Post-, de Noise-, d’Indie- ». Pensez-vous que votre musique a été jusqu’à maintenant mal cataloguée et par conséquent incomprise ?

Je pense surtout que chacun a son vocabulaire, ses références, sa manière d'entendre la musique, et surtout d'en parler. Pour certains, ce qu'on fait va être très difficile d'accès, donc on dit souvent "expérimental" dans ces cas-là ! Et pour d'autres, plus au fait de "ce qui se fait", notre musique sera très simple, voire pop ! Je sais qu'il faut accepter ça, c'est même toute la beauté, quasi-quantique, d'un public : un espace où il n'y a aucune vérité absolue. Pour quelqu'un, ça évoque telle chose, et pour son voisin, tout l'opposé. Où se trouve la vérité ? Y'a-t-il une bonne et une mauvaise manière de comprendre notre musique ? Surtout pas. On est bien conscient qu'on ne pourra jamais communiquer pleinement quoi-que ce soit avec notre musique. On ne s'y exprimera jamais totalement. Il y a un gouffre entre ce qu'on s'imagine faire et ce que l'on fait, et surtout entre ce que l'on fait et ce que les gens nous entendent faire ! Après, on voulait quand-même se permettre de donner notre petit avis sur la question, parce que beaucoup de ces termes nous apparaissent être du langage un peu préfabriqué.

Concernant la déconstruction, nous voulions juste donner notre sentiments par rapport à ce terme qui nous a quelque fois été attribué, certainement avec bienveillance dans la bouche de certains. Mais déconstruction de quoi ? Non, au contraire, on pensait justement créer des liens, construire des architectures démesurées avec les matériaux qu'on trouvait sous notre nez.
Concernant, les termes "indie", "post", etc… c'est juste l'impression que ce sont des préfixes fourre-tout, censés impliquer des notions de liberté, de modernité, d'intègrité et d'exigence, mais qui m'ont toujours fait l'effet d'une étiquette commerciale, moche, type "100% qualité", que l'on colle à tout-va, assez grossièrement ! Je ne juge pas un artiste à son engagement et sa position vis-à-vis d'une soi-disante "norme" musicale. Un artiste dit "mainstream" peut me plaire autant qu'un obscur outsider. Je pourrais te citer un paquet de musiciens dits "indie", voire même parfois autoproclamés "noise", qui font de la musique franchement aussi putassière que ce qu'on entend dans les magasins de fringues ou dans les pubs de portables. Ce qui nous importe, c'est l'individualité ! "Math", "post", tout ça, ça me donne l'impression de quelque-chose de très auto-centré, ça manque un peu d'humour, de mystère...

- Parfois on hésite à vous cataloguer dans une certaine mouvance indie/noise que Yann Debailleux décrit dans son documentaire Etat Des Lieux. Comment vous situez vous par rapport à tous ces groupes ?

Il y a quelque chose qui nous déprime pas mal, c'est quand on se sent faire partie d'un petit milieu ! Ou pire, d'un métier. Et pourtant, nous sommes bien conscients qu'on partage avec les gens dont tu parles une situation, une manière de bosser, un certain circuit. C'est quand même grâce à ce milieu - mais j'ai du mal à supporter ce terme - qu'on a réussi à faire notre petit bout de chemin. Avec ce coté familial, t'as vite l'impression que les choses sont plus rapides, que la communication est plus directe, que la France n'est pas si grande que ça! Après c'est toujours une histoire de références : aujourd'hui on parle pas mal de groupes supers comme Marvin, Papier Tigre, Fordamage, Pneu... Mais on pense aussi chaleureusement à la clique des Potagers Natures, qui nous ont fait découvrir il y a presque 10 ans une "manière" de bosser, de présenter sa musique, d'envisager la responsabilité qu'a un musicien vis-à-vis d'un public...

Mais il faut toujours être très méfiant quand il y a cette impression d'être un poil auto-centré. Ce peut se mordre la queue, t'en viens vite à ne plus parler que du "métier", de tes collègues, de blablater sur la situation qui est la même pour tout le monde, et donc d'être un peu fermé. 

Ce sont les dangers qu'impose l'idée de regroupements, de scènes. On est plus sensible aux individus qu'à tout ce qui touche au côté regroupement / petit-mileu.

- Une tournée est-elle prévue ?

Oui, plusieurs en fait ! De septembre à décembre, et même au delà. A l'heure où on te parle, on a donné notre première il y a trois jours! Nous sommes à la fois excités et terrifiés. On vient d'apprendre qu'on jouait avec Oxbow Orchestra à Paris, rien qu'à y penser, ça nous met déjà dans un état bizarre...

Cranes Records, label à suivre

Le label Cranes Records n’a pas encore un an d’existence et fait déjà parti de ces structures dont il faut observer le moindre fait et geste. Rassembleur de groupes aussi efficaces (Dead Horse One, The Dead Mantra) que passionnant (Seventeen At This Time), Cranes Records tente de placer sur la cartographie pop la bonne vieille ville du Mans sur les mêmes latitudes qu’East Kilbride, qu’Oxford ou Liverpool. Héritiers d’un certain âge d’or de la pop british allant du label Creation à Factory Records, les deux membres du label ont la noblesse de penser que la bonne musique ne vaut que si elle est soignée aussi bien dans son fond (pop, shoegaze, post-punk…) que dans sa forme (uniquement des sorties vinyles).

Intriguant et  revigorant, Ground Control To Major Tom a voulu en savoir plus et a donc posé quelques questions à ce tout nouveau label qui risque fort de souffler un bon coup de vent frais dans une France cherchant encore et toujours son propre Loveless, Nowhere et Movement.

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Cranes Records est un tout nouveau label qui n’a pas encore un an d’existence. Qui se cache derrière et comment est né le projet ?

Nous tirons tour à tour les ficelles de ce projet, toute participation « extérieure » est à chaque fois acceptée à bras ouverts (les groupes participent aussi, et toujours de plein gré, souvent de manière spontanée). Le projet est né suite à une envie profondément artistique, notre but premier restant encore assez flou au delà d'une démarche progressiste. Cependant, chaque nouveaux éléments qui viennent s'intégrer sont des actes réfléchis pour une cohérence qui évolue de jour en jour.

Un an d’existence et déjà quelques beaux articles sur le label et les groupes qui le composent (Gonzai…). Comment expliquez-vous cette rapide reconnaissance ?

C'est un peu comme votre approche aujourd'hui, certaines personnes disent aimer ce qu'on fait, et on arrive comme une fleur sur quelque chose qui pourrait peut être ne pas durer. C'est un enchaînement bien heureux motivé par nos proches, chacun entraînant Cranes Records vers le haut. Cela se fait par réseaux d'amis, la plupart du temps. C'est la meilleure des façons pour commencer.

Ma première rencontre avec un artiste de Cranes Records a été avec la compilation LTM#1 du label Le Turc Mécanique dans laquelle se trouvait un titre de Seventeen At This Time. Comment est venue l’idée de travailler avec un autre label ? Est-ce quelque chose qui se reproduira ?

Les artistes sont assez libres, même si nous nous consultons souvent pour la plupart de nos décisions au sein du label. Les Seventeen At This Time ont accepté de figurer sur la compilation Cheap Recordings, nous croyons que ce choix leur incombe. Nous leur laissons le choix de savoir ce qui est bon pour eux. Donc oui, cela se reproduira sûrement. Le contrôle total pourrait aussi être intéressant dans un sens, mais la précision n'exige pas forcément de dictature artistique. Et sans cette dite-compilation, nous n'aurions peut être pas atteint ton oreille si rapidement.

Les premières signatures du label font beaucoup penser à une certaine période glorieuse de la pop anglaise incarnée par des labels comme Creation ou Factory Records. Y a-t-il eu des labels qui vous ont influencés avant même de commencer l’aventure de Cranes Records ?

On est bien sûr influencés par ce qu'on aime, on espère aussi un jour atteindre le niveau d'excellence des labels que tu cites. Cependant nous sommes en 2012, prendre pour exemple des maisons de disques qui figurent au panthéon d'un certain âge d'or du disque est risqué, nous agissons plus par intuition. Et pour l'instant nous restons satisfaits du résultat.

Être basé au Mans est-il un avantage ou un inconvénient pour un label comme le vôtre ?

Nous avons un réel soutien grandissant au Mans, et les concernés sont très fidèles ! Nous avons d'abord été motivé par la lassitude, on remerciera donc toujours cette ville, tout en l'aimant et en la détestant à la fois. Créer un label est une réponse pacifiste à une violence de l'ennui.
PS : cette ville est un enfer des Dogs en B.O.

Quelles relations entretenez-vous avec les groupes ?

Des relations d'amis, non pas que nous prônions une idéologie de commerce amical, mais parce qu’ils nous apportent à peu près tout ce dont nous avons besoin pour ne jamais décrocher. Nous respectons ainsi leur démarche artistique, et nous essayons de les guider dans leurs projets.

Vous venez de sortir un split de The Dead Mantra et Dead Horse One, vous pouvez nous en dire un peu plus ?

Nous avons d'abord voulu sortir un single pour The Dead Mantra. S'en est suivi, pendant l'enregistrement du single, la découverte de Dead Horse One. Les deux groupes concernés ont finalement les mêmes influences mais des univers distincts. Après avoir soumis l'idée aux deux groupes de s'allier dans un projet de force, le tout s'est fait en un mois !

Vous allez rééditer The Silver Album de The December Sound. Comment en avez-vous eu l’idée ?

Les Dead Mantra sont depuis longtemps de grands amateurs des December Sound, c'est eux qui nous ont soumis un jour l'idée de rééditer le Silver Album. C'est aussi un de nos albums cultes, alors au début, c'etait plus un petit rêve qu'une idée. Ils ont accepté très vite, souhaitant sortir sur un jeune et petit label comme le nôtre. C'est donc un honneur, et nous serons toujours étonnés de leur modestie.

Pourquoi ce choix de sortir essentiellement des vinyles ?

Notre démarche est une démarche de qualité, nous défendons la qualité plastique du vinyle.

Quel est l’avenir à court, moyen et long terme pour le label ?

A court terme, rentrer dans nos frais. Pour les sorties, un EP de Dead Horse One à la fin de l'année, ainsi que l'album de Seventeen At This Time. L'année prochaine, l'album de The Dead Mantra.

Si vous aviez le choix entre rééditer ou sortir l’album d’un groupe de Creation ou Factory Records, quel serait votre choix ?

Les albums de Factory sont déjà assez réédités. On pourrait rééditer certains disques, pour parer aux spéculations d'aujourd'hui, mais ce n'est pas dans nos projets.

Cranes Records

 

Interview : Jesus Christ Fashion Barbe

Découvert dans une salle nancéenne lors de la soirée On Pousse Jusqu’au Totem organisée par What Comes Around Goes Around, Jesus Christ Fashion Barbe avait laissé plus qu’une bonne impression.

En à peine deux ans d’existence, le trio caennais s’est déjà fait remarquer dans les plus grands festivals de France avec seulement un EP de sept titres en poche.

A l’affiche de la dernière édition des Eurockéennes de Belfort, l’occasion était trop belle pour enfin les rencontrer et leur poser quelques questions pour une  interview au long cours. Il y est question de festivals et des Eurockéennes de Belfort, de souvenirs, de style musical et d’avenir discographique du groupe.

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-INTERVIEW-

Alors on va commencer par les formalités d’usage un peu contraignantes pour ceux qui ne vous connaissent pas encore. Jesus-Christ Fashion Barbe, c’est qui ? Depuis quand ? C’est quoi ?
Nicolas (basse) : C’est un trio qui vient de Caen  et qui existe depuis 2 ans. On se connaît depuis vachement longtemps, depuis qu’on est à l’école. C’est un nouveau projet qu’on a monté. 
Nicolas (chant) : On avait déjà des projets avant, dans plusieurs groupes. On est des copains de vie et de musique depuis très longtemps déjà. 
Nicolas (basse) : Ça semblait évident de refaire de la musique ensemble.
 
Vous venez juste de terminer votre set. C’est tout chaud. Je t’ai entendu dire que c’était la plus belle scène de France. Alors comment s’est passé votre concert ?
Nicolas (basse) : On ne les a pas toutes faites en même temps
Nicolas (chant, guitare) : On a une trentaine d’années. On a déjà fait pas mal de festivals en tant que festivaliers et aussi en tant que groupe et c’est vrai que cette scène est particulièrement jolie dans tout notre périple. (JCFB a joué sur une scène construite sur l’eau devant le public debout sur la plage).
Nicolas (basse): Et vu que Jésus marche sur l’eau…
 

La dernière fois que je vous ai vus en concert, c’était dans un tout autre cadre. C’était au Totem à Nancy lors de la soirée organisée par What Come around goes around. Comment passe-t-on d’un concert intimiste à l’ambiance d’un festival ?
Nicolas (basse) : En camion
Charly (batteur) : L’intention est un peu la même. Il y a juste un peu de stress supplémentaire parce qu’il y a un fantasme autour des Eurockéennes. Forcément, c’est un festival que l’on suit depuis que l’on est gamin. On regarde la programmation chaque année. On a rarement la chance de venir parce que c’est loin de chez nous donc on fantasme un peu sur le truc.
Nicolas (chant, guitare) : L’approche est différente
Charly (batteur) : L’approche est différente, mais c’est plus une gestion de stress.
Nicolas (chant, guitare) : L’envie est la même. Ce n’est pas qu’une question de stress ou d’importance de scène ou de festival. Et puis, il y a plein de gens qui s’occupent de ça. Alors après c’est différent lorsqu’on se demande si on préfère ce genre de grande scène ou les petites scènes qui sont plus proches du public.
Nicolas (basse) : C’est une chance de pouvoir faire les deux
Nicolas (chant, guitare) : Ouais, c’est vraiment intéressant de faire les deux.
Charly (batteur) : C’est un équilibre important à sauvegarder.
 
C’était important pour vous de vous produire dans un tel festival ?
Nicolas (basse) : On n’a pas eu le choix (rires)
Nicolas (chant, guitare) : On n’avait pas trop envie (rires)

 
Avant, ça évoquait quoi pour vous les Eurockéennes de Belfort ?
Charly (batteur) : Je parle un peu à titre personnel, mais quand j’étais plus jeune entre 17 et 25 ans…
Nicolas (basse) : Parce que j’ai 45 ans (rires)
Charly (batterie) : …j’attendais toujours deux programmations: c’était la Route du Rock et les Eurockéennes de Belfort. Ce sont deux festivals qui déjà par leur nom sont connotés très rock.
 
Vous êtes déjà venus aux Eurockéennes en tant que festivalier?
Charly (batterie) : Moi je suis venu jouer avec un autre groupe en 2007 je crois. J’avais déjà été épaté par la beauté du site.
Nicolas (basse) : Moi, je me rappelle d’une émission d’M6 présentée il y a longtemps par Laurence quelque chose
Nicolas (chant, guitare) : Fréquenstar ?
GCTMT : Laurent Boyer ?
Charly (batteur) : Laurence Romance ?
Nicolas (basse) : Laurence Romance c’est ça. C’était un vieux Rock Express spécial Eurockéennes. Ca devait être en 1997/98. Je l’avais enregistré et je le regardais en boucle. Il y  avait Nick Cave qui était venu avec PJ Harvey
GCTMT : J’y étais à ce concert. C’était en 1996.
Charly (batterie) : Tu en gardes un bon souvenir ?
GCTMT : Ouais c’était génial. Surtout qu’à un moment, il y a eu une panne de courant. Plus de son sur la scène en plein milieu du set.  Et puis il y a eu PJ Harvey qui est venue.
Nicolas (basse) : chanter Henry Lee, Get Down Get Down (Nicolas se met à chanter)
Nicolas (chant, guitare) : C’est une de mes chansons préférées.
Nicolas (basse) : C’est vrai on ne dit jamais qu’Henry Lee est l’une de nos chansons préférées. Si la prochaine question c’est: quelle est ta chanson préférée, on répondra Henry Lee.
GCTMT : Ok. Quelle est ta chanson préférée ?
Nicolas (basse) : Heu !! (rires)

 

 

Alors, le groupe n’a que deux ans d’existence, vous avez déjà fait Les Rockomotives, Les Trans Musicales, le Printemps de Bourges. A la fin du mois vous faites les Vielles Charrues. Comment expliquez-vous votre reconnaissance assez rapide ? On a l’impression que tout s’enchaine très vite pour vous.
Nicolas (basse) : Je pense que l’on a fait les bonnes choses aux bons moments. C’est une histoire de rencontres. Il y a aussi un gros facteur chance parce qu’on rencontre les bonnes personnes aux bons moments qui nous donnent l’impulsion à ce moment-là. On a gagné le tremplin de notre salle à Caen le Cargo, qui nous a fait rebondir sur celui des Vieilles Charrues puis des Trans Musicales de Rennes
Charly (batterie) : Le fait de tourner avec un tourneur, les Tontons Tourneurs, qui est aussi très implanté dans ce genre de festivals (Rockomotives….)
Nicolas (chant, guitare) : C’est un système de réseau aussi.
Nicolas (basse) : Avec nos anciens groupes, on attendait le producteur avec la bague en or qui frappe à notre porte. Mais en fait non, on se rend compte que c’est une histoire de réseau.
Nicolas (chant, guitare) : Il y a les tremplins comme celui du Cargo et des Vieilles Charrues qui nous ont amené des choses.
Nicolas (basse) : Ça nous permet de rejouer aux Vieilles Charrues d’ailleurs.
Nicolas (chant, guitare) : Il y a aussi le fait que ce que l’on fait soit bien, mais c’est encore autre chose.
 
Cette année vous faites les Eurockéennes de Belfort, Les Vieilles Charrues, vous avez l’impression de passer un cap dans votre carrière ?
Nicolas (basse) : De faire des concerts comme ça, d’en enchainer, parce qu’on en a déjà fait pas mal alors qu’à l’origine on ne pensait pas en faire autant et aussi vite, ben forcément ça nous a rodés et fait progresser. Maintenant, ce qui serait intéressant ce serait qu’on arrête d’en faire un petit peu pour refaire un autre disque. C’est ce que l’on a prévu de faire à l’automne. Mais je te bouffe tes trois dernières questions non ?
GCTMT : Ouais c’est un peu ça (rires).
Nicolas (chant, guitares) : Ce n’est pas un cap à passer parce que c’est complètement aléatoire. Il n’y a pas de cap à passer dans la musique.
Nicolas (basse) : Des crans peut-être.
Nicolas (chant, guitares) : On ne se pose la question de savoir si la prochaine fois on passera sur la grande scène.
GCTMT : C’est plus au feeling ?
Charly (batterie) : C’est plus une question de projet artistique. Enfin nous on est plus centré là-dessus. Faire des nouvelles chansons et voir ce que ça donne c’est plus ça. Mais c’est vrai que vivre ça au bout de deux ans, c’est quand même une chance.
Nicolas (chant, guitare) : On prend plus ça comme une chance qu’un cap.
Nicolas (basse) : Comme une récompense aussi. Pourvu que ça dure. Pourvu qu’on revienne aux Eurockéennes dans deux ans faire nos nouvelles chansons. Avec PJ Harvey, Nick Cave…
 
 

Vous aimez dire que vous jouez du Lo-folk’n’roll ? Vous pouvez expliquer un peu pour les novices ce que vous entendez par cette dénomination ?
Nicolas (basse) : On dit ça parce que c’est la mode de choisir des noms bizarres donc on s’en est cherché un et on a trouvé ça. Mais c’est un mélange de musique lo-fi, de folk et de rock’n’roll
 
Ca peut aussi résumer votre manière de travailler et d’écrire?
Nicolas (chant, guitare) : Surtout le côté lo-fi, parce qu’on essaie toujours de travailler avec les moyens du bord.
Nicolas (basse) : On essaie de ne pas avoir un gros son efficace, mais plutôt notre son, un peu tendu, un peu crado.
Nicolas (chant, guitare) : Même si, au fur et à mesure, notre son évolue quand même. On s’adapte aussi à des scènes comme ici où effectivement le lo-fi…il faut au bout d’un moment avoir un son qui passe partout.
Nicolas (basse) : Puis plus on travaille, moins ça devient lo-fi.
Charly (batterie) : Au départ, ce truc lo-folk’n’roll, c’était surtout pour trouver un style de musique. Mais le lo-fi, le folk et le rock ce sont surtout des styles que l’on aime et que l’on écoute. On se revendique de ça mais on ne sait pas si notre musique respire ça.
Nicolas (chant, guitare) : C’est toujours difficile de donner une étiquette à ce que l’on fait. C’est plus pour les journalistes.
 
Votre premier EP connaît un succès d’estime. Mais à quand une nouvelle production ? Vous bossez sur un album actuellement ?
Nicolas (basse) : On est en train d’écrire des chansons et on va s’y coller à la rentrée.
 

Vous savez déjà quelle couleur vous allez lui donner. Qu’est-ce qui changera par rapport à l’EP ?
Nicolas (basse) : Le groupe n’est pas très vieux donc on avance à notre manière.
Nicolas (chant, guitare) : Je pense que le prochain EP aura un son qu’on a un peu plus envie d’avoir.
GCTMT : J’ai lu dans une interview que vous aviez enregistré votre EP avec des connaissances assez proches.
Nicolas (basse) : Oui c’est çà. C’est notre ingé son, Christophe, qui nous a enregistrés avec son matos dans la maison d’un copain. Presque en condition live. On voulait un truc assez brut, assez live.
Nicolas (chant, guitare) : On va essayer que le prochain EP soit plus riche tout en gardant le même style de musique.
Charly (batterie) : En fait, c’est à partir du moment où la personne qui compose les chansons propose une identité, je pense que l’on ne s’éloignera jamais de son style propre.
Nicolas (chant, guitare) : A partir des arrangements, tu peux créer un style de musique aussi mais on va surtout essayer de faire de bonnes chansons et de faire quelque chose qui nous plaise sur un EP.
Nicolas (basse) : Pour pouvoir revenir au Totem.
 
Ca sera plus un EP ?
Nicolas (chant, guitare) : Oui un EP plus qu’un album je pense.
Charly (batterie) : On ne sait pas trop encore pour l’instant. Mais après il y a toujours cette histoire de format où effectivement la couverture médiatique est plus forte quand tu sors un album parce que c’est la première grande étape pour un groupe.
Nicolas (chant, guitare) : En même temps, faut assumer aussi de sortir un album. C’est compliqué pour un groupe parce qu’il faut suivre tout le processus.
Nicolas (basse) : Dans l’époque aléatoire dans laquelle on vit, le format EP permet de rester dans l’immédiateté.
 

Ça vous permet aussi de rester en contact avec votre public et d’être visible ?
Charly (batteur) : Oui c’est sur, c’est con à dire mais la pression est moins grande en sortant un EP qu’un album. Je crois qu’il y a le truc un peu couperet d’un album où les gens nous attendent au tournant. Il faut que l’on trouve un équilibre par rapport à ça.
Nicolas (chant, guitare) : Puis maintenant, l’EP a sa vraie place dans le milieu de la musique. Plein de groupes font des 5/6 titres.
Charly (batteur) : C’est vrai que toutes les plateformes internet ont redonné la place à l’EP. Avant, vu qu’il y avait très peu de distributions numériques, on pouvait apparaitre que sous la forme d’un album physique.
Nicolas (basse) : Avant, c’était des démos
Charly (batteur) : Le format physique dans lequel on pouvait apparaitre c’était l’album parce qu’il n’y avait pas d’autres moyens de diffusion. Autre que de donner un cd. Alors que maintenant, on peut lâcher quelques titres à gauche et à droite et, au final, les gens sont plus disponibles pour écouter ce que l’on fait.
 
Merci à Jesus Christ Fashion Barbe et à Lara

Le Turc Mécanique : Interview et concours

Pour ceux qui ne le savent pas encore, Le Turc Mécanique est un célèbre canular du XVIIIème siècle inventé par un esprit espiègle et dont le but était de faire jouer des joueurs d’échecs face à un automate. La supercherie  fut dévoilée seulement quelques décennies plus tard. Il s’agissait en fait d’un automate conduit par un vrai joueur d’échecs caché dans le double fond du meuble.

« L’homme dans la machine », c’est le concept qui traduit bien l’esprit de Lucie, Nicolas et Charles lorsqu’ils ont décidé de tirer les ficelles d’un label. Le nom était tout trouvé.

Tout nouveau label, Le Turc Mécanique réfléchit à une autre idée de consommation de la musique. Recherche de nouvelles manières de produire et de faire partager la musique en associant performances graphiques et événements multi-artistique. Le Truc Mécanique pense à l’après cd avec un autre regard et surtout une autre oreille. Et on peut dire que chez Le Turc Mécanique, ils ont l'ouïe fine. En effet, compiler avec un goût ultime dans leur première sortie physique des groupes aussi inconnus que le soldat qui dort sous l’Arc de Triomphe, il faut soit avoir un certain goût pour l’inconscience ou soit une forte dose de génie.

La cassette LTM#1 tirée à 50 exemplaires se situe d’ores et déjà dans le second constat puisqu’elle renferme sur sa bande des artistes aussi magnétiques que The KVB, Arc Light, Ajeeb, Seventeen at this time et le plus connu ici Blithe Field. Les deux derniers groupes seront à l’affiche de la release party qui aura lieu à l’Espace B en compagnie du label Poulpe Mort le 5 juillet prochain.

Ground Control To Major Tom est partenaire de cette soirée d’exception et vous fait gagner la cassette LTM#1. Pour gagner ce précieux objet, il vous suffit d’envoyer votre nom, prénom et adresse postale à [email protected]. Le gagnant sera tiré au sort et prévenu par mail.

Histoire de faire un peu plus connaissance, Charles du Turc Mécanique s’est prêté au jeu des questions réponses

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D'où est venue l’idée de fonder Le Turc Mécanique ? Et qui se cache derrière ?

Le Turc Mecanique, à l’heure actuelle, est la réunion et Lucie, Nicolas et moi. Nous sommes « étudiants », ou pas forcément, d’ailleurs, mais ça donne une idée de notre tranche d’âge. Nous avons lancé le Turc parce qu’on avait l’impression qu’il nous était possible de monter quelque chose de novateur autour de la « culture indépendante ». On a donc mis en place cette structure pour donner un aboutissement à nos idées, d’abord sur la musique enregistrée puis sur les concerts.

Ce qu’on cherche à faire, c’est réfléchir à la manière dont on met ces biens culturels en scène, dans quel cadre on les place. Comment va-t-on faire telle soirée, sachant les contraintes d’un lieu et la programmation qu’on souhaite proposer, sous quel support telle musique pourrait se trouver valorisée, c’est le genre de questions qu’on se pose.

 

Est-ce que l’on peut parler du Turc Mécanique comme un projet d’activistes DIY ?

Activistes, oui, vu qu’on ne touche pas pour l’instant d’argent avec, et que ce n’est pas notre but premier. DIY, oui et non. Si on fait tout nous même sur notre première compilation, c’est pour que ce soit physiquement un pur produit du label, dont on maîtrise de A à Z la fabrication. On ne s’interdit pas de passer par quelqu’un pour des objets plus complexes à produire ou en quantité ingérable sans machines dédiées. Après, on est profondément marqué par une volonté de faire des explorations, des choses inattendues, ce qui pousse à une approche très Do It Yourself. On n’est jamais mieux servi que par soit même, quand on expérimente.

Aussi, le fait de nous être associés, Lucie, plasticienne, Nico, bidouilleur fou, et moi, ça a pour but de faire les choses le mieux possible, alors que le DIY tolère l’imperfection. Nous quand quelque chose n’est pas comme on veut, on essaie de la faire évoluer dans notre sens, on refuse de se cacher derrière cette dénomination.

 

Quels sont vos labels de référence ?

On a pas vraiment grandi avec une fascination pour les labels. On en a pas grand-chose à faire, on en a jamais suivi un de A à Z... C’est peut être pour ça qu’on travaille non pas sur des disques, mais sur des objets musicaux, totems, qui peuvent plus lier les gens à nos futures productions. Pareil, o n n’organise pas de concerts, mais des soirées. Pas par prétention, juste parce qu’on peut y écouter un concert, mais aussi se faire bodypainter, assister à une expo, etc…

Maintenant qu’on a la tête dedans, on commence à faire attention à ce qu’il se passe à côté de nous, par curiosité. On suit les labels qui se montent, Poulpe Mort, par exemple. Chez les anciens, on a vécu des adolescence qui font qu’on est sensible à la démarche de FZM, par exemple, pour leur honnêteté et leur jusqu’auboutisme. Mais pas forcément musicalement. Après, il y a aussi PanEuropean, parce qu’ils sortent des trucs chouette, mais pareil, on a pas tout écouté. On a pas une grande culture label, en fait.

 

La  première sortie du label est une cassette. Pourquoi un tel choix ? Est-ce par mode, commodité  économique ou nostalgie ?

Aucuns des trois. On detestait l’idée de produire quelque chose d’industriel, dans des quantités inadaptées. Pour la LTM#1, notre première compilation, on avait envie de faire une vraie pièce rare, dans laquelle on pourrait perfuser notre âme à 100%. Cette cassette, ça devait être un manifeste et un objet qui pourrait rassembler les gens sous une identité commune. Il était donc hors de question de la sortir en CD. Le vinyle avait un côté hyper retro, ce n’était pas du tout ce que l’on voulait transmettre. La K7 représente quelque chose de plus intemporelle. C’est un support qui, à première vue n’est pas pratique, mais le 45 tours non plus, et il ne nous semblait pas essentiel de faire un objet facilement lisible. La musique physique, c’est devenu, je crois, quelque chose de symbolique, qui sert à exprimer un interêt pour la musique,  une façon de penser. On a donc pu presser la cassette dans les quantités qu’on souhaitait, cinquante pièces, et les packager à la mains, en faisant des pochettes en jeans et en les peignant une à une. On a donc travaillé notre compilation pour qu’elle puisse être quelque chose dont le possesseur soit fier, un OMNI (Objet Musical Non Identifié) signifiant. Pour l’aspect pratique, une version numérique sera évidemment offerte aux possesseurs de la LTM#1.

 

Vois-tu plus le support de la musique comme un objet de culte ou un objet de consommation ?

Je pense que la musique physique est plutôt quelque chose d’identitaire. Elle révèle aux autres la façon dont on veut être considéré, notre imaginaire. Quand on rentre dans un appartement où il y a une platine vinyle, ça veut dire que le mec a déjà un intérêt certain pour le fait musical, que c’est un « puriste ». Si on regarde son stock de disque, on comprend une esthétique. Le type qui a des disques de Blues, par exemple, il ne se voit pas de la même façon que celui qui à tout Kraftwerk, il ne se représente pas dans le même environnement.

Je ne sais pas si je suis très clair. En gros, si j’achète une brique de jus d’orange bio packagée de manière novatrice, je m’y identifie. Je suis donc « nature » et mon monde est jeunes, frais, etc.. C’est pareil pour la musique. Sauf peut être que c’est à posteriori qu’on comprend le sens d’un objet musical selon les gens qui les possède. Exemple, si tel album est acheté par une majorité de Punk, c’est un album qui vas dire « Je suis Punk ». Evidemment, je simplifie, mais c’est l’idée.

 

Comment vois-tu l’après cd ?

Ca va être génial, j’espère. Pleins de gens vont essayer pleins de support, de façon de sortir la musique pour elle-même, hors des synchro et tout. J’ai hâte de voir tout ce qui va en sortir. On y est sans y être pour l’instant. Il y a encore pleins de groupes qui veulent sortir des CDs, alors le CD n’est pas encore tout à faire mort.

Je pense qu’on peut comparer la situation à un cadre post-apocalyptique avec des poignée de survivants qui se reconstruisent. Certains utiliseront les modèles du passé pour se reconstruire, d’autre passeront à d’autres méthodes. Ce sera minoritaire, je crois, mais vraiment intéressant. Pendant ce temps là, je ne sais pas si la distribution numérique vivra l’essort qu’on lui predit. Et on s’en fiche, car globalement, Bitorrent, ou les sous-Megaupload ou leurs futures formes dominerons toujours le marché. C’est gratuit, c’est donc normal de le prendre.

 

Comment s’est effectué le choix des groupes se trouvant dans LTM#1 et peux-tu les présenter ?

Au coups de cœur, et parce qu’ils correspondaient à l’orientation esthétique. Il n’y a pas de selection par style de musique, mais il y a chez tous les groupes de la compilation un même bois. Quelque chose d’un peu triste, latent, plus ou moins flagrant, mais toujours là. Sundae, c’est l’exemple typique. C’est de la pop, c’est en espagnol, et pourtant, il y a quelque chose qui traine, au fond de tous leurs morceaux, d’hyper melancolique. On a retrouvé ça chez Blithe Field comme chez Seventeen at This Time ou tous ceux qui sont dans la cassette. Il y a aussi cette tendance à l’expérimentation, et toujours un côté cold, mais profondément moderne.

 Il y a des groupes que j’ai trouvé géniaux, ces temps ci qu’on n’envisage pas du tout de sortir. Par exemple, j’ai vu par hasard les nancéens de The Aerials, et j’ai trouvé ça hyper bien. Mais ce n’est pas envisageable de faire quelque chose avec eux. Ce serait perdre notre identité, et je pense que d’autres les défendraient mieux que nous. Mais c’était franchement chouette.

 

Sur la compilation LTM#1, on retrouve Blithe Field la première signature du tout nouveau label Poulpe Mort avec lequel vous collaborez pour la release du 5 juillet. Comment s’est effectuée cette rencontre et comment se manifeste-t-elle ?

C’est par Remi, d’Atelier Ciseaux, qui avait fait passer Warm Blood à des camarades avant qu’il ne sorte. L’album est titanesque, il a créé de nouveaux horizons dans mon paysage musical. Il était donc évident qu’on l’invite à faire un morceau sur la LTM#1. A partir de là, il était logique qu’on s’associe avec Poulpe Mort pour la fête de sortie de la compilation, car ce sera aussi un peu leur Release à eux. J’ai vraiment hâte de voir ce qu’ils vont sortir ensuite.

 

Parallèlement, vous sortez une série de single digitale intitulée "Cheaps Recordings". Peux-tu nous expliquer le principe ?

Les Cheaps Recordings, c’est un plaisir qu’on se fait et qu’on fait aux artistes qu’on aime bien. L’idée, c’est de sortir régulièrement des morceaux « hors series », enregistrés par les groupes ou par nos soins sur un matériel précaire en essayant d’adapter les chansons  au support lo-fi. Des espèces d’instantanés  du multipiste, avec des arrangements parfois maladroits, des beats pas hyper carrés etc. C’est aussi pour nous l’occasion de présenter des inconnus complets ou des associations de musiciens inédites. Le premier, celui de Smiling Clown, est déjà en ligne. C’est les Seventeen At This Time, si tout va bien, qui se chargeront du suivant. On va essayer d’en sortir environ un par mois, mais encore une fois, c’est pas l’usine.

Balades Sonores en interview

Depuis sept ans, Toma et le collectif des Balades Sonores sont des activistes et des défenseurs de la cause musicale indépendante.

Armé d’un sens aigu de la découverte  et d’un goût prononcé pour le raffinement sonore, Balades Sonores propose des alternatives innovantes pour accompagner les artistes émergents et guider les mélomanes pointilleux. A travers les Sélections, La Fabrique, le Label et les Concerts, Balades Sonores est LA bonne idée qu’il fallait avoir. La tête pensante de ces promenades auditives, Toma, s’en explique dans une interview.

Avant, il y avait Les Boutiques Sonores rebaptisées aujourd’hui Balades Sonores. Peux-tu expliquer la naissance de ce collectif et son évolution durant ces sept premières années d’existence ? Qui travaille dans ce collectif ?

Oui, Les Boutiques Sonores sont nées il y a déjà plus de 7 ans... Au départ, au sein de l'agence feu Ok Boss, avec l'idée d'implanter des points écoute/vente de disques dans des lieux atypiques, avec des sélections musicales régulières...
Petit à petit le projet a évolué avec un vrai contenu éditorial dédié à la mise en avant d'artistes en développement, auto-produits ou sur des labels indépendants. On a gardé et accentué cette idée d'itinérance et de défrichage via des outils alternatifs, comme nos sélections (désormais mensuelles), l'organisation d'événements (du showcase intimiste à une soirée marathon à La Flèche D'or, en passant le festival BitterSweet (Paradise)), le label, la diffusion de flyers et affiches,... sans oublier le lieu que l'on vient d'ouvrir: La Fabrique Balades Sonores.
On est passés par plusieurs statuts pour mener à bien cette aventure: hébergement en agence, création d'une association puis montage d'une société. Aujourd'hui cohabitent l'association BS Party & Records (pour le label et les concerts) et la sociéte Balades Sonores (pour la promotion et la boutique). D'où la préférence finalement de se considérer plus comme un collectif qu'autre chose.
Aujourd’hui, il faut savoir que personne n'est encore salarié ici... on galère et bricole... On fonctionne avec bénévoles et stagiaires pour l'instant, dont 2/3 permanents.... 

Au départ, les Boutiques Sonores sont connues pour leur sélection trimestrielle (maintenant mensuelle). Peux-tu nous en parler ? Une grande place est apportée aux artistes français ?

C'est en effet le réseau de lieux que j'évoquais au début... des endroits où l'on pouvait écouter et acheter une sélection de disques via des bornes à écran tactile...
Même si on abandonne petit à petit ces bornes (paradoxalement archaïques aujourd'hui et trop couteuses à entretenir), on a gardé le lien avec ces lieux en leur proposant régulièrement showcases ou autres collaborations (comme des stands). On a toujours accordé de l'importance à l'idée de synergie entre les lieux. Encore aujourd'hui, avec notre propre lieu de diffusion pourtant, il est important de continuer à parler des autres lieux qui œuvrent courageusement pour valoriser une scène indépendante de qualité (disquaires, salles de concerts, etc)
Nos sélections mensuelles sont donc mises en avant via ces lieux, mais aussi via un dépliant édité à 20 000 exemplaires, via un travail sur le web et les réseaux sociaux, via une série de concerts, etc
On fait effectivement la part belle aux artistes français dans la mesure où ce sont les projets que l'on suit au quotidien, les labels que l'on soutient, les groupes que l'on programme,... mais pas que, dans la mesure où des structures comme Beggars font aussi confiance à notre travail. Aussi, les frontières musicales et géographiques s'estompent... donc des labels français sortent des disques d'artistes étrangers, et vice versa. Et c'est tant mieux.

Balades Sonores ont deux autres pôles : Concerts et Diffusion ?

Tout est lié. On a choisi de multiplier nos actions pour donner un maximum de visibilité à nos coups de cœur. C'est aussi devenu une question de survie: le label par exemple relève plus du mécénat qu'autre chose et ça serait juste impossible de sortir de temps en temps des disques si on avait pas d'autre activité. Tout est imbriqué finalement.
Parler d'un nouvel EP ou album est une chose, mais pouvoir aussi proposer à l'artiste l'organisation de sa release party est vraiment un atout pour valoriser mieux le projet.
La diffusion de flyers et d'affiches nous permet bien entendu d'assurer à nos propres supports (comme le dépliant Balades Sonores) une bonne visibilité mais sert directement les besoins de diffusion des labels et artistes avec qui l'on travaille.
On voit tout ça comme un tout.

Quelles relations entretiens-tu avec les labels et artistes ?

Avant tout une relation de "coup de cœur"... donc affective... donc avec ses avantages et inconvénients ;)
Quand ça se passe bien, ça se passe souvent très bien. Quand ça se passe mal, ça se passe parfois très mal, avec larmes et rancœurs à la clef.
On en arrive au final à préférer notre travail autour des Sélections Balades Sonores plus qu'avec le label, les artistes attendant de ce côté-là beaucoup plus que ce qu'il est possible d'apporter, entrainant frustration des deux côtés.

Balades Sonores c’est aussi un label. Comment choisis-tu les groupes avec lesquels tu veux travailler?

J'ai un peu anticipé ma réponse à cette question lors de la précédente... Le Label Balades Sonores (ex. BS Records) s'est voulu comme un pas de plus dans l'accompagnement des artistes, avec la volonté d'offrir aux artistes la possibilité de sortir de beaux supports (souvent en vinyle). Mais les réalités économiques et juridiques nous ont vite rattrapées. Les artistes sous-estiment souvent l'investissement temps/argent que cela représente... On se retrouve aussi dépassés par tout l'administratif... Tout ça est dur à porter.
On doit aujourd'hui revoir un peu nos ambitions en tant que label... à la hausse ou à la baisse ? On ne sait pas trop encore...

Peux-tu parler de l’identité visuelle des Balades Sonores et de l’artiste ChicaMancha ?

Le travail de ChicaMancha est partie prenante de Balades Sonores, Esther Marti étant un peu notre muse et notre inspiration au quotidien, boulot et perso ne faisant ici finalement presque plus qu'un...
Elle est donc la moitié de Balades Sonores, à la maison et au bureau ;)
Les Sélections Balades Sonores n'auraient pas le même sens sans l'habillage visuel de ChicaMancha... ça s'explique difficilement en fait. Son travail correspond peu aux codes graphique en vogue et je crois que c'est ça sa force.
On a aussi eu la chance de collaborer avec des graphistes qui ont su saisir l'identité Chicamancha et nous proposer des lectures sensibles de ses illustrations ainsi qu'une charte graphique adaptée (remercions ici Nathalie Wagner, Guillaume Kashima, Thibault Garnier et Thomas Mery).

La dernière nouveauté des Balades Sonores c’est la Fabrique, que trouve-t-on dans ce lieu ?

La Fabrique Balades Sonores est en effet la dernière pierre posée à ce fragile édifice qu'est Balades Sonores.
On a mené le pari fou d'ouvrir en 2012 une boutique essentiellement dédiée à la vente de disques... mais on y trouve aussi tout l'univers créatif de ChicaMancha (sa collection de vêtements et des accessoires), ainsi qu'une sélection de livres, de sérigraphies, de films, etc
On y organise aussi de nombreux showcases, souvent avec les artistes issus de nos sélections Balades Sonores mais aussi en fonction des opportunités... ce qui nous permet de proposer de temps à autres des groupes étrangers en tournée en Europe qui ont envie de faire halte dans un petit lieu intimiste et chaleureux.

Quelles sont les prochaines actualités des Balades Sonores ? Peux-tu présenter « Bitter Sweet Paradise » ?

On se prépare pour l'été et la saison des festivals. On va repartir sur la route avec nos stands, notamment au Midi Festival à Hyères, à La Route du Rock ou encore au Pop In Djerba.
Mais c'est surtout l'organisation et la tenue de notre BitterSweet (paradise) 2012 qui va nous occuper les semaines qui viennent. Plus de 60 artistes programmés sur 10 jours dans plus de 10 lieux... Cet événement cristallise finalement assez bien ce qu'est Balades Sonores: faire beaucoup avec peu de moyens, et de façon différente.
Pour cette troisième édition, on essaie de sensibiliser le public en amont pour financer la partie communication et logistique (via Oocto.com), pour ensuite pouvoir reverser les recettes des concerts aux artistes. Il faut noter que tous les concerts seront à prix libre et qu'il ne faut pas chercher LA tête d'affiche de festival cette année, car il n’y en a volontairement pas. On n’a pas voulu cette année faire de l'ombre à la scène que l'on défend tout au long de l'année. Et remercions ici les artistes qui ont joué le jeu: ils ont tous accepté de jouer sans savoir ce qu'ils gagneront au final. Cette émulation collective nous galvanise pour la suite en tout cas. Tout n'est pas perdu et il est encore possible de monter des projets en dehors des sentiers battus... Bon, peut être que je finirais en prison un jour, à force d'organiser des événements "hors-la-loi"... mais je n'aurais pas mauvaise conscience car je l'aurais fait sans la volonté de m'enrichir personnellement et avec le seul but de FAIRE.

 

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Télémaque en interview

Première signature rap du label messin Kito Kat Records, Télémaque s’apprête à sortir son second EP La Haine Ordinaire. Bien plus qu’une simple confirmation de ce que l’on était en droit d’attendre de lui depuis l’inaugural Groupie, Télémaque s’émancipe et se forge un style propre. Brassant la musique électronique, la pop et le hip hop classique, La Haine Ordinaire échappe à toutes les règles à grand renfort de textes percutants.

En prémices d’une release party, en compagnie de La Caution qui s’annonce déjà pleine de surprises le 9 juin aux Trinitaires de Metz (et pour laquelle on vous fait gagner des places), Télémaque s’est prêté au jeu des questions/réponses et revient sur la genèse de La Haine Ordinaire, ses différentes rencontres et sa manière d’écrire.

Concours : Pour gagner des places pour cette soirée à ne pas manquer, il vous suffit juste d’envoyez un mail avec vos nom et prénom à l’adresse [email protected]. Les gagnants seront tirés au sort et prévenus vendredi 8 juin par mail.

 

Ton premier EP, tu l’as écrit dans un laps de temps très court. Comment s’est passée l’écriture de La Haine Ordinaire ?

 Ça s'est passé progressivement. Quand j'ai commencé a travailler les live avec Cadillac, on se voyait une fois par semaine pour répéter. Et c'est d'abord dans ce cadre la qu'on a commencé a faire des nouveaux morceaux. On avait besoin d'étoffer le set. Au bout de 3 mois, on s'est rendu compte que dans ce qu'on avait bossé, on avait 3 ou 4 morceaux assez cohérents qui pouvaient servir de base a un projet sur disque. Contrairement au 1er EP, les textes n'ont pas été écrit dans l'urgence, et abordent différents thèmes la ou Groupie ne tournait qu'autour d'un seul. On a aussi joué les titres en concert avant de les enregistrer, chose que je n'avais pas pu faire sur le précèdent disque, et ça nous a permis de voir les choses qui fonctionnaient bien et de nous concentrer dessus.

 
Sur Groupie, tu avais demandé à plusieurs de tes connaissances de faire la musique. Aujourd’hui, c’est Cadillac qui met en son tes textes ? Comment s’est effectuée votre rencontre ?

 Cadillac faisait des sons pour un pote à moi qui avais un projet qui s'appelait Radio 22. Et ce pote me dit un jour qu'il lui a fait une prod qui serait parfaite pour moi. Je l'ai écoutée, elle m'a plu, je suis allé chez Cadillac pour enregistrer le truc et ça a donné L’Ambition, qui est le 1er titre sur lequel nous avons collaboré. Il venait de s'acheter une MPD et il passait son temps a taper des beat comme un gamin. De la, je lui ai proposé de m'accompagner sur scène pour jouer les titres live. Pour ne pas avoir simplement un DJ qui passe les disques derrière moi. Çà a un bien fonctionné et on est parti la dessus. On a bien aimé composer ensemble et si c'est lui qui produit tous les sons de ce disque, c'est parce qu'on a passé beaucoup de temps a préparer les premières parties que l'on a eu l'occasion de faire cette année. C'est arrivé naturellement.

 

Une des principales critiques de ton premier Ep, c’était ta voix qui n’était pas assez mise en avant. Sur quoi s’est portée ton attention lors de l’enregistrement de La Haine Ordinaire ?

 Déjà les conditions d'enregistrements ont été radicalement différentes. Plus de temps, plus de moyens, plus de matériels. Avoir fait des concerts m'a aussi permis d'assumer un peu plus ce que je fais, ce qui n’étais pas forcement le cas avant, et de m'affirmer. Sur Groupie, personne n'attendait quoi que ce soit, j'avais l'esprit tranquille. La je savais qu'il fallait qu'on sorte un truc bien propre. Je voulais surtout que la production mette en valeur les chansons. On a tout fait nous même, de la composition a l'enregistrement jusqu'au mixage et au mastering. Et je trouve que Cadillac a fait un super boulot. Il a su tenir compte de mes envies tout en ajoutant sa touche personnelle. Je pense qu'on est très complémentaire.

 

Sur La Haine Ordinaire, on retrouve plusieurs featuring. Un avec Spitch avec lequel tu as déjà joué sur Groupie, et un autre  avec le groupe folk The Yokel. Comment en es-tu arrivé à jouer avec eux ?

Spitch est un vieux copain de lycée. On avait un groupe ensemble, Champloo, dans lequel il y avait aussi Capsule aux platines. Même si on a plus rien fait en tant que groupe depuis quelques années, je continue a faire de la musique avec lui régulièrement et c'est lui qui m'accompagne sur scène. C'est un rappeur excellent, avec un style unique, et il serait temps qu'il se bouge un peu pour faire un truc rien qu’à lui.

Pour The Yokel, c'est un peu la même histoire. Je connais Tibo, le chanteur, depuis un moment. Quand il a commencé The Yokel avec Lulu, ils enregistraient également chez Cadillac. L'envie de faire un morceau ensemble est venue du fait que j'aimais beaucoup ce qu'ils faisaient, et apparemment, c’était réciproque. Le morceau présent sur l’EP a été réalisé en une seule soirée, l'été dernier. Entre temps ils nous ont accompagnés lorsque l'on a fait une date entièrement acoustique et je ne serais pas surpris que d'autres titres avec eux voient le jour dans le futur.

 

Le format pop c’est quelque chose vers lequel tu pourrais un jour te diriger ?

Je ne sais pas trop. Si je juge qu'une chanson est bonne, le format m'importe peu. Je suis capable de m'extasier de la même façon en écoutant  In death's embrace de Dimmu Borgir et Teenage dream de Katy Perry.
L'important, c'est de prendre du plaisir a faire la chanson et de ne se fixer aucune barrières. Sur Confettis, on n’est pas parti en se disant que ça ferait cool d'avoir une ballade un peu pop. On voulait surtout s’éclater a faire un morceau ensemble pour voir ce que ça pouvait donner de confronter nos univers respectifs.

 

Dans tes textes et surtout dans Al W Need, tu parles d’histoires qui peuvent arriver à tout le monde. Quel est la part autobiographique dans tes textes ?

Une grande part. Mais j’essaie toujours d'en parler sans vraiment en parler. Je ne veux pas raconter ce qui m'arrive directement. Déjà par pudeur et aussi pour les personnes qui sont impliquées dans mes histoires. Alors je romance un peu. Je trouve une idée, un concept. C’était déjà le cas sur Groupie, ou j'ai tenté de faire passer ce que je ressentais a travers la relation que peut avoir l'artiste avec sa groupie.
Al W. Need est différente. Elle part d'un constat simple. Quand on se fait larguer, on entend exactement les mêmes paroles de réconforts et les mêmes conseils foireux qu'on donnerait nous même a quelqu'un qui irait mal de s’être fait lourder. J'ai synthétisé tout ça, j'y ai mis de l’expérience personnelle, vu qu'on parle vraiment bien que de ce qu'on connaît, et ça a donné ce résultat. C'est surtout la 1ere fois que j’écrivais un texte sans la musique, en un seul jet.
C'est pour ça qu'elle est un peu a part dans ce que je fais habituellement. Je n'ai pas posé mon flow sur une musique. On a composé une musique pour aller avec les paroles.

 

Peux-tu nous expliquer ce qu’est la 3éme loi de Newton ?

C'est le principe des actions réciproques. En gros, si tu vas sur wikipedia tu pourras lire que  tout corps A  exerçant une force sur un corps B subit une force d'intensité égale, de même direction mais de sens opposé, exercée par le corps B.  On appelle ça plus communément le principe d'action/réaction. Ce qui est une simplification pas très précise du phénomène.
Mais on s'en fout un peu. C'était juste une manière cool de régler quelques comptes. Une façon de m'adresser aux quelques personnes qui ont pu dire du mal de moi. Le message est en gros: Si tu m'attaques, je réponds. C'est la petite touche RapGame du disque !

 

Tes deux premiers EP sont sortis chez Kito Kat Records, un label messin dont le catalogue est fortement marqué par la musique électronique, la pop… Comment s’est faite la rencontre avec le label ?

Assez simplement. Déjà Metz, c'est tout petit. Tu finis vite par connaître tout le monde quand tu fais de la musique. Et en fait je suis copains avec Dr Geo, que j'ai connu a l’époque ou il faisait des trucs avec Robochrist quand nous on avait Champloo.
C'est chez lui que j'ai enregistré la 1ere version de Groupie a l’époque ou je me suis remis a la musique. Il a fait écouter ça a Sam de Chez Kito. Ca lui a plu. Et c’était parti.

Et j'aime bien être le seul rappeur du label. C'est assez confortable comme situation.

 

Le 9 juin prochain, tu organises la release party de La Haine Ordinaire aux Trinitaires de Metz en compagnie de La Caution, un des groupes les plus atypiques de la scène rap française. Comment se prépare-t-on à un tel événement ?

La Caution, c'est mes idoles Rap. Ça a toujours été mon rêve de jouer avec eux. Quand on nous a offert la possibilité de faire la release, c'est naturellement vers eux que mon choix s'est tourné.

Après c'est une soirée particulière. On a plus l'impression d'organiser une fête qu'un concert.
C'est pas du tout comme lorsqu'on nous a proposé les 1ere parties d'Orelsan ou le Klub des Loosers avec Beat for Sale. La on savait que les organisateurs attendaient de nous qu'on soit réellement professionnels vu qu'il prenait le 'risque' de nous faire jouer. Mais on s'en est bien sorti et je pense que du coup les gens savent maintenant qu'on est capable d'assurer un bon show dans des événements de ce genre.  Cette fois-ci on y a va plus décontracté parce qu'on veut que ça se fasse dans la bonne humeur et dans une ambiance décontractée. Y'aura tout nos copains ainsi que nos familles qui seront la.
D'ailleurs le concert qu'on proposera ce soir là est spécialement prévu pour l'occasion. Y'aura plein de copains qui nous rejoindront sur scène et y'aura quelques surprises sympas.

Comment te situes-tu dans la scène rap française ?

La je t'avoue que je peux pas répondre a cette question. J'imagine que c'est les gens qui finissent par te donner ta place a un moment ou un autre. Et pour être honnête, j'ai pas une connaissance incroyable de la scène rap française actuelle. Je n’ai aucune prétention. Je fais de la musique parce que j'aime ça. Et j'en ferai toujours. Que ce soit seul chez moi ou sur une scène. Je m'efforce juste de développer, par mes textes et les thèmes que j'y aborde, une identité qui m'est propre.

Chez Kito Kat Records / Bandcamp

Poulpe Mort en interview

La naissance d’un label est quelque chose que l’on aimerait voir plus souvent. Témoins des premiers pas discographiques de l’un d’eux, on ne peut que s’empresser de leur poser quelques questions, histoire d’en savoir un peu plus. Surtout lorsque la première signature, Blithe Field et son album Warm Blood,  est  un musicien aussi mystérieux qu’addictif. Alors Paul le Poulpe est mort, Vive Poulpe Mort.

Pouvez-vous présenter Poulpe Mort et pour quelles raisons avez-vous décidé de créer un label ?

Il y a mille et une raisons assez diverses. Poulpe Mort c’était un truc qui trainait au fond d’un tiroir depuis quelques années, comme lorsqu’ on dit qu’on va ouvrir un bar avec des amis. L’été dernier à Montréal, c’est devenu une nécessité, alors on s’est lancé, c’était l’occasion ou jamais.

 

Pourquoi ce nom, Poulpe Mort ?

C'est un hommage à Paul le poulpe, celui qui devinait le résultat des matchs lors de la dernière coupe de monde de foot, ça nous a beaucoup ému cette histoire, non en fait on aurait préféré qu’il reste en vie lui…Pour être un peu plus précis, ça fait longtemps que l’idée existe : Au début on souhaitait avoir une structure pour organiser des expos, des concerts...un truc polymorphe, comme un poulpe. Et mort parce que c’est féroce un poulpe vivant, mort c’est inoffensif, on peut le modeler et le remodeler, tirer dessus, en faire une boule, c’est totalement malléable et plastique, comme se trouve le label aujourd’hui.

 

Combien de personnes travaillent pour le label ?

Nous sommes trois, et puis des copains nous rendent des supers services.

 

Quelle est la ligne artistique du label ? Est-ce qu’il y a une esthétique qui a été élaborée dès le départ ?

Il n’y en a pas. La seule véritable limite, c’est notre plaisir (monomanie) à écouter. Ça nous  pose certaines questions, parce qu’en ce moment on écoute beaucoup de hip-hop et de hardcore, et on aimerait beaucoup sortir des disques de groupes qui font ces musiques Et les ponts entre les différents groupes pour lesquels on voudrait faire un disque existent mais ne sont pas forcément très éclatants, donc poulpe mort pourrait ressembler à une macédoine.

 

Des labels vous ont-ils inspirés ?

Forcément oui, en tous cas certains nous ont vraiment donné envie : Atelier Ciseaux, Constellation et No Sleep Records pour citer les plus importants, dans l’envie de passer à l’acte.

 

Votre première sortie, Warm Blood de Blithe Field, est assez underground. Sur quels critères choisissez-vous les artistes qui figureront sur votre label ?

La question s’est posée différemment, Blithe Field y est pour beaucoup dans la décision de lancer la création du label. Comme pour une des questions précédentes, le critère principal est notre plaisir. Idéalement, le choix des groupes se fera comme ça s’est passé pour Blithe Field, sans trop de discussions. Nous écoutons tous les trois des choses assez différentes. Pour schématiser : Sonia écoute du Jazz, Simon du Hardcore, et j’écoute de la Folk, mais nous nous retrouvons sur certains terrains et ça devient magique parce qu’on avait vraiment envie de faire ça ensemble.

 

Comment s’est faite la rencontre avec Blithe Field ?

Sur Bandcamp, avec le split Blithe Field/Easily Suede. Sa musique nous a beaucoup surpris et plu, puis obnubilé pour tourner à l’ obssession. On écouait en boucle et nous sommes devenus assidus de tout ce qu’il pouvait sortir. Au début, on lui écrivait juste pour savoir s’il jouait près de chez nous, toujours avec cette idée de label derrière la tête et puis ensuite on lui a proposé de faire un disque et il est monté à bord. D’ailleurs nous lui organisons une tournée en Europe cet été, les dates seront annoncées prochainement sur notre site.

 

Etes-vous en relation avec d’autres labels ? Et quelles relations entretenez-vous avec eux ?

Oui, Messy Life Records la maison de Blithe Field et ses amis, s’occupent de la vente de Warm Blood pour les Etats-Unis et le Canada et puis ils nous confient Two Hearted pour  l’ Europe, ça se passe dans la bonne humeur. D’ailleurs Corey de Messy Life accompagnera Spencer à la guitare sur la tournée européenne. Et puis Cyril de What A Mess ! records nous a présenté Rémi d’ Atelier Ciseaux, qui est devenu  un sacré appui pour nous. Rémi a une générosité et une discipline infinie, il nous a donné beaucoup de son temps pour nous faire part de son  expérience et nous conseiller. J’en profite pour le remercier !

 

Warm Blood de Blithe Field sort en vinyle. Est-ce le format que vous allez privilégier pour les sorties prochaines ?

 C'est un format qu'on aime bien en effet, et ça fait aussi une jolie pochette. Si un jour l’occasion se présente de  sortir un disque d’un groupe de l’espace ou d’une autre galaxie, peut-être que le format vinyle ne sera pas adapté...quoique...on y réfléchira en tous cas.

 

Quelles sont les prochaines sorties prévues pour Poulpe Mort ?

On préfère encore attendre un peu pour en parler, on peut juste dire que le prochain groupe habite à Montréal.

Les 10 ans de l'album "Des Lendemains" d'Orwell

Cela fait dix ans qu’Orwell, un des groupes phares de la scène nancéenne, a sorti son premier album et débuta une carrière internationale. A l’occasion du dixième anniversaire de l’album Des Lendemains, il était naturel de demander à Jérôme Didelot de revenir sur les débuts d'Orwell à travers une interview au long cours pour (re)découvrir un album essentiel.

Je me souviens d’un concert en première partie de Joseph Arthur où Orwell s’appelait encore P.S Goodbye. Peux-tu nous toucher deux mots sur ce projet pré-Orwell et quels sont les points communs avec Orwell ?

 P.S. : Goodbye était un groupe de copains de lycée au parcours assez classique : répétitions dans la cave des parents, concerts dans les bars du coin, premières parties… Et avec ce petit décalage entre l’ambition et le sérieux. Certes on essayait d’écrire des chansons qui tenaient la route, mais ça partait un peu dans tous les sens, entre l’indie pop du début des années 90 et une chanson pop francophone dans la lignée des Innocents, en première partie desquels nous avons eu la chance de tourner avant que le groupe ne se sépare.

Quand et comment l’histoire d’Orwell a vraiment débuté ?

 La fin des études des uns et des autres a fait que les membres de P.S. : Goodbye ont quitté la région pour certains, vers la fin des années 90. A titre personnel, j’avais envie de démarrer un projet musical plus cadré où je contrôlerais un peu plus de choses sur le plan artistique. En marge de cette volonté, j’avais pour partenaires deux talentueux musiciens qui avaient accepté de s’y associer : Thierry Bellia qui avait fait ses preuves dans le groupe longovicien Les Accidentés, et le pianiste virtuose Alexandre Longo, que je connaissais de longue date mais avec lequel je n’avais jamais vraiment eu un projet commun jusque-là.

Avant "Des Lendemains", il y a eu un mini EP autoproduit qui a eu son petit effet parmi les revues spécialisées (Inrocks, Magic, Rock & Folk, Libération…). Il y a même eu une publicité pour Levi’s.

Oui, rétrospectivement tout cela était assez inespéré. Le mini album était composé de 5 maquettes enregistrées sur un 8 pistes et 2 titres enregistrés en live dans les locaux de Radio France Nancy. Nous considérions le disque plutôt comme une carte de visite. Les résultats ont été assez inattendus, pour beaucoup dus au travail de notre manageuse à l’époque, Frédérique de Almeida.  

Dans quel état d’esprit se trouvait le groupe avant et pendant l’enregistrement de "Des Lendemains" ?

Eh bien assez conquérant, mais malgré tout un peu marqué par la frustration. En effet, nous étions « boostés » par les quelques articles qui nous avaient été consacrés, mais un peu déçus de n’avoir pu trouver mieux qu’un distributeur en France. Je garde quand même le souvenir d’une période enthousiasmante.

Pensais-tu, à l’époque, que l’on parlerait encore 10 ans après de l’album "Des Lendemains" ? Et aujourd’hui, quelles sensations ressens-tu vis-à-vis de cela ?

Orwell est toujours resté un groupe très confidentiel. Malgré tout, je me rends compte rétrospectivement qu’on s’était bien débrouillés avec cet album, qui est sorti dans pas mal de pays, qui a fait l’objet d’un nombre assez conséquent de chroniques, de Libération au CMJ Magazine aux Etats-Unis, de Rock N’Folk au Bangkok Post.

Parle-nous de l’enregistrement et dévoile nous quelques petits secrets sur l’enregistrement ?

L’album a été intégralement enregistré chez Alexandre, qui disposait certes d’un bon équipement, mais qui n’avait rien à voir avec un studio professionnel. Aussi la débrouille s’est-elle avérée le maître-mot, notamment pour les prises de batterie, « gonflées » avec des sons de boîtes à rythme pour rendre le son plus ample. Les cordes ont une part importante sur l’album, d’ailleurs les filles qui en jouent faisaient quasiment partie du groupe à l’époque. Là encore, les prises n’avaient rien d’orthodoxe. Sur les pistes séparées, je suis sûr qu’on doit entendre quelques bus passer, ou quelques miaulements de Mousse, feu le chat d’Alexandre, paix à son âme.

Quelles étaient les principales influences du groupe à cette époque ?

A titre personnel, j’avais à l’époque deux albums de chevet : Gideon Gaye des High Llamas et Promenade de Divine Comedy. Avec Thierry et Alexandre, nos influences communes étaient sans doute la new wave des années 80, mais chacun apportait sa spécificité : Thierry des arrangements de guitare très influencés par le jeu de Johnny Marr, Alexandre un style pianistique aussi bien imprégné de jazz que de classique. Cela peut paraître présomptueux, mais pour moi Alexandre est incontestablement le Sakamoto français. A tout cela, je dois citer l’influence des artistes français sur lesquels on se rejoignait à l’époque : les Innocents bien sûr, mais aussi les derniers albums de L’Affaire Louis Trio, certains titres de Daho ou même Sheller.

Grâce à "Des Lendemains", Orwell a tout de suite eu un écho favorable à l’étranger ?

En fait, les premiers moyens pour produire l’album sont venus de l’étranger. A l’époque, un label japonais nous avait offert une avance de quelques milliers de francs pour produire un album, sur la foi de ce qu’on avait proposé sur notre mini album qui avait été importé au Japon.

Peux-tu nous dire quelques mots sur la pochette d’Olivier Godot avec qui tu as beaucoup travaillé au début d’Orwell ?

En fait, il y a trois pochettes différentes ! En effet, les labels étrangers réclament souvent un « artwork » spécifique. Avec mon ami d’adolescence Olivier, alors devenu graphiste, on a travaillé sur deux des trois pochettes (les pressages français et américain). En fait, on avait parcouru les rues de Lyon, où il habitait à l’époque, et pris en photo des édifices qui évoquaient un modernisme déjà dépassé, pour contribuer à l’ambiance rétro-futuriste du disque. Le résultat est un montage de différentes photos. 

Quel regard portes-tu aujourd’hui sur "Des Lendemains" ? Y’a-t-il des choses que tu modifierais ?

Comme tout musicien contraint de finaliser une collection de chansons à un moment donné, je suis toujours saisi par les imperfections dès lors que je réécoute le résultat après avoir laissé passer un peu de temps. Je me rappelle une grossière erreur au moment du mastering d’un morceau, sur lequel on a recollé une partie vocale à un niveau bien inférieur à celui du mixage original. Si je devais émettre un regret, il concernait particulièrement le morceau titre, Des lendemains. Je l’apprécie toujours, mais il me semble qu’on n’en a pas fait une version optimale, ni sur le mini album (sur lequel il figure déjà), ni sur l’album éponyme.

Sur la page Bandcamp de l’album, tu as dévoilé plusieurs inédits. Comment, des titres comme "My Favourite Doll" et "No Sense In Sighing", ne se sont pas retrouvés sur l’album ?

J’en reviens aux demandes spécifiques des labels étrangers. On nous réclamait régulièrement des titres exclusifs pour les différents pressages. My Favourite Doll est une ballade que j’avais écrite pour le premier anniversaire de ma nièce, quant à No Sense In Sighing, c’est une version demo qui figure sur le pressage thaïlandais, ce titre étant sorti en 2003 sur une compilation japonaise par ailleurs.

Parle-nous de la reprise de Prodigy "Breathe" ?

Elle date vraiment du tout début d’Orwell. On l’avait en premier lieu travaillée pour la scène. La version que l’on en proposait, avec trois filles sages aux cordes, et son arrangement presque « musique de chambre », faisait toujours son petit effet lors des concerts. On l’a finalement enregistrée, mais uniquement pour en faire un « bonus track » car elle était assez différente du reste de l’album.

Aujourd’hui, Nancy semble vivre une nouvelle ébullition musicale avec d’excellents groupes comme The Aerial, Hoboken Division…Penses-tu que l’on parlera encore d’eux dans dix ans ?

Effectivement, même si je n’ai pas encore eu la chance de voir ces groupes sur scène, ce que j’en connais laisse présager le meilleur. En plus ils ont l’avantage d’évoluer dans des styles musicaux assez inédits par rapport à ce que les groupes nancéiens antérieurs ont pu proposer. En revanche, je ferais un très mauvais directeur artistique, c’est pourquoi je ne me risquerai à aucun pronostic de carrière…

Site / Bandcamp

Atelier Ciseaux: Interview et Mixtape

Le milieu de la musique est encore, fort heureusement, peuplé de passionnés pensant avant tout à la qualité de la musique plutôt qu’à la rentabilité. S’il y a bien un label qui n’a toujours pas cédé aux sirènes du mercantilisme et qui allie exigence musicale et esthétisme soigné, c’est bien Atelier Ciseaux. Mené par Rémi, Atelier Ciseaux abonde le landerneau musical de sorties plus belles les unes que les autres (Split Ela Orleans/Dirty Beaches, Oupa, François Virot, Jeans Wilder...). Il suffit d’écouter la dernière réalisation déjà sold out, de Cough Cool / Johnny Hawaii pour s’en rendre compte.  A la tête d’un label à taille humaine, Rémi n’hésite pas à dire lorsqu’il aime quelque chose. C’est à la suite de la réception d’un mail de félicitations pour un article lu sur GCTMT, que l’envie d’une interview et d’une Mixtape exclusive  vit le jour.

1/ Pour ceux qui ne te connaissent pas encore, peux-tu présenter Atelier Ciseaux ? Comment le label est-il né ? Qui se cache derrière ? Quel est ton rôle ?

Le label "existe" depuis "toujours" ! Enfin, dans ma tête ! Pas sous ce nom, pas derrière ce logo, ni avec ces groupes bien sûr mais depuis -ce- "toujours", j'ai ressenti cette envie, ce besoin de créer un
label. Adolescent, j'en rêvais déjà. A 25 ans, j'y pensais encore (et encore). Depuis une dizaine d'années, une bonne partie de mon temps a été consacré à la musique. J'ai commencé par écrire pour des webzines/magazines puis j'ai organisé quelques tournées et concerts. J'ai également travaillé pour des agences de communication/ promotion. Ça a été comme un long brainstorming - des prises de notes sur un carnet fantôme -, qui m'a permis de savoir plus précisément ce que je voulais faire et surtout ce que je ne voulais -absolument- pas faire. Et puis le disque de François Virot "Yes or no" a changé ma vie, nos vies. Aimer un disque si fort et ne pas pouvoir imaginer que quelqu'un d'autre que toi puisse le sortir (la version cd a été réalisé par Clapping Music). C'était un (le?) signe, crois-moi ! On a commencé à deux avec Marine et cette folle envie de sortir ce disque de François. C'était courant 2008 puis j'ai ensuite continué seul pendant quelques mois avant que Philippe ne rejoigne le label. On est -si mes calculs sont bons ?- deux pour le moment mais on va accueillir une troisième personne sous peu. Les rôles sont finalement interchangeables à volonté, à l'infini. En trois ans, on a donc sorti une douzaine de vinyles, quelques cassettes et un dvd.

2/ Le nom d’Atelier Ciseaux fait référence à une sorte d’artisanat ? Quel est l’esthétique du label ?

C'est une remarque qui revient souvent, très souvent, trop souvent (?). Au tout début d'Atelier Ciseaux, je m'occupais en parallèle d'un autre "label" Atthletic Duddes. De la noise pour cassettes recyclées. Enregistrer les cassettes une par une, les peindre, découper les pochettes... là on pouvait parler d'artisanat. Avec Atelier Ciseaux, on a gardé quelques-unes de ces habitudes mais ce n'est pas systématique. Certaines sorties sont fabriquées à la maison, d'autres sont sérigraphiées ou encore manufacturées de coin en coin par des machines perdues en république tchèque. Le but n'est pas de tomber dans l'ennui et de répéter des formules les yeux fermés mais de trouver, en fonction des projets, une cohérence entre la musique et le support. La ligne éditoriale est quasi inconsciente ou presque. Bien entendu, on tient à garder une certaine continuité entre les projets mais jusqu'ici on a quand même sorti des choses assez variées : la folk bancale/ baskets à scratches de François Virot, le suicide rock'ab de Dirty Beaches, la pop rugueuse de U.S. Girls, le bruit blanc de CVLTS, le piano lo-fi des ballades de Oupa, le shoegaze-slacker de Young Prisms, l'electronica colorée de Lucky Dragons, la pop-bedroom de Best Coast et Jeans Wilder, les vidéos tête-de-mort d'Andy Roche... On sort  ce qui nous touche, nous hante. Pour les formats, c'est la même chanson ! Vinyles, cassettes et dvd. L'important c'est de proposer quelque chose de soigné.

3/ Des labels t’ont-ils influencé aux débuts ?

Comme ce projet "existe" en quelque sorte depuis longtemps, il s'est nourri de beaucoup d'images, d'icônes. Et pas uniquement dans la musique. Des labels comme Sub pop, Dischord... ont dû me souffler  cette idée mais dans les faits -d'action- ce sont des rencontres, des échanges et non des logos sur une pochette qui m'ont donné l'impulsion pour en faire quelque chose de réel. Des influences plutôt piochées dans une scène punk-diy que dans un quelconque indépendantisme rock. Et quand je parle de scène DIY, je fais référence à des personnes pour qui le DIY ne se résume pas uniquement à utiliser de la colle et des ciseaux.

4/ Comment se passe le choix des artistes avec lesquels tu décides de travailler ? On a l'impression qu’Atelier Ciseaux est sans cesse à la recherche d’une curiosité underground.

Quand l'écoute d'un morceau vire à l'obsession et que tes proches commencent à te détester, quand -comme je le disais- tu n'imagines personne d'autre que toi sortir tel ou tel disque... c'est sans doute une banalité absolue mais on écoute nos battements de cœur. Évidemment, il est important que les groupes avec qui l'on collabore nous comprennent et réciproquement. Certains labels appliquent cette "politique" de la nouveauté permanente en ne sortant que des groupes à la discographie encore vierge. Nous, non ! Que ce soit leur premier ou centième disque, l'essentiel est de garder un rythme cardiaque bloqué à 120 bpm pour chaque release. Cette couleur/ orientation correspond à ce que l'on écoute, à ce qui nous plaît, à la vision que l'on a de la "gestion" du label. Comme une continuité de ce que nous sommes. Si le label n'existait pas, j'écouterais sans doute les mêmes choses. C'est toujours super chouette de découvrir un nouveau groupe, de le partager mais si demain Dinosaur Jr m'écrivait pour me proposer de faire un 45 tours, j'accepterais hystériquement dans la seconde qui suit. On ne s'impose aucune mission ou ambition pyramidale. Atelier Ciseaux n'aura jamais la vocation de devenir un travail. Le seul objectif est de continuer avec cette même envie, de faire ce qui nous plaît. Et c'est ça qui compte.

5/ Quels sont les relations que tu entretiens avec eux ? C'est purement professionnel ou ça va plus loin ?

On a toujours eu cette "chance" d'avoir de bons rapports avec les groupes. Avec la distance, les kilomètres de routes, la plupart des projets se sont concrétisés/développés par courriels. J'ai eu l'opportunité d'en rencontrer quelques-uns et de me créer de chouettes souvenirs. Prendre la route entre Montréal et Philadelphie pour voir jouer U.S. GIRLS, affronter une tempête de neige pour rencontrer les Young Prisms, organiser un concert en appartement pour Lucky Dragons, découvrir Vancouver grâce à Nikki de Terror Bird... Avec François Virot ça a été quelque peu différent puisque je me suis également occupé d'organiser ses tournées pendant plus d'un an. Avec certains on s'écrit régulièrement, avec d'autres c'est beaucoup plus rare. Chacun a sa vie, son quotidien. On ne va pas te cacher que c'est toujours agréable de dépasser ce stade du "on fait juste un disque" (même si on est déjà à des années lumières d'un quelconque rapport professionnel) mais le but premier est de sortir quelque chose dont tout le monde est satisfait. Après si ça s'arrête là, c'est dommage. Mais si quelque chose se passe, c'est wow !

6/ Ta première sortie fut l’album Yes Or No de François Virot, depuis, très peu de français sont sur ton label. Ton regard est définitivement tourné vers l’Amérique du Nord ?

En effet ! On devrait peut-être même envisager de faire notre demande de green card ! Haha ! Encore une fois, ces choix se font uniquement en fonction de ce qui nous plaît et non en fonction d'une zone géographique quelconque ou autre. Ça aurait pu être des roumains, des colombiens... Sans doute que la musique que l'on écoute ces derniers temps est plus populaire, pratiquée en Amérique du nord. Et encore... Même si je tenais -un peu, beaucoup, passionnément, à la folie- à
avoir un nom en français, à aucun moment je n'ai voulu faire un label français pour groupes français. Ou un label français pour public français. Juste un label. On vient de sortir une cassette avec le surfeur marseillais de Johnny Hawaii. On a aussi été en contact avec d'autres groupes français mais rien ne s'est concrétisé.

7/ Parmi tes autres relations, tu as pris l’habitude de collaborer avec d’autres labels pour sortir des nouveaux projets (La Station Radar, Hands In The Dark…). Tu peux nous en toucher quelques mots ?

Avec LSR, notre histoire a débuté en 2010 après un échange de mails pour troquer quelques disques. Fleur et Jérôme avaient ce projet de sortir un 45 tours avec Terror Bird et on leur a proposé d'y participer. Ce n'est pas évident de collaborer avec des "inconnus" parce que chacun à ses rituels, ses bonnes et mauvaises habitudes. Mais tout s'est très bien passé, on s'est rencontrés à plusieurs reprises et c'est par la suite qu'on a décidé de travailler sur un catalogue commun pour 2011. C'est agréable de partager ça avec quelqu'un, de suivre une direction similaire. Collaborer te permet également de prendre du recul sur ce que tu fais, de te remettre en question. Une belle rencontre. Avec HITD, c'est tout récent. Morgan nous avait contacté à leurs débuts pour nous demander quelques conseils. On est restés en contact et il nous a proposé de co-réaliser avec eux le splicassette Cough Cool/ Johnny Hawaii (sorti il y a quelques semaines). A notre tour on a proposé à LSR de nous rejoindre. Une triple entente en quelque sorte. On est tous très contents de cette sortie. D'ailleurs je vous invite fortement à découvrir les catalogues de ces deux labels.

8/ A l’ère du tout numérique, la cassette audio et le vinyle sont les deux principaux supports que tu privilégie, pourquoi ? Et pourquoi réaliser des sorties en si peu d’exemplaires ? Pratiquement toutes les productions d’ Atelier Ciseaux sont sold-out.

Par affection ! On aime ces supports et les possibilités qu'ils offrent. On n'a pas non plus signé de pacte "croix de bois, croix de fer, si on sort autre chose que du vinyle ou de la cassette, on ira en
enfer". Il y a deux ans, on a sorti un dvd-r, "Radical Witness Of Iowa", qui regroupe trois vidéos têtes-de-mort d'Andy Roche. Si l'envie nous prend de faire un cd, on le fera. Ces petits tirages permettent justement de penser à des artworks plus spéciaux, voir uniques. Par exemple pour CVLTS, on a acheté 30 vieilles cartes postales/ icônes religieuses et chaque cassette a été peinte à la main. On ne cherche absolument pas à créer une frustration. C'est vrai que ces derniers temps on assiste à cette frénétique bousculade pour l'objet limité. Ce besoin, cette fierté de posséder un disque ou une cassette bientôt inaccessible. Et forcément cette tendance est favorable aux labels qui produisent de petites quantités. Faut pas non plus oublier cette équation élémentaire -et inévitable- qui prend en compte ton budget et « l'accessibilité » d’un disque. Surtout pour certaines musiques.

9/ En tant que patron de label, quel est ton regard sur les nouveaux modes de consommation de la musique ? Et aussi que doit être (ou ne pas être) un label aujourd’hui selon toi?

Atelier Ciseaux est né dans cette ère du "add to friends/ blogs/ mediafire" donc on n'a pas vraiment vécu cette "crise". J'imagine que c'est différent pour ceux qui étaient là avant et qui ont subi ce changement. Pour nous petite structure, la donne n'est pas exactement la même puisqu'on s'adresse principalement à un public qui est encore attaché à l'objet. Mais tout va vite, très vite, trop vite. On reproche parfois aux labels/ groupes d'enchaîner furieusement les sorties mais il faut aussi voir à quelle allure les informations sont relayées, consommées. Le matin on te dit que tel ou tel groupe est génial, le soir tu l'as déjà oublié et remplacé par un autre. Je me demande ce que l'on va bien pouvoir retenir de cette dernière décennie. Comme j'aime le répéter, on s'invente une future perte de mémoire collective. Que doit être un label ? J'en sais rien du tout. Il n'y a pas de règles, tant mieux non ? L'important pour moi c'est de le faire avec sincérité et conviction. Le reste, ça appartient à chacun. J'ai toujours eu une certaine admiration pour les gens qui mènent/ menaient des projets de ce type (dans la musique ou dans n'importe quel autre domaine) parce que cela demande beaucoup d'investissement. T'es quasi certain que lorsque tu dis que tu as ton propre label, on va te répondre que c'est "super cool, blabla". Bien sur que ça l'est. Mais ce n'est pas uniquement "super cool". Derrière, tout n'est pas aussi simple. Ça te prend du temps, de la rigueur, tu dois le combiner avec "ton vrai travail". Parfois tu dors mal, t'es stressé, tu fumes beaucoup trop. On en parle pas souvent -ouvertement- mais t'as aussi droit à ton lot de déceptions, de trucs ratés. L'année dernière on a eu plusieurs projets qui sont tombés à l'eau. Parfois les groupes splittent et à part te sentir désolé tu ne peux pas y faire grand chose. Parfois t'as le sentiment d'être vraiment pris pour un con. Ce n'est pas si grave de tomber parce que tu sais que tu ne t'arrêteras pour rien au monde. Rien, rien, rien. Alors, oui c'est chouette de voir de voir des gens
prêts à s'investir par passion, conviction. Des gens prêts à gravir des montagnes renversées, à imaginer des plans impossibles. A essayer, tout simplement.

10/ Quels sont les projets d’Atelier Ciseaux pour 2012 ?

Manger mieux peut-être ! Aller voter.. On a commencé l'année en sortant le split cassette entre Cough Cool et Johnny Hawaii. On a plusieurs projets en cours, certains datent de trois ans ! Trois ans ! Ha ha, je n'y croyais même plus.  Pour le moment on préfère garder ça pour nous -j'espère que tu ne m'en voudras pas- et l'annoncer en temps voulu. En tout cas, ça devrait être une chouette année. On croise les doigts !